Artists  
Gallery     

Kyoto Gallery

Info per aderire

Formmail Email

Luvit

Cerca nel sito

GuestBook

Contact

Lista eventi di oggi
PressRelease   

Art News

Il Giornale dell'Arte

" Cara Befana,

non ho mai creduto in te, ma voglio dirti una cosa.

Il Premio Terna, al quale partecipano tantissimi “artisti” le cui opere in concorso vengono pubblicate sull’apposito sito, assegna annualmente un riconoscimento a chi riceve il maggior numero di voti on-line. 

E così ogni volta centinaia di email mi arrivano puntualmente da altrettanti artisti che, tra loro in competizione, si attendono tutti, in virtù della nostra amicizia, che voti per loro. 

Dopo essersi regolarmente registrato, chiunque può, pur nell’impossibilità sostanziale di visionare e comparare le migliaia di opere in concorso, assegnare il proprio voto.

Alla stregua di aspiranti miss, vallette, veline o postine, gli artisti mobilitano familiari, amici e amici di amici pregandoli, come in una interminabile catena di S. Antonio, di coinvolgerne ancora altri alla ricerca di preziosi voti. 

Voti, si chiedono voti e non apprezzamenti! Al di la di ogni impossibilità di valutazione, ciascuno ti chiede esplicitamente e ripetutamente di votare per loro. 

Esattamente come avveniva, e ci auguriamo sia solo un ricordo, nel segreto della cabina elettorale dove si dava la preferenza al nome che qualcuno ci aveva appuntato sul bigliettino che a nostra volta avevamo ben piegato e riposto nel fondo della tasca. 

Sono questi meccanismi perversi, che nulla hanno a che vedere con l’arte, a generare la convinzione che valore e riconoscimento spettino a quanti, a qualunque costo, dimostrino la propria capacità di mobilitazione.

Di fronte a ciò provo una grande tristezza non per quanti raccogliendo migliaia di indirizzi utili incrementano il loro potere comunicazionale, ma per i tanti “artisti” che continuano a credere nella befana.

L'arte, quella vera, non ha bisogno di voti né di vincitori ma di attenzione, sensibilità, cultura. Soltanto la passione che l’alimenta, la frequentazione ed il contagio determinano quella crescita sconosciuta ad un mercato distorto, drogato e lontano dalle istanze che dell’arte sono a fondamento. 

Vadano gli artisti per primi a visitare le altrui mostre! Non quelle promosse da un'economia che ha i suoi tornaconti. Contribuiscano essi, con la propria assidua presenza fisica, a determinare un clima di partecipazione e condivisione ogni qualvolta ciascuno di loro si mette a nudo su una tela o attraverso le proprie parole. Coinvolgano dolcemente altri a respirare la medesima aria.

L’arte è vita per chi la produce e linfa vitale per chi se ne nutre. L'arte è incontro e confronto, mai competizione.

Cara Befana, non ho mai creduto in te e non ti chiedo regali ma, qualora tu esistessi, ti prego: portati via il Premio Terna!"

S’inaugura lunedì 7 gennaio alle ore 18 il nono appuntamento espositivo di “Firenze: Panorama Arti Visive”, rassegna artistica che si svolgerà fino a luglio 2013 nei locali dell’Ideal Firenze, in via Il Prato 4/b.
Ideata e diretta dal giornalista Fabrizio Borghini con la collaborazione di Daniela Pronestì, la rassegna si propone di raccontare l’arte contemporanea attraverso una serie di appuntamenti
in cui la presenza di differenti linguaggi artistici porrà in essere un intreccio di suggestioni visive, stili e tecniche tra modernità e tradizione. La mostra, curata e presentata per l’occasione dalla
critica d’arte Veronica Mura, vedrà la partecipazione di Gianfranco Autunnali, Maurizio Biagioni, Fabrizio Filippi e Daniele Ricci.

Alle ore 19 presentazione del libro “Assenzio” scritto da Veronica Mura.

Presente all’inaugurazione il Presidente del Consiglio Comunale Eugenio Giani.

La mostra si protrarrà fino al 21 gennaio e sarà visitabile negli orari di apertura del locale (Lun - Giov 7.00 / 24.00, Ven - Sab 8.00 / 24.00).

L’evento sarà ripreso dalle telecamere di Toscana Tv.

Per info: danielapronesti@hotmail.com  

MARCELLO SCARSELLI 
IN MOSTRA A PALAZZO MEDICI RICCARDI DI FIRENZE.

Si inaugura venerdì 11 gennaio 2013 alle ore 16,30 a Firenze presso la sala espositiva “La Limonaia” di Palazzo Medici Riccardi, in via Cavour (sede della Provincia di Firenze) la mostra di pittura, scultura e incisione dell’artista Marcello Scarselli dal titolo “Humanitas Machinarum” (il lavoro dipinto) a cura di Giuseppe Cordoni e Filippo Lotti.
Marcello Scarselli: artista pisano, pittore, disegnatore e scultore. Inizia la sua carriera artistica negli anni ’70, partecipando a numerose mostre collettive e consolidandola negli anni attraverso una costante attività espositiva sia in Italia che all’estero con antologiche personali d’ampio respiro.
Decisivo nella sua formazione l’incontro con numerosi artisti toscani come Paolo Grigò e Mario Madiai e la conoscenza di artisti di fama internazionale quali Ennio Calabria e Giancarlo Ossola.
Marcello Scarselli nato a Santa Maria a Monte (PI) nel 1953, dopo essersi diplomato all’Istituto Tecnico di Pontedera, prosegue gli studi frequentando corsi di disegno ed intaglio. La sua pittura è raccontata attraverso tecniche e contenuti d’avanguardia. la cui evoluzione espressiva è soggetta ad una costante ricerca.
Come scrive il critico Giuseppe Cordoni nel suo testo: “gran parte della critica ha più volte già rimarcato la duttile complessità e l’eclettismo stilistico che aumenta la sintesi a cui il linguaggio di Scarselli a man mano perviene; espressionismo astratto ed informale, gestualità segnica e onirismo infantile”. 
Dal canto suo Elena Capone sottolinea “quel suo agile appropriarsi d’una modernità che prende in prestito tecniche e procedure arcaiche, in un astrattismo ibrido in cui affiorano forme riconoscibili e familiari; un’indagine artistica che fa del silenzio e dell’introspezione il suo motivo conduttore complesso, infinito e mai risolto”.
Una pittura interiore, un viaggio nella materia, scrive Riccardo Ferrucci, che diventa scoperta di sentimenti ed emozioni; l’arte è un gioco tra luce e buio, tra memoria e ricordo, un appassionato dialogo con la storia e il tempo.
Le sue immagini si fanno più delicate, rarefatte, malinconiche, affiorano i toni del grigio, si riducono le variazioni cromatiche, si aprono spazi più vuoti ed essenziali.
Marcello Scarselli nel 2011 è stato selezionato dalla critica del Regno Unito, per una esposizione internazionale alla Galleria Royal Opera Arcade Pall Mall (London).
Di recente ha esposto, con artisti come Ivan Theimer, Gigi Guadagnucci, Silvio Loffredo, Girolamo Ciulla, Renato Frosali, Alfonso Borghi. 
Numerosi suoi dipinti figurano in collezioni pubbliche e private in Italia e all’estero.
Ha realizzato etichette d’autore per importanti vini di Bolgheri (Versilia Wine Art, a cura di Lodovico Gierut, Chiesa di Sant’Agostino a Pietrasanta).

La mostra patrocinata dalla Regione Toscana e Provincia di Firenze e con la collaborazione con FuoriLuogo, servizi per l’Arte e con l’Associazione Culturale “La Ruga” è curata da Giuseppe Cordoni e Filippo Lotti, curatore anche del catalogo che accompagna la mostra.
La mostra itinerante sarà esposta in altre due prestigiose location in Toscana: Palazzo Mediceo di Seravezza e il Museo Piaggio di Pontedera.
Inaugurazione: venerdì 11 gennaio 2013, ore 16,30
La Limonaia Palazzo Medici Riccardi, via Cavour 1-3 Firenze.
Orario mostra: tutti i giorni dalle 9,00 alle 19,00.
Chiuso il mercoledì. 
Ingresso libero solo il giorno dell’inaugurazione.

Anna Scorsone Alessandri

ASOLOARTFILMFESTIVAL
1973 – 2013 Quarant'anni di Cinema d'arte

32ª EDIZIONE
BANDO DI CONCORSO

30 Agosto – 8 Settembre 2013

Festival Internazionale del Film sull’Arte e di Biografie d’Artisti

Il Festival è ideato ed organizzato da A.I.A.F. (Asolo International Art Festival), ente 
culturale non profit con personalità giuridica privata (D.G.R. del Veneto N° 59/41.03 del 
18/04/03). 

Il Concorso si articola in due sezioni: 

• FILM SULL'ARTE per opere dedicate all’arte in tutte le sue forme e a lavori di ricostruzione storica e interpretazione critica dedicati all'arte;

• BIOGRAFIE D'ARTISTA per lavori di ricostruzione storica e interpretazione critica dedicati a personaggi del mondo dell'arte;

REGOLAMENTO

Al Concorso possono partecipare solo opere realizzate dopo il 1 gennaio 2011. Le opere dovranno rientrare in una delle 2 sezioni previste da contrassegnarsi nella scheda d’iscrizione. 
La Commissione di selezione si riserva tuttavia, qualora ne ravvisasse gli estremi, la possibilità d’inserire l’opera pervenuta in una sezione diversa da quella suggerita dall’artista. 
Le opere dovranno avere una durata non superiore ai 52 minuti per le opere con tecnica classica e non superiore ai 10 minuti per i film d'animazione. 
La partecipazione al Concorso è gratuita. 

Per partecipare al Concorso è obbligatorio: 

• compilare e stampare il presente regolamento completo di scheda di partecipazione compilata in ogni sua parte, in modo chiaro e leggibile; 
• inviare l’entry-form compilata e firmata, con annessa autorizzazione all’utilizzo dell’opera a scopi didattici, culturali e promozionali di AsoloArtFilmFestival, senza fini di lucro; 
• inviare 2 copie dell’opera in DVD standard PAL; 
• inviare una breve biografia e una filmografia essenziale dell’autore e/o degli autori; 
• inviare una sinossi dell’opera in lingua italiana e/o inglese; 
• inviare immagini del film in formato JPEG ed eventuali foto di scena dell’opera in supporto CD ROM (almeno 4); 
• inviare il dettaglio dei brani musicali originali e non, utilizzati come colonna sonora, indicando autore e titolo dei brani. 

La scheda di partecipazione priva di firma non ha valore legale. Pertanto l’assenza della stessa comporterà l’automatica esclusione dal Concorso. 

Per qualsiasi ulteriore informazione contattare A.I.A.F. all’indirizzo e-mail: info@asolofilmfestival.it 

L'invio dei materiali di cui sopra sarà ad esclusivo carico e a cura dei partecipanti e dovrà avvenire entro il 30 maggio 2013. 

Per le opere che perverranno oltre tale data, farà fede il timbro postale. Qualora l’invio fosse incompleto, l’ammissione al Concorso sarà decisa ad insindacabile giudizio della Direzione del Festival. Le copie dell’opera inviate al Concorso non saranno restituite, ma entreranno a far parte dell’archivio A.I.A.F. fondato per scopi didattici, culturali e divulgativi, nonché per dare a tutte le opere archiviate la maggiore visibilità possibile. A.I.A.F. garantisce che le opere suddette potranno essere liberamente e gratuitamente consultabili. 
Le opere inviate al Concorso non verranno duplicate, copiate, proiettate e/o presentate al di fuori dei luoghi ufficiali ove si svolge la XXXII edizione di AsoloArtFilmFestival, fatte salve le copie necessarie per le proiezioni e le collaborazioni ulteriori, effettuate a scopi didattici, culturali e di promozione del Festival e senza alcuno scopo di lucro. 

Le opere e relativa documentazione richiesta, dovranno essere spedite al seguente indirizzo: 
AsoloArtFilmFestival
Foresto Vecchio, 8
31011 Asolo (TV), Italia

Una Commissione di Selezione selezionerà le opere pervenute. 

Il giudizio della Commissione di Selezione è insindacabile. 

Gli autori e i produttori delle opere in Concorso saranno informati sull’ammissione o meno al Concorso; in caso di ammissione, dovranno inviare all’indirizzo sopra indicato una copia del master dell’opera riversata su DVD testato PAL. 

Le copie delle opere selezionate dovranno giungere alla Direzione del Festival entro e non oltre il 15 luglio 2013. 

Tale copia, se in lingua diversa dall’italiano, dovrà essere dotata di sottotitoli in italiano e o in inglese. La mancanza di sottotitoli, ove richiesti, comporterà l’automatica esclusione dal Concorso. 

Inviare (consigliato) unitamente alla copia selezionata un trailer (sequenza con titoli) del film della durata massima di due minuti per i film in tecnica classica, e massimo un minuto per i film d'animazione, che verrà inserito nella Web TV per la promozione del festival. 
La Giuria sarà composta da cinque membri designati dalla Direzione del Festival scelti tra esperti internazionali di dichiarata fama, ai quali si potrà affiancare come osservatore un rappresentante di A.I.A.F. 

La Giuria assegnerà alle opere ammesse al Concorso i seguenti premi: 

• GRAN PREMIO ASOLO PER LA MIGLIORE OPERA IN CONCORSO 
• PREMIO ASOLO PER IL MIGLIORE FILM SULL’ARTE
• PREMIO ASOLO PER LA MIGLIORE BIOGRAFIA D'ARTISTA
• PREMIO GIAN FRANCESCO MALIPIERO PER LA MIGLIORE COLONNA SONORA ORIGINALE
La Giuria potrà inoltre segnalare, con MENZIONE SPECIALE, altre opere in Concorso di particolare valore. 

Il giudizio della Giuria è insindacabile. 

Accanto alla Giuria ufficiale è istituita una Giuria popolare costituita dal pubblico presente alla XXXII edizione del Festival che compilerà un’apposita scheda di votazione per l’assegnazione finale del PREMIO DEL PUBBLICO. Le schede di votazione saranno consegnate all’ingresso del Teatro Eleonora Duse. 

Inoltre, grazie alle collaborazione dell'associazione con le scuole del territorio, verrà istituita una Giuria giovanile, costituita da ragazzi interessati all'arte e al cinema, che avrà il compito di assegnare il PREMIO DELLA GIURIA GIOVANI e massimo due menzioni speciali.

Nel quadro della collaborazione tra Galleria San Fedele e A.I.A.F. è promossa la partecipazione al progetto Premio Artivisive San Fedele. I vincitori del progetto giovani registi e i vincitori del progetto giovani artisti (che presentino lavori video) del Premio Artivisive San Fedele 2010/2013, saranno ammessi di diritto alla XXXII edizione di AsoloArtFilmFestival, nel rispetto delle norme previste dal Bando di Concorso, per il quale si rimanda al sito: www.asolofilmfestival.it  

Con la loro partecipazione al Concorso, i detentori dei diritti delle opere selezionate autorizzano, ai soli fini della promozione di AsoloArtFilmFestival, l’inserimento gratuito di brevi sequenze dell’opera, per la durata massima di quattro minuti, in telegiornali, rubriche televisive ed internet. Inoltre, autorizzano gratuitamente ulteriori proiezioni integrali dell’opera per scopi didattici, culturali e di promozione del Festival stesso e senza fini di lucro, ritenendosi responsabili dei contenuti dell’opera e della diffusione, per mezzo di essa, di sceneggiature e di musica non originale protette da copyright. 

L’organizzazione attraverso la presente adesione acquisisce implicitamente il diritto di pubblicare liberamente e gratuitamente tutti i componimenti ritenuti idonei.

A.I.A.F. declina ogni responsabilità per eventuali ritardi postali, furti, danneggiamenti o smarrimenti che dovessero verificarsi prima, durante o dopo il festival delle opere che verranno inviate o consegnate dai partecipanti al Concorso. 

L’organizzazione del Festival non si fa altresì carico di spese postali e/o doganali.

Per l’interpretazione del presente Bando di Concorso fanno fede i testi italiano e inglese. 

In caso di controversie è competente il Foro di Treviso. 
La partecipazione al Concorso implica l’accettazione del presente Regolamento.

I dati personali verranno trattati secondo quanto previsto dal Decreto Legge sulla Privacy del 30/06/2003 n°196 e successive modificazioni ed integrazioni. 

Asolo, gennaio 2013

ANTONIO CANOVA – “IL SEGNO DELLA GLORIA” –
MUSEO DI ROMA PALAZZO BRASCHI.

Il Museo di Roma Palazzo Braschi ospita fino al 7 aprile un’esposizione di Antonio Canova “Il segno della gloria”. Un viaggio intenso che prende vita attraverso un contributo di 71 disegni, 9 acqueforti, 1 modello in terracotta e 3 in gesso, 3 calchi autografi, 2 marmi e cinque dipinti di cui 4 a tempera e 1 a olio.
Disegni come pensieri, come prime tracce di una ideazione e di una genesi artistica. Questo rappresentava per Antonio Canova il disegno: “un pensiero” sintetizzato, una percezione a priori, un segno del tutto personale di un’aspirazione e di una ispirazione, anche improvvisa, che si sarebbe poi concretizzata nell’opera d’arte finita.
La mostra dedicata proprio ai disegni del grande artista, racconta un percorso di studio, un metodo di progettazione e ancor di più l’urgenza di trasporre i propri pensieri in creazioni; infatti la mostra è stata realizzata a Palazzo Braschi, ricco di opere Neoclassiche.
L’esposizione curata da Giuliana Ericani, è stata organizzata in collaborazione con l’Associazione Metamorfosi e Zetema Progetto Cultura: “è stata realizzata con costi contenuti, a dimostrazione che è possibile fare cultura e realizzare una grande mostra con budget tutt’altro che esosi”.
L’esposizione individua due principali percorsi di lettura dell’opera canoviana: il rapporto con la scultura antica delle collezioni romane e quello con i personaggi storici e della cultura del suo tempo. Del primo fanno parte i disegni per tre importanti opere realizzate: La Venere Italica, Il Creugante e Damosseno e l’Ercole e Lica. Della seconda i disegni per i monumenti e le sculture di personaggi quali Napoleone Bonaparte, Maria Luisa d’Asburgo, George Washington, Vittorio Alfieri, Orazio Nelson, Paolina Borghese,
Antonio Canova nasce a Possagno, Treviso, il primo novembre del 1757: a soli quattro anni rimase orfano di padre e la madre dopo poco tempo si risposò e si trasferì nel suo paese natale. La sensibilità di Antonio assorbe questi eventi molto profondamente, tanto da restarne segnato per tutta la vita.
Fin da giovanissimo, egli dimostra una naturale inclinazione alla scultura: esegue piccole opere con l’argilla di Possagno; si racconta che, all’età di sei o sette anni, durante una cena di nobili veneziani, in una villa di Asolo, abbia eseguito un leone di burro con una tale bravura che tutti gli invitati rimasero sbalorditi; il padrone di casa, il Senatore Giovanni Falier, intuì la capacità artistica di Antonio e lo volle avviare allo studio e alla formazione professionale.
Nel 1768, comincia a lavorare presso lo studio di scultura dei Torretti, poco distante da Possagno quell’ambiente per Antonio fu una vera e propria scuola d’arte. Eseguì le prime opere che lo resero famoso a Venezia e nel Veneto: Orfeo e Euridice (1776), Dedalo e Icaro (1779).
La sua arte cresceva sia in Italia che all’estero e riceveva commissioni da ogni parte d’Europa: organizzata secondo la tecnica degli antichi greci, dal disegno all’argilla, dal gesso al marmo, sviluppò un lavoro formidabile e una vicinanza sempre più forte ai temi della mitologia classica.
A Possagno si dedica alla pittura per due anni interi e dipinse molte tele che oggi sono custodite nella sua casa natale. Per Canova fu facile inserirsi in quel clima da capitale della cultura che fu Roma nel Settecento riuscendo a crescere anche come artista, esercitando per lunghissimo tempo la sua attività e influenzando altri artisti. Proprio a Roma inizia quel riconoscimento al suo genio e al suo talento che gli procura in seguito successo e fama a livello mondiale.
Canova è stato il massimo esponente della corrente neoclassica: amato quasi all’isterismo dai suoi contemporanei, trova poco dopo il XVIII secolo dei critici severi e riteniamo che non hanno avuto del tutto torto quando hanno affermato: “…fu riformatore della scultura, ma non riuscì perfetto; imitò l’antico, non la natura; ebbe la perfezione dell’arte antica, nella forma sensibile, non l’ideale nuovo apportato dal Cristianesimo, diede la forma fredda e calma delle deità mitologiche, non le aspirazioni, gli affetti…”, “…tuttavia si considera come il principe degli scultori del suo tempo…”.
Un merito indiscutibile Canova lo ha avuto ed è stato quello di ottenere dalla Francia la restituzione all’Italia di quasi tutti i capolavori che Napoleone aveva trafugato dal nostro Paese. 
Muore a Venezia la mattina del 13 ottobre 1822, mentre si trova ospite a casa del suo amico Francesconi.
Lascia suo erede universale il fratellastro, il vescovo Giovanni Battisti Sartori.
Il sepolcro che custodisce le sue spoglie è Possagno, suo paese natale, dove egli stesso, tre anni prima di morire, nel luglio 1819, si reca personalmente, progetta e fa edificare a sue spese Il tempio, posandone personalmente la prima pietra.
Edificio maestoso, dedicato alla SS. Trinità, una chiesa parrocchiale che sarà portata a termine solo dieci anni dopo la sua morte.

La mostra, promossa da Roma Capitale Assessorato alle Politiche Culturali e Centro Storico – Sovrintendenza ai Beni Culturali e Comune di Bassano del Grappa, è curata da Giuliana Ericani, direttore del Museo civico bassanese e patrocinata dall’Istituto di Ricerca per gli Studi su Antonio Canova ed il Neoclassicismo e dal Comitato per l’Edizione Nazionale per le opere di Antonio Canova. 
La mostra sarà visitabile fino al 7 aprile 2013, Palazzo Braschi, nella centralissima piazza Navona, Roma.

Anna Scorsone Alessandri

E’ con profonda tristezza che l’Associazione Shozo Shimamoto annuncia la morte del Maestro avvenuta il 25 gennaio scorso. In questo momento la memoria non può non andare alle tante occasioni di incontro e collaborazione con uno dei maggiori artisti dell’arte contemporanea. In particolare vogliamo ricordare il rapporto che il maestro ebbe con l’Italia, in occasione di molteplici manifestazioni artistiche, testimoniate da opere tra le più belle e importanti della sua attività.
L’Associazione Shozo Shimamoto si sente vicina alla famiglia anche attraverso l’impegno a mantenere viva e a rinnovare la fama del Maestro nel mondo dell’arte.
Shozo Shimamoto è stato per noi, oltre che un grande artista, un amico e uomo di pace con il quale abbiamo condiviso momenti di elevata espressione artistica e momenti quotidiani sereni e di gioia che rimarranno per sempre nel nostro cuore.

Rosanna Chiessi Giuseppe Morra
Associazione Shozo Shimamoto

The Shozo Shimamoto Association is filled with sadness in announcing that the master Shozo Shimamoto passed away on the 25th of January, 2013. Our memories go straight to the many events done in collaboration with Shimamoto, one of the most important artists in the world of contemporary art. We are glad to remember the special relationship between Shozo Shimamoto and Italy, where he left a precious sign of his art in the form of beautiful works.
The Shozo Shimamoto Association will support the family of the avant-garde artist and will continue to work and sustain his art in the world.
Master Shimamoto has been for us not only an extraordinary artist, but also a friend and a man of peace, with whom we had the honor of sharing moments of artistic expression as well as moments of everyday life that will remain in our hearts forever.

Rosanna Chiessi Giuseppe Morra
Shozo Shimamoto Association

www.stsenzatitolo.it

NICOLA SAMORI', QUANDO SFREGIARE LE OPERE DIVENTA ARTE. 

Sabato 26 gennaio è stata inaugurata una personale di Nicola Samorì, presso la Galleria Mazzoli di Modena.
Una personale importante, intensa ed emozionante, un artista che con la sua preparazione va dalla pittura alla scultura passando per l’incisione. L’artista ha voluto turbare, deturpare e deformare la pittura, mettendo in evidenza il suo aspetto emofiliaco, di cambiamento. Tale distorsione/dislocazione ha permesso all’artista di investigare e reinterpretare la Storia dell’arte, mettendo in pratica i suoi delitti-diletti ai danni della pittura. 
Come scrive Giulia Valsecchi: “Quello che si sprigiona dalle sue opere è uno spirito, un’ origine da temi e stilemi universalmente e anticamente sacri, ma proprio la loro cerimonia si traduce in una figurazione che segna un punto di rottura un attrito o divaricazione in cui la storia delle forme viene riscritta e per molti sfregiata, se non addirittura derisa e deturpata. Uno spartiacque che, tuttavia nell’intento di Nicola Samorì non si identifica mai con una provocazione vuota o una molestia dimostrativa, ma intende far parlare un rapporto personale con le immagini che hanno segnato i repertori più canonici”.
I quadri di questa mostra infrangono l’armonia delle immagini per svelare e svellere la pittura stessa, trasformando i soggetti in una materia in via di disgregazione. Si parla per Samorì di dissacrazione non conforme, per il modellato di un Cristo poco realistico o per l’espulsione di una ramificazione dalla bocca della Vergine.
La critica più frequente mossa a Samorì è l’oltraggio a geni indiscussi, due anni fa gli è stata negata da Rossella Vodret, ex direttrice dei Musei Romani, l’esposizione di due tele di rivisitazione caravaggesca, ma ad essere davvero in discussione è l’idea di integrità dell’arte. E’ in gioco la necessità di tornare a parlare dopo secoli di silenzio e di farlo con un linguaggio che renda discutibile anche il nome più assoluto, perché non muoia l’interesse, ma soprattutto non cali sopra capolavori sempiterni un’invisibilità, un’aura protettiva che ne congeli pericolosamente lo slancio.
Nato a Forlì nel 1977, comincia a dipingere all’età di quattro anni. Si diploma in pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Bologna. Sin dai primi anni novanta sviluppa una intesa attività pittorica, che lo porta ad affinare le più diverse tecniche espressive, fra le quali quella dell’affresco. Affronta anche le tecniche calcografiche, conseguendo nel 2002 il Premio Giorgio Morandi per l’incisione, e quelle plastiche, in particolare la scultura Lignea, approfondita all’Accademia di Belle Arti di Berlino nel 2000. Nicola Samorì nel 2002/2003 è stato protagonista dell’evento internazionale “Enigma uomo. Il fuoco della rinascita”, mostre e incontri sul tema attualissimo del recupero dell’identità culturale, umana e artistica dell’uomo contemporaneo. Il progetto, patrocinato dal Parlamento Europeo, della Regione Emilia Romagna, dall’Università di Bologna, a Bruxelles presso il Parlamento Europeo e in Australia. Nel 2004 hanno avuto luogo importanti eventi dedicati alla sua ricerca, fra i quali la significativa personale “La conquete de l’ubiquité” nella sede dell’ex chiesa di Sant’Anna nella Repubblica San Marino, a cura dei Musei di Stato, e la mostra “Classicism Betrayed” presso la Erdmann Contemporary Gallery di Cape Town, Sud Africa con il Patrocinio del Consolato Italiano, nel 2005 sono state presentate opere recenti nella personale “Tac. Un paesaggio chiamato uomo” nella Galleria L’Ariete artecontemporanea di Bologna con notevole riscontro di pubblico e di critica.
Invitato alla mostra di rilievo internazionale “Figurative Kunst aus Italien”, ha esposto due grandi opere presso la Die Galerie di Frankfurt am Main (D). Ha realizzato un grande lavoro, sul tema dell’invidia

La mostra sarà visitabile fino al 30 marzo 2013 presso la Galleria Emilio Mazzoli, Via Nazario Sauro n. 58 Modena.
Orari: 10,00 – 13,00 / 16,00 – 19,00 chiuso i festivi.
Anna Scorsone Alessandri 

Nome: Nicola Andreace
From: Segmenti d'arte
Email: resta.angela@alice.it
Invia: Invia
Remote Name: 151.26.58.127
Remote User: 
HTTP User Agent: Mozilla/5.0 (Windows NT 5.1; rv:18.0) Gecko/20100101 Firefox/18.0
Date: 30/01/2013
Time: 19.38.32


Testo
Evento Presentazione del Dizionario etimologico e grammatica del dialetto parlato a Massafra e dei dialetti dell’arco jonico delle Gravine di Roberto Caprara. Luogo Massafra, Teatro Comunale Data Martedì, 29 gennaio, ore 18 Indirizzi di saluto Martino Tamburrano, Sindaco Antonio Cerbino, Assessore alla cultura Intervento Antonio Dellisanti, Editore dell’opera Presentazione Roberto Caprara, autore dell’opera Preludio musicale Antonello Tannoia Scenografia Nicola Andreace Coordina e presenta Nicla Pastore Patrocinio Comune Città di Massafra Il 29 gennaio 2013 nel Teatro Comunale di Massafra Roberto Caprara, studioso ed archeologo di grande professionalità,ha presentato il suo Primo Volume del Dizionario etimologico e Grammatica del dialetto parlato a Massafra e …( pag. 550,Editore Antonio Dellisanti). La pubblicazione non è un semplice vocabolario formato da parole dialettali con relativa traduzione in italiano, ma è una miniera di saperi, atto d’amore dell’autore per la sua terra. Le voci sono impreziosite dalla loro etimologia, da proverbi, da modi di dire, e da versi di poeti dialettali dall’Ottocento ai giorni nostri , che rispecchiano il patrimonio culturale del nostro popolo contadino ed artigiano, oggi completamente scomparso e dimenticato. Una storia della lingua, quindi, che evidenzia, come dice l’autore, la ricchezza del nostro linguaggio materno e lo spessore della plurimillenaria civiltà della nostra piccola patria .Del “Dizionario etimologico e Grammatica del dialetto parlato a Massafra” , Nicola Andreace ha curato la grafica, arricchendo il testo con immagini in bianco e nero di sue opere, raffiguranti personaggi ed habitat della nostra civiltà contadina ed artigianale. Di Andreace sono anche le immagini del catalogo e la scenografia della serata in cui è stato presentato il Primo volume del Dizionario. Sul catalogo-invito in “Case di Puglia” un’opera del 1966, Andreace con la magia del colore e la robustezza del segno, fa emergere il nostro contesto architettonico territoriale, fatto di spazi del vissuto, dinanzi ai quali strumenti di lavoro, di uso comune quotidiano, nobilitati nella loro straordinaria normalità, rappresentano in maniera suggestivamente lirica il rapporto dell’uomo con il suo ambiente. In “memoria di una civiltà” del 2001 , sono illustrate le trasformazioni della città. La persistenza malleabile dinamica del colore fa balzare vivo lo stato di abbandono delle case, le cui finestre e porte rappresentano plasticamente le ferite del degrado. Ora non più attrezzi di lavoro, ma lo scempio di oggetti buttati via, sporchi dal nero del disuso e dal rosso sanguigno del dolore, ma su di essi una lanterna fa sperare che possa riaccendersi la luce per il recupero della memoria della nostra civiltà antica. Anche nella scenografia, che maestosamente ha fatto da sfondo al palcoscenico, dove è stato presentato il” Dizionario”, Andreace usa colore, segni, linee, tracce, che, sistemati nello spazio,danno il senso del finito e dell’infinito del tempo. L’artista propone icone della memoria, intese non solo come narrazione di eventi lontani, ma anche come evocazione di fatti della nostra storia recente. Personaggi famosi, che hanno contribuito alla crescita morale e civile della nazione, si alternano con gente semplice, laboriosa, eroi del quotidiano, che lottano con dignità per vivere. Elementi epocali della classicità sono accostati a quelli della contemporaneità, ai prodotti della nostra Puglia, a scene familiari in momenti di dolori e di gioie. In tal modo, nell’opera- scena, la lente dell’immagine creativa, rintracciando motivazioni antiche, di cui affida la memoria alla società contemporanea, si fa sguardo sul presente, occasione di riflessione, sollecitazione al rispetto e alla conservazione del nostro patrimonio culturale, invito reso ancora più incisivo dall’evento della serata, dove letteratura, arte visiva, musica e danza, raccontando storie e fatti , aiutano“a scoprire la filosofia del corretto vivere sociale”. 

NERO CELESTE
Fotografie e disegni di Patrizia Ricco

A cura di Luigi Dello Russo

Vernissage della mostra sabato 2 febbraio 2013 ore 19,00.

Intervento polifonico degli En Sabir

Presso
A D S U M Artecontemporanea
via Marconi, 5 (Palazzo della Meridiana) – Terlizzi(BA)

visitabile dal 2 al 16 febbraio 2013

orario: dal lunedì al sabato dalle ore 10.00-12.30 18.30- 20.30 chiusura giovedì pomeriggio e festivi
www.retearte.it - adsum.arte@libero.it Tel. 3476502478

LA SINEDDOCHE DELLA RICCO

l secolo scorso, “secolo breve” a detta del grande storico Eric J. Hobsbawm , insieme alle violenze connesse alle dittature di massa, è stato il momento della nascita di nuove forme espressive e creative come la danza moderna, il cinema e la fotografia. Quest'ultima si è imposta in Italia con un certo ritardo per la persistenza della cultura crociana, impregnata di idealismo e proprio perciò contraria alle nuove tecnologie. È stata una lacuna che ci ha distanziato di molto da quella internazionale... ora il salto è fatto! Le nuove generazioni sono interessate e soprattutto operative nelle ricerca tecnica e formale di questa nuova espressione d'arte. Patrizia Ricco ne è un'esponente colta: produce infatti polisemantici testi iconici. La sua poetica, già allusivamente esplicitata nell'ossimoro della titolazione, “Nero celeste”, si manifesta nell'uso di una “retorica”, che perde il significato dispregiativo di uso corrente, recuperando invece quello originario di espressività alta e riccamente semantica. Per l'occasione ha esercitato tale estetica su un manufatto specifico della cultura meridionale: la statua dell' “Addolorata” della città di Bisceglie. Opera di alto valore antropologico-religioso presente e dominante nei riti della settimana santa. Creazione attribuita forse al grande scultore andriese Nicola Antonio Brudaglio (ca. 1703 – dopo 1788 ), come anche quella dello stesso artista sita nella cattedrale terlizzese, è opera d'arte d'ascendenza spagnola ravvisabile nella gestualità delle mani e nel pathos del volto. La Ricco respinge a priori la scontata immaginetta controriformistica, cui siamo abituati, sottopone invece l'icona ad uno sguardo “altro” con interventi soggettivi quali leggere incisioni, parziali dilavamenti, maculazioni ottiche, forzate prospettive ribassate ma soprattutto con una mappatura parzializzata della statua, appunto la figura retorica della sineddoche, per recuperare ex novo un messaggio profondamente cristiano ed umano: la sofferenza per un figlio perduto.Una per tutte: si osservi con partecipata emozione l'acuta spada confitta nel petto, che colpisce il suo cuore come il nostro.La Ricco ci fa vedere e sentire come nuova e intimamente profonda una icona della nostra cultura meridionale

ADSUM artecontemporanea 
Art director : MARIA BONADUCE e GIOVANNI MORGESE
Critico e storico dell’arte : LUIGI DELLO RUSSO
Ufficio stampa: NICOLO’ MARINO CECI
Comunicazione e marketing : FRANCESCO PARISI
Collaboratori: GIANRAFFAELE PORFILIO – NICOLA MASTANDREA - SABRINA VENDOLA.

GIUSEPPE DE NITTIS PROTAGONISTA A PALAZZO ZABARELLA, PADOVA

E’ in mostra a Padova una imponente esposizione dedicata a Giuseppe De Nittis originario di Barletta. 
Oltre 120 capolavori provenienti dai più prestigiosi musei italiani, inglesi e francesi costituiscono il percorso di uno dei protagonisti assoluti dell’Ottocento europeo. 
Tra le opere molti inediti sconosciuti alla critica, come quelli del ciclo delle vedute londinesi. 
Giuseppe De Nittis con la sua arte e il suo fascino tutto italiano ha affascinato la Parigi delle Esposizioni Universali, una Parigi brillante, vivace, sfavillante; è riuscito ad esprimere così bene lo spirito della città che è stato considerato più parigino degli stessi parigini. Si è confrontato, con Edgar Degas e Claude Monet e gli Impressionisti sapendo cogliere il meglio delle loro novità per interpretarle a suo modo in maniera del tutto originale. 
Artista di successo. Ha avuto una delle carriere più fortunate ed è stato uno degli artisti più alla moda del suo tempo. Amato dalla critica, sposato con una brillante francese, Leonine Gruvelle, la sua casa parigina era il punto di incontro di artisti, intellettuali e dell’alta società. Non c’era tema che egli non abbia trattato, il paesaggio, il ritratto ma soprattutto il ritratto delle belle donne, insieme a Giovanni Boldini, altro protagonista italiano della scena parigina.
Nel 1878 l’Esposizione Internazionale parigina, ha riservato grandi onori a Giuseppe De Nittis: è stato insignito della Legion d’onore, mentre una sua opera, Le rovine delle Tuileries, è stata acquistata dal governo per il Museo del Lussemburgo.
Le sue opere raccontano un mondo e una società in veloce cambiamento. Sono vedute, dipinte in plein air, proprio come facevano gli Impressionisti, sulla loro Senna, ma anche sulle falde del Vesuvio e lungo il Tamigi. Tavolette e tele di piccole dimensioni, che compongono uno straordinario reportage pittorico. 
La formazione di De Nittis, è avvenuta a Napoli. Si immedesima nella natura, trasponendo sulla tela quella che chiamava l’atmosfera diversamente identificata secondo il mutare delle stagioni e delle ore del giorno. Come ha avuto modo di scrivere lo stesso artista nel suo Taccuino di memorie, “A volte, felice, restavo sotto gli improvvisi acquazzoni. Perché, credetemi, l’atmosfera io la conosco bene; e l’ho dipinta tante volte. Conosco tutti i colori, tutti i segreti dell’aria e del cielo nella loro intima natura”. 
Per questa mostra sono state selezionate e ottenute le opere veramente fondamentali dell’artista, provenienti dalla Pinacoteca “Giuseppe De Nittis” di Barletta. Di questi dipinti, molti di grande formato e rari, sono la fragranza, la vitalità, l’intensità di un’epoca quelle che De Nittis fa rivivere sulle pareti di Palazzo Zabarella. Un pittore che incanta e seduce. Una pittura capace di trasmettere emozioni, vitalità, gusto sia che si tratti di ritratti, di scene d’interno che di paesaggi urbani o bucolici.
Lascia la mondanità e si dedica all’amatissima famiglia che ritrae nel 1884 in un ultimo capolavoro, un testamento artistico e spirituale, “Colazione in giardino”, nella penombra del giardino della casa di campagna siedono al tavolo del tè Titina e il figlio Lolo sullo sfondo le oche, e una sedia scostata lascia immaginare la presenza invisibile del padre che guarda la scena, fissandola sulla tela con incredibile emotività. 
Muore nell’agosto del 1884 a soli trent’otto anni a Saint-Gemain-en-Lave, colpito da un fulminante ictus cerebrale. È sepolto a Parigi, nel cimitero di Père-Lachaise.
La mostra curata da Emanuela Angiuli e Fernando Mazzocca è promossa dalle Fondazioni Bano di Padova e Antonveneta.
Il catalogo dell’esposizione è pubblicato da Marsilio editori, grazie anche alla ricomposizione attraverso testimonianze eccellenti come le memorie stesse del pittore. 
La mostra è visitabile fino al 26.5.2013 Palazzo Zabarella, via San Francesco, 27 Padova.
Tutti i giorni 9,30 – 19,00. – biglietti intero € 12.00; ridotto € 9.00; ridotto speciale € 6.00; gratuito per i bambini fino a 5 anni e guide autorizzate di Padova e giornalisti con tesserino. 
Visite guidate gruppi € 110.00; scolaresche € 50.00. 
Anna Scorsone Alessandri

ALIGI SASSU FUTURISTA

Nella celebrazione del centenario della sua nascita le opere di Aligi Sassu approdano in Sicilia alla Catania Art Gallery. Oltre venticinque opere pittoriche provenienti dalla collezione privata della moglie. Protagonista della storia artistica italiana del XX secolo, Sassu ha cercato di realizzare nelle sue opere uno stile ed un linguaggio basati sull’idea del rinnovamento dell’arte. Maestro del colore utilizza il motivo del cavallo, originato da memorie personali. 
La ricchezza del significato dell’intera opera di Sassu è oltre che il frutto della sua sensibilità artistica, il risultato di una vita vissuta nel nome dell’arte, attraverso le tensioni e gli accadimenti della prima metà del Novecento e sino ai nostri giorni. Sassu è il pittore del rinnovamento, attratto dell’Espressionismo francese e dal Futurismo non meno che della pittura dell’Ottocento francese. Inizia ad interessarsi all’arte e a dipingere fin dall’adolescenza, e da allora è un susseguirsi di sperimentazioni che lo portano ad accostarsi alle avanguardie dell’epoca, pur senza trascurare i modelli del passato da cui trae spunto per una messa in scena di un classicismo eclettico manifesto nelle tematiche e nella gestualità.
Una delle prime tematiche affrontate è quella dei cavalli, spesso ricorrenti nelle sue opere espressione di libertà e dinamismo, egli associa il galoppo alla corsa delle onde, impetuoso come impetuosa la sua ricerca di verità. I cavalli si ritrovano anche nei temi mitologici, che l’artista sviluppa in contemporanea, come nei Cavalli di Poseidone in cui l’ebbrezza del movimento viene tradotta direttamente nel colore, un ritmo decorativo intenso che evidenzia l’amore per il movimento che ha caratterizzato l’attività di questo straordinario artista. 
La mostra riannoda i fili di una narrazione di eccezionale intensità, evidenziandone il libero fluire delle idee e delle emozioni che si manifesta nella concretezza delle immagini.
Come scrive la curatrice della mostra, Giovanna Giordano: “Ho sempre visto l’arte – afferma la Giordano - come una grande avventura dello spirito e degli occhi, Aligi Sassu, che ho frequentato a casa sua per diversi giorni proprio per un lavoro di ricerca legato ai suoi disegni, era un visionario anche nei colori, probabilmente perché da bambino si era nutrito dei colori della Sardegna, una tavolozza di rosa e di rossi presenti nella sua pittura che non hanno eguali”. 
Il viaggio alla scoperta di Sassu parte con le opere degli anni trenta, quando pubblica la serie degli “Uomini rossi”. Opere attente alla storia e alla cronaca del tempo che portano il maestro a sviluppare quel piacere per il colore puro, diventando la chiave di lettura delle sue opere più mature: e sempre negli anni trenta che con Giacomo Manzù, Nino Strada, Candido Grassi, Giuseppe Occhetti, e Gino Pancheri, riesce ad allestire a Milano la sua prima ed importante mostra, recensita anche da Carlo Carrà. 
Artista multiforme ed esuberante. Che si trasforma negli anni e con lui il modo di percepire la quotidianità, attraverso la storia, la spiritualità e l’esperienza.
Numerose le mostre in Italia e all’estero. Nel 1993 completa i Miti del Mediterraneo, murale in ceramica di 150 metri quadrati per la nuova sede del Parlamento Europeo a Bruxelles. L’anno successivo presenta Manuscriptum, una cartella con incisioni destinata alla mostra itinerante in Svezia “I ponti di Leonardo”. Nel 1995 viene nominato Cavaliere della Croce del Presidente della Repubblica. 
Muore a Pollenca il 17.7.2000 all’età di 88 anni, proprio il giorno del suo compleanno.

La mostra è visitabile fino al 2 marzo 2013 presso Catania Art Gallery – Via Galatioto, 21 Catania tutti i giorni dal lunedì al venerdì dalle 16,30 alle 20,00.
Sabato e domenica dalle 10,30 alle 13,00 e dalle 16,30 alle 20,00.
Ingresso libero.
Anna Scorsone Alessandri

info@stsenzatitolo.it
www.stsenzatitolo.it

Mostra a Palazzo Merati alla 55. Biennale di Venezia - Un salotto per l’arte
Data della mostra: dal 01/06/2013 al 31/07/2013

In concomitanza con la 55. Biennale di Venezia, il M.A.C.I.A. Museo d'Arte Contemporanea Italiana in America organizzerà un'esposizione d'arte contemporanea a Palazzo Merati d'Audiffret de Greoux, storico palazzo del circuito storico veneziano, ove visse per anni Giacomo Casanova e la sua famiglia. L'inaugurazione della mostra intitolata "Sinfonia dei colori" sarà nell'estate 2013 (nel periodo giugno / luglio 2013), con data esatta da stabilirsi. Il M.A.C.I.A. Museo d'Arte Contemporanea Italiana in America per l'organizzazione si avvale delle collaborazioni dello Studio Daniela Lombardi e di Artouverture Milano. Gli artisti saranno segnalati da una commissione del Museo, nell'ambito della pittura, scultura e fotografia. La mostra ed il catalogo sono a cura di Gregorio Rossi. La mostra vanterà gli avvalli di: Stemma della Repubblica Italiana, Patrocinio dell'Ambasciata della Repubblica di Costa Rica presso il Quirinale, Logo del M.A.C.I.A. e l'inserimento del catalogo nella Collana editoriale del Museo d'Arte Contemporanea Italiana in America.

Non è soltanto un’ esposizione, ma un momento di ritrovo e di avvicinamento all'arte, durante il quale potrete conoscere gli stessi artisti che saranno presenti. Non soltanto dipinti,fotografia e scultura, ma anche musica, letterarura. 

Una splendida cornice dove incontrarsi, confrontarsi: un salotto-culturale trasversale per lo scambio di opinioni su argomenti letterari, artistici, filosofici, storici e culturali con persone altrettanto interessate e orientate alla curiosità, all’apprendimento e al dibattito, invitando a partecipare non solo persone di riconosciuta competenza da cui poter attingere informazioni, ma anche giovani talenti nascenti. 

Press Office Daniela Lombardi 339-4590927 0574-32853

Il 26 Febbraio nel teatro dell’Opera – Casino di Sanremo- ore 16.30 Nicoletta Mantovani Pavarotti e Lisa Galli presentano il libro “Quando la vita cambia colore” Ed Mondadori.

Quando la malattia entra, direttamente o indirettamente, nella nostra vita, tutto attorno a noi sembra cambiare colore: l'amore, il lavoro, l'amicizia, la famiglia… Reagire è difficile, ma si può. "Il lettore, malato o familiare di malati, non troverà qui la risposta a tutti i problemi che è costretto ad affrontare; però, se leggerà con la volontà e il desiderio di mettere in discussione le sue priorità e i suoi atteggiamenti, riuscirà forse a scoprire - nei sentimenti, nei pensieri, nelle emozioni che tiene nascosti in fondo al cuore - degli strumenti e un aiuto per fare fronte a quello che lo aspetta." Dentro ognuno di noi c'è una forza segreta chiamata "resilienza". È la forza che ci permette di assorbire anche l'urto più duro e rialzarci, conquistare un nuovo punto di vista sulle cose e risalire con energia sulla barca della vita. Lisa Galli, psicologa, da anni aiuta i malati e i loro parenti a trovare le risorse per reagire. Ecco perché queste pagine sono piene anche di storie vere, tutte diverse eppure simili, che regalano un confortante senso di condivisione a chi si sente terribilmente solo con il proprio dolore. A impreziosire il libro la testimonianza inedita, ma soprattutto intensa, calda, vera di Nicoletta Mantovani, Pavarotti che scrive per la prima volta la storia della sua malattia e di quella del marito Luciano Pavarotti, deceduto per tumore nel 2007: "Alla fine ha sempre avuto ragione lui: la positività e l'entusiasmo sono fondamentali. Non bisogna mai fermarsi di fronte a quello che la vita ti prende, occorre mantenere la voglia di girar pagina perché la vita ha sempre qualcosa da restituirti".

Un libro che si legge d’un fiato che fa riflettere e che riesce a donare speranza .

PRESS OFFICE DANIELA LOMBARDI 339-4590927 0574-32853

Edizione internazionale 2013 de "Il Benessere Universale" con mostre d’Arte

Il Benessere Universale, uno spazio un posto, un tempo per l’Essere: è l’aforisma che si legge sul sito http://www.ilbenessereuniversale.org/programma_completo_conferenze.html  di presentazione dell’Edizione internazionale 2013 de “Il Benessere Universale”, dal titolo “Dalla nascita alla morte” che si terrà nei giorni del 2 e 3 marzo 2013, presso il Polo fieristico della città di Udine. Un’occasione veramente imperdibile per aderire, ad ogni livello, attraverso le varie proposte (provenienti anche dai più atavici luoghi di meditazione e culto del Pianeta) ad un re-incontro con noi stessi mediante i concetti universali di Salute e Benessere. Tra le particolari opportunità in agenda vi è quella dell’Arte (trasversale/latente/ubiquitaria a tutte le attività e forme, umane e non), rappresentata da Fedele Boffoli e Mariagrazia Semeraro, artisti promotori del risveglio di significati profondi, spesso dimenticati. Saranno, pertanto, esposte le loro gigantografie fotografiche e fotopitture, con testi poetici, riguardanti la relazione Natura-Uomo (e viceversa) nel Ciclo di vita-morte-rinascita, con riferimento ai temi dell’Eros e della Creazione/Ricreazione (Sexfiori e Substantia: M. Semeraro - http://anforah.altervista.org/sex/sex.htm, http://anforah.altervista.org/substantia/substantia.htm,

http://www.repubblica.it/2008/11/calendari/arte/sex-fiori/sex-fiori/3.html), della Poesia e del Mistero (Presenza e L’Arte dei Fiori: Fedele Boffoli - http://anforah.altervista.org/natura/natura.htm, http://anforah.altervista.org/animamundi/animamundi.htm, http://anforah.altervista.org/rosamystica/rosamystica.htm); previsto (domenica 3.3 alle ore 12) l' incontro con gli autori. Riportiamo, in proposito uno scritto di Boffoli dedicato, appunto, al rapporto Arte-Salute-Benessere e a quest'Edizione 2013 de “Il Benessere Universale”:

<<Sul concetto di benessere si potrebbe disquisire non poco; certo è che per “vivere bene” occorre prendersi cura, quotidianamente del proprio Sé, nella sua specificità e unità psico-fisica in relazione all’ambiente che lo circonda. Sia ben chiaro “curarsi” non significa, soltanto, evitare le patologie ma molto più opportunamente intenderle come delle risorse vere e proprie al servizio dell’umana Coscienza. La malattia, infatti, con suoi dolori e sofferenze, ci racconta di noi e degli altri e se ascoltata e compresa, nelle sue narrazioni profonde, può indurre fondamentali trasformazioni di vita; uno strumento alchemico di consapevolezza, quindi, per superare e risolvere nodi e blocchi della vita. Anche piaceri e gioie (che tutti vorremmo avere sempre per noi) sono mezzi sensibili di conoscenza, interiore ed esteriore, al servizio dell’umanità ed elementi indispensabili nel ciclo di latenza/alternanza/coesistenza di tutte le cose e al mondo. Gli artisti, come tutti gli altri, non si sottraggono a questa idea di “benessere” che viene da loro esercitata attraverso la creazione delle opere d’arte, da cui si evince, attraverso le più disparate forme, il racconto universale e significativo della vita: bellezza e panorami dell’anima che ci parlano e raccontano…“Dalla nascita alla morte”.>>

L’ARTE E’: http://www.youtube.com/watch?v=qZpjO8uL9UQ - campagna informativa 2013 per recupero dell’Arte, Webgalleria di Arti Visive e Letterarie Anforah. 

Trieste, 25 febbraio 2013

Fedele Boffoli
info@fedeleboffoli.it (in Facebook)
www.Artepensiero.it/Fedele_Boffoli.htm
http://anforah.altervista.org/index.htm
Bari - Trieste - Tel. 338-2246495

ANTONIO LIGABUE
ISTINTO, GENIALITA’ E FOLLIA.

La mostra “Antonio Ligabue, Istinto, genialità e follia” organizzata da Lu.C.C.A.- Lucca Center of Contemporary Art si è aperta il 2 marzo e proseguirà fino il 9 giugno 2013. L’evento espositivo, curato da Maurizio Vanni in collaborazione con Giuseppe Amadei, ripercorre attraverso 80 opere di cui tre inedite, legate alle differenti tecniche espressive (olio su tela, disegni, sculture e grafiche) la storia di uno degli artisti più controversi e imprevedibili della storia dell’arte del Novecento, Antonio Ligabue. Uomo-artista, insieme al rapporto tra arte e follia. La sua è una pittura legata ad una necessità fisica di espressione, un mezzo per sentirsi vivo e fuggire l’emarginazione.
Le opere figurative di Ligabue, dense e squillanti traboccano di nostalgia, di paura e di eccitazione, di dettagli minuziosi nelle scene di vita campestre attinti dalla profondità di un’incredibile memoria visiva ed una immaginazione prodigiosa. 
La mostra permetterà di capire se geniali e folli si diventa, oppure sono le condizioni sociali e del quotidiano a trasformare l’equilibrio mentale di una persona estremamente sensibile. “Ligabue – scrive Maurizio Vanni nel suo saggio – è un randagio della cultura, un artista libero dentro che, alla vulnerabilità emotiva congenita, ha unito grandi tragedie personali vissute nell’infanzia e nell’adolescenza. Un’artista coerente, fedele solo a se stesso, capace di interagire con il flusso continuo, irregolare e talvolta estremo delle emozioni che sentiva dentro di sé, senza doverle controllare. La sua lucida alterazione mentale lo porta a violare ogni schema, ad andare oltre ogni consuetudine, ad assecondare in modo attivo le sue nevrosi”.
Nato nel 1899, fin dalla più tenera età Ligabue ha avuto un’esistenza difficile: figlio naturale di una emigrata italiana, ha sempre ignorato il nome del padre. Nel 1900 viene affidato ad una coppia di svizzeri tedeschi, non verrà legittimata la sua adozione, ma il bambino si legherà moltissimo alla matrigna, con un insolito rapporto di amore e odio. Dopo aver superato la terza elementare entra in un collegio per handicappati, dove si distingue per l’abilità nel disegno e per la cattiva condotta. Viene espulso dalla Svizzera su denuncia della madre adottiva quindi ritorna in Italia dove vive come vagabondo, continuando però a disegnare e creare delle piccole sculture con l’argilla. Nel 1928 incontra Renato Marino Mazzacurati, pittore e scultore il quale ne comprese l’arte genuina e gli insegna l’uso dei colori ad olio guidandolo nel suo talento. In quegli anni si dedica completamento alla pittura. 
Durante la guerra fa da interprete alle truppe tedesche ma, per aver percosso con una bottiglia un soldato tedesco, nel '45 viene nuovamente internato. Nel '48 viene dimesso; i critici e i galleristi cominciano ad occuparsi di lui. Iniziano anni durante i quali lentamente la fortuna sembra volgere a suo favore. La sua fama si allarga, la sua attività pittorica subisce un netto miglioramento. Gli autoritratti, - come quello "con cane" - hanno una decisa assonanza con certi disegni espressionistici tedeschi, nell'accentuarsi delle deformazioni, nella forte caratterizzazione e concentrazione dell'immagine, rendono in pochi tratti situazioni psicologiche ed emozioni senza mai scadere o sfiorare la caricatura. Sono proprio anche questi "autoritratti" grafici che denunciano l'interesse di Ligabue per l'abbigliamento. Spesso l'artista risolve il proprio volto con pochi ma intensi tratti, la matita corre a definire la giacca, la camicia, il cappello, un particolare del vestito, quasi voglia sostituire il colore restituire al personaggio o conferirgli la dignità e la considerazione che ritiene gli debbano essere riconosciuti dalla gente. Ed è spesso l'abbigliamento che sottolinea lo stato psicologico dell'artista nell'autoritrarsi.
Guardando un disegno di Ligabue si ha l'intuizione dell'animale nella sua fisicità, nel suo movimento, nel suo esistere e sembra che nessuna meditazione vi sia stata tra l'artista e l'animale anche se invece sappiamo che Ligabue disegnava, come dipingeva, ricreando l'immagine in sé, a memoria si potrebbe dire.
Vince premi, vende quadri, trova amici che lo ospitano, si girano film e documentari su di lui. Ligabue rimane però lo stesso, anche se viene identificando nelle automobili, dopo la passione per le motociclette. 
Nel 1961 viene allestita la sua prima mostra personale alla Galleria “La Barcaccia” di Roma. Nonostante un incidente di motocicletta e l’anno successivo, colpito da una paresi, continua comunque a dipingere. Chiede di essere battezzato e cresimato, muore il 27 maggio 1965 e sepolto nel cimitero di Gualtieri, sulla sua lapide una maschera funebre in bronzo ad opera di Andrea Mozzali. Ligabue fu denominato Al Matt (il matto). Nel 1965, all’indomani della sua morte, gli viene dedicata una retrospettiva nell’ambito della IX Quadriennale di Roma.
Nel 2002 Sergio Negri, maggiore esperto di Ligabue, pubblica un catalogo generale dei dipinti edito dalla casa editrice Electa Mondatori.

Con il patrocinio di: Regione Toscana, Provincia di Lucca, Comune di Lucca, Assindustria, Camera di Commercio, Confcommercio, Confesercenti, Confartigianato tutti di Lucca e con il contributo di Fondazione Cassa di Risparmio e Fondazione Banca del Monte di Lucca. – Catalogo: Silvana Editoriale di Milano.

Lu.C.C.A. – Lucca Center of Contemporary Art.
Via della Fratta 36 Lucca – Orari mostra dal martedì alla domenica 10 – 19. Chiuso il lunedì e 1 maggio. Biglietto intero € 7,00; ridotto € 5,00.
Visitabile fino al 9 giugno 2013.
Anna Scorsone Alessandri

L'arte parte da un'idea passando dalla realizzazione. Il percorso è sempre una sorpresa, così come l'arrivo ma anche, stavolta, la partenza. La partenza è una violenza di destinazione, un'aberrazione di genere.

(Primo tempo)
La materia che costituisce il colore crea, deve creare, legami e biunivoche corrispondenze con il suo doppio d'elezione: la pittura ha il muro, l'olio ha la tela, l'acquerello ha il foglio, lo smalto ha l'automobile. Ecco, lo smalto. Uno smalto steso su una tavola rompe il legame di basilare affinità chimica per il quale entrambe le cose sono nate, penetra verso l'interno e si diffonde all'esterno in superficie, rapido e incontrollabile a cercare la sua lamiera, il suo ferro elettivo. In questo momento inizia il lavoro di violenza, di contenimento e di controllo su ciò che si dibatte; lo smalto, ancora vivo, si contorce distonico e ti lascia pochi minuti per dargli una direzione e un senso prima che una prima morte lo cristallizzi, lucentissimo e cangiante, in una nube astratta.

(Intervallo)
Asciughiamoci, aiutiamoci coi catalizzatori anche. Ci sta una sigaretta e quella sensazione di pericolo.

(Secondo tempo)
Poi arrivano i colori istituzionali. Acrilici ad esempio, quelli fatti per la tavola. Gli acrilici si stendono a costruire forme e sagome convenzionali, strade palazzi luci cantieri forme persone, reali in rappresentazione reale. Ma anche l'acrilico tituba sulla sfondo astratto, uno sfondo non suo, uno sfondo non tavola. Fuori luogo ancora una volta.
Combattono, i colori.
Combattono in rappresentazione, astratto contro figurativo.
Combattono in territorio, l'acrilico cerca la tavola e lo smalto la rifugge interponendosi.
Combattono in chimica: dove l'acrilico si stende lo smalto si solleva, soffia e sbuffa, si contorce per chimica e per sdegno; si fanno in là i colori, ora per rispetto e ora per aprire il cerchio alla rissa.
Poi il tempo acquieta, la chimica si porta all'equilibrio e i colori si acquartierano definitivamente sulle loro posizioni di eterna trincea.
Sul campo di battaglia restano paesaggi e scorci e persone e strade, vividi reali del reale, su uno sfondo acido di una Morte Grata.

Vedute coloristiche
L'urbano, Io spazio urbano composto da edifici vecchi e insieme nuovi di vicoli, strade, piazze, è stato oggetto di attenzione e rappresentazione iconografica, pittorica fin dal medioevo, transitando nella pittura trecentesca perviene allo sguardo prospettico, poi ai vedutisti al cubismo, futurismo, metafisica_ L'apparire successivamente dell'analisi e della critica sociale, culturale, lo studio da parte degli urbanisti anche rispetto all'emarginazione all'isolamento e degrado delle periferie urbane viene sottolineato dalla cinematografia impegnata, dalla fotografia e dal video documentaristico.
Tali molteplici aspetti sono per Dalcò oggetto di riflessione e di suggestione ed egli implicitamente vi si commisura_ Nella sua modalità operativa, il dato estetico, il sentire emotivo, la percezione degli spazi segnali, contrassegnati da eventi naturali sono oggetto di grande attenzione e sensibilità. Questi sono spesso registrati, colti fotograficamente e come tali considerati traccia, memoria — stimolo creativo.
Gli illustri predecessori di Lorenzo Dalcò hanno spesso trovato nell'urbano, nel suo manifestarsi, la fonte di turbamenti, angosce e inquietudine: i luoghi dove si svolgevano scontri, agitazioni movimenti di moltitudini e violenza, sono stati più volte colti con similarità partecipazione quanto melodrammaticità_ Nella nostra società tardo capitalistica appare nel linguaggio il concetto di perturbante, per indicare la dimensione urbana esemplificata in film come True Stories, l'ultimo spettacolo, Rade Runner o Arancia Meccanica.
Qui in Dalcò nelle sue opere, nelle sue tavole, non troviamo questa estetica ma troviamo immediatamente il colore della pittura_ Cercavamo le ragioni della sua opera il loro senso all'interno di una retorica dell'impegno di denuncia sociale ma non é questo il senso_ Dalcò parla dell'operare che compie il colore quando incontra il 'debole disagio delle strutture architettoniche che costituiscono le facciate degli edifici quali si presentano con il canone prospettico.
Queste sono sottoposte ad una 'passione' - espressione coloristica così sollecitante che sembra le conduca fino al punto di essere demolite o almeno oscillanti — indifese come appaiono.
Le forze degli elementi della natura celeste il cielo là dove risiede (abita) la potenza coloristica mette in crisi ogni struttura architettonica_ - Tempeste di colore incombono sul debole codice costruttivo.
Sovente queste facciate vengono contaminate dal conflitto che avviene sopra di esse tanto che le luci e le ombre si assentano così come le persone, gli individui e nessuno percorre queste strade, solamente qualche automobile quasi inUmorita sosta in gruppi quasi a proteggersi_ Talvolta le strade umide di pioggia colorata si accendono di lampi argentei. Queste opere testimoniano di una pittura che dipinge., è un conflitto in cielo che prende anche colui che dipinge.
Dalcò è preso e sorpreso nel e dal colore che lo fa dipingere, entrando in dialogo con le cose prepotentemente. Vedute coloristiche urbane è il senso di queste cose pittoriche_ Dalcò non poteva placare tale prepotenza dopo le esperienze trascorse con esso_ Qui egli ha tentato di addomesticarla, ma essa si mostra indomita. Questa è la caratteristica migliore che contraddistingue tale pittura; la coscienza di ciò significa porre le condizioni per una proficua creatività_
Parma gennaio 2013
Fabrizio Sabini

8 marzo – Roma - La poesia che cura. Un laboratorio per migliorare se stessi e il proprio umore.

La poesia diventa terapia e ci aiuta a migliorare la nostra vita. A Roma il prossimo 8 marzo parte un laboratorio sotto la regia dello psicoterapeuta Giovanni Porta, esperto di arteterapia.

La poesia ci aiuta a scoprire le realtà nascoste dentro di noi, se usata con sincerità può anche essere terapeutica ed aiutarci a migliorare la nostra vita. A Roma il prossimo 8 marzo parte un laboratorio poetico molto particolare. Sotto la guida esperta di uno psicoterapeuta, Giovanni Porta, esperto di arteterapia, la scrittura prende vita e ci aiuta ad illuminare il nostro animo. 
“Scribacchiare qualche parola su un foglio non è difficile, il difficile è farle diventare una poesia. Anche nella vita: arrivare a sera trascinandosi in qualche modo non è difficile; il difficile è essere felici e soddisfatti di sé. – spiega Giovanni Porta – psicoterapeuta esperto di arteterapia - Per scrivere poesie, come per essere soddisfatti di sé, serve una grande dose di sincerità: solo dicendo innanzitutto a me stesso quello che sento, e che voglio, posso sperare di trasformare la mia espressione, e la mia vita, in arte. In questo laboratorio mescoleremo tecniche poetiche, di meditazione, movimento e crescita personale per andare alla ricerca di un'espressione libera e onesta, per dare voce a quello che siamo, anche alle parti che spesso tacitiamo, e scoprire che effetto ci fa permettere di esprimere agli altri e a noi stessi quello che pensiamo e che vogliamo. Esattamente”.
Il fine non è unicamente rendere più efficace il proprio modo di scrivere: durante il laboratorio verranno presentate e sperimentate varie tecniche dello scrivere poetico che potranno permettere di "migliorare" la qualità dei propri scritti, ma il fulcro di una poesia sono le emozioni che vi albergano, e quelle non possono essere insegnate ma solo scoperte. Scoprire la propria profonda verità e imparare a conviverci, per poi farla diventare poesia...
Il laboratorio è rivolto a chiunque sia interessato a lavorare su di sé per arrivare a un'espressione più autentica, non è necessario essere in possesso di particolare esperienza nella scrittura poetica.
Il laboratorio è organizzato in collaborazione con l’associazione Atmos Artiterapeutiche, che da anni organizza percorsi in cui le arti vengono utilizzate come strumenti di crescita personale, consapevolezza e trattamento dei disagi personali e relazionali.

IL CONDUTTORE
Giovanni Porta, psicologo psicoterapeuta di orientamento gestaltico, specializzato nell'utilizzo di tecniche artistiche nella relazione d'aiuto, poeta e performer. Negli ultimi anni ha partecipato ad alcuni dei più importanti busker festival italiani proponendo performance di poesia istantanea. 
Vedi anche www.giovanniporta.it

DATE, ORARI E LUOGHI
Il laboratorio si svolgerà in sei date, sempre di venerdì, presso Atmos Artiterapeutiche, via G. Ansaldo 6 (zona Garbatella) – Roma.
La prima serata, che si terrà venerdì 8 marzo dalle 20 alle 22, sarà introduttiva e completamente gratuita, al fine di permettere a chi sia interessato di sperimentare in prima persona il metodo di lavoro, e decidere se proseguire o meno.
Le altre date, che si svolgeranno sempre presso Atmos Artiterapeutiche, saranno: 22 marzo - 12 aprile - 3 maggio - 17 maggio - 31 maggio.

IL LABORATORIO INTRODUTTIVO REPLICA

"Siamo tutti figli di una stessa madre di colore. La scienza conferma che il razzismo non ha ragion d'essere", lo afferma il prof Luigi Luca Cavalli Sforza, uno dei massimi genetisti del mondo, alla luce delle sue indagini sulle popolazioni mondiali che si sono generate da un primo gruppo di ominidi preistorici residenti nella zona dell'attuale Corno d'Africa. 

L’ affermazione è stata confermata in una lunga intervista ad Alessandro Cecchi Paone, pubblicata nel volume Dieci vite per la scienza, un cofanetto ( libro + 2 dvd) che accompagna le interviste integrali alle più grandi menti italiane nel campo della scienza e della tecnologia con le biografie e la guida alla comprensione dei contenuti. 

Un’opera preziosa per la conoscenza diretta, approfondita e coinvolgente di grandi protagonisti del nostro tempo. Uno strumento essenziale per prepararsi ai nuovi sviluppi e alle nuove applicazioni della medicina, della biologia, della fisica, della chimica, dell’astrofisica, delle neuroscienze, della logica, della matematica, dell’informatica, dell’elettronica, dell’ecologia e dell’etologia. Il volume, in libreria da domani 6 marzo, sarà presentato in anteprima nazionale a Milano, martedì 19 marzo, alle ore 18, presso il Salone d’Onore della Triennale.

PRESS OFFICE DANIELA LOMBARDI 339-4590927 0574-32853

Dal 16 fino al 30 marzo 2013 è possibile visitare presso la galleria Studio 71 di Palermo Via Fuxa n. 9 la mostra collettiva: 
percorsi incrociati n. 6

Una mostra che ha visto susseguirsi, nelle cinque edizioni precedenti, pittori e scultori di notevole spessore nazionale e giovani promesse intenti a far “dialogare” le loro opere senza pregiudizi e soprattutto senza riserve. Questo è il senso che ha voluto dare la galleria Studio 71 di Palermo che si è intestato l’evento fin dal 2004. 
Le sedi prestigiose che via via sono state interessate: La Fondazione Mazzullo di Taormina e la Fondazione La Verde La Malfa di San Giovanni La Punta, sono certamente una carta di credito speciale per gli autori che di volta in volta si sono avvicendati. 
A distanza di tre anni dall’ultima edizione, quest’anno è la galleria Studio 71 di Palermo che apre le sue porte a “Percorsi incrociati n.6”. 
Anna Barbagallo, Simona Franz, Jacò, Lucia Mignosa, Giovanna Nicotra, Giuseppe Sciacca, Andrea Todaro sono gli artisti che incrociano ancora una volta le loro carriere artistiche.
L’incisione si fa scultura, il disegno diviene dipinto. La materia lascia spazio alla grafite, il colore all’inchiostro. 
Donne modellate e scavate, miti antichi e moderni si compenetrano dando vita ad una nuova razza. Silenzi e sfrontatezza, pause intime e cariche di profondità psicologiche, visioni oniriche intrise di tradizioni, caratterizzano questa mostra.
In un continuo scambio di visioni, gli artisti fanno interagire le proprie creature in uno spazio reale dando vita ad un ambiente in cui la presenza della fiaba, del mito modella l’atmosfera.
Una mostra ricca di spunti e di contrasti armoniosi in cui mondi ed esperienze artistiche differenti concorrono alla stesura di un breve discorso sull’arte. La mostra curata da Vinny Scorsone, suo il testo in catalogo, comprende 21 lavori tra dipinti, sculture e incisioni.
La mostra è visitabile alla galleria Studio 71 di Palermo fino al 30 marzo con il seguente orario dalle 17.00 alle 20.00 tutti i giorni.

Uff. stampa e p.r.
Mariella Calvaruso

mariacalvaruso@virgilio.it

a cura di Eugenio Viola
venerdì 22 marzo dalle ore 19:00
Museo Nitsch (vico Lungo Pontecorvo 29/d, Napoli)

Venerdì 22 marzo alle ore 19:00 negli spazi del Museo Nitsch inaugura Punto di Fuga, performance e prima personale europea dell’artista cubano Carlos Martiel, a cura di Eugenio Viola.

Il “punto di fuga” e la relativa elaborazione prospettica ad esso sotteso sono espressione della volontà di conferire al mondo un ordine geometrizzante, il frutto di un episteme occidentale che prova a razionalizzarlo in termini logico-matematici. Entrambi appartengono ad un sistema di pensiero fondato sulla concezione antropocentrica dell’uomo misura del mondo, rappresentato da Leonardo da Vinci nell’Homo Vitruvianus, visualizzazione estrema della corrispondenza neoplatonica tra macrocosmo e microcosmo.

Partendo da queste considerazioni e confrontandosi con un motivo topico della storia dell’arte e della cultura occidentale, Carlos Martiel ribalta col proprio corpo il portato iconico dell’immagine di partenza, esibisce la deviazione dal modello, dall’essenza platonica che aspira alla purezza originaria, dall’eidos di tradizione classica per restituirne una versione polemicamente multiculturale e meticciata.

Il corpo dell’artista diviene un paesaggio da attraversare e percorrere, la sua pelle una tela da personalizzare e penetrare, le sue appendici rami da cui pendono precisi segni di appartenenza: il luogo dell’incontro fra codici differenti e molteplici. L’azione diviene uno sforzo di congiunzione tradotto in tensione geometrico-performativa, sofferenza ed estasi quasi mantrica di un corpo declinato nella sua irriducibile alterità.

Nel lavoro di Carlos Martiel il contesto di appartenenza e la consapevolezza del proprio corpo sono sempre presentati come il prodotto mutevole di processi attributivi complessi. La strada e lo spazio pubblico sono i suoi luoghi privilegiati d’intervento e d’azione, garantiti da continue forme di riappropriazione.

L’artista cubano si concentra su episodi mirati, volti a intensificare la percezione delle disuguaglianze sociali, spingendo il pubblico ad adottare, inevitabilmente, una posizione ideologica che porta con sé le tracce di una situazione determinata, di un contesto preciso. Le sue azioni, come spesso nel magmatico continente latino americano, sono legate ad una forte icasticità espressiva, assumono gli accenni della denuncia, il sapore della rivolta, e rimandano situazioni sgradevoli, segnali allarmanti del profondo disagio esistenziale nel quale si dibatte la società contemporanea. Le sue opere violente, drammatiche, sono caratterizzate da una bellezza disturbante e da una forza quasi catartica che le spinge oltre il commento sociologico o contestuale: originate da una precisa localizzazione geopolitica, procedono per induzione dal particolare al generale in quanto fanno riferimento, nostro malgrado, a problematiche globali.

Eugenio Viola

Si ringraziano Ana Pedroso, contemporaneacubaproject, Philipp Dür, SaBuLee

Carlos Martiel (La Habana Cuba, 1989), vive e lavora tra Buenos Aires e l’Avana, dove ha frequentato la Cattedra di “Arte de Conducta” di Tania Bruguera (2008-09). Ha realizzato numerose performances e partecipato a diverse mostre in America Latina, fra cui al Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam (La Habana, Cuba, 2012); Haus Der Kunst (Vallarta, Messico, 2012); Espacio Quina (Belo Horizonte, Brasile, 2012); Museo d’Arte Moderno di Buenos Aires (MAMbA, Argentina, 2012); Centro de Arte Contemporáneo de Quito (CAC, Ecuador, 2012). Ha inoltre partecipato all’XI Biennale de la Habana 2012 e preso parte alla 135.aktion di Hermann Nitsch (I.S.A. La Habana, 2012), alla VI Biennale di Liverpool (2010) e alla XXXI Biennale di Pontevedra (Galizia, 2010)

Eugenio Viola è critico d’arte e curatore indipendente. Studioso delle poetiche performative e corporali e delle loro derive, ha pubblicato sull’argomento numerosi saggi e ha curato le monografie e le relative mostre dedicate a Marina Abramović al PAC di Milano (The Abramović Method, 24 Ore Cultura, Milano, 2012) e ad Orlan al Musée d’Art Moderne de Saint Etienne in Francia (Le Récit, Charta, Milano, 2007), oltre al Festival di performance Corpus. Arte in Azione (Museo Madre Napoli, 2009-12).

Museo Hermann Nitsch
Vico Lungo Pontecorvo 29/d - 80135 Napoli
Tel.+ 39 081 5641655 / Fax.+39 081 5641494
info@museonitsch.org

Carlos Martiel
Vanishing Point
Curated by Eugenio Viola
on March Friday the 22 at 7.00 pm
Nitsch Museum of Naples

On March 22 at 7.00 pm, the Nitsch Museum of Naples will inaugurate Vanishing point, the performance and the first European solo show of the Cuban artist Carlos Martiel, curated by Eugenio Viola.

The “vanishing point” and the perspective elaboration thus implied are the expression of the will to give the world a geometrical order produced by a western episteme aiming to rationalize it through logic mathematics terms. They both belong to a doctrine based on the anthropocentric concept of man as measure of the world, thus represented by Leonardo da Vinci in the Homo Vitruvianus that becomes the extreme visualization of the Neoplatonic correspondence between macrocosm and microcosm.

Starting from these considerations and dealing with a topical theme of western culture and history of art, Carlos Martiel reverses the iconic outcome of the given image by using his body, he shows the deviation from the model, from the platonic essence aiming at the original pureness as well as the classic eidos in order to restore a version which is controversially multicultural and hybrid.

The artist’s body turns into a landscape to be crossed and covered, his skin becomes a painting to be personalized and comprehended, his appendixes are branches with specific signs of belonging just hanging on them: the meeting place for several different codes. Action is an effort of junction which is translated into a geometrical-performative tension, into grief and nearly mantric ecstasy of a body declined into its unshakable alterity.

In Carlos Martiel’s work, the context of belonging and the awareness of his own body are always shown as being the mutable outcome of complex processes of attribution. The street and the public place are his favourite field for acting and operating since they are granted by continuous ways of repossession.

The Cuban artist is focused on specific episodes aiming to intensify the perception of social inequalities by driving the public to adopt an ideological position which comprises signs of a determined situation and precise context.
As it often happens in the magmatic continent of South America, Martiel’s actions are bound to a strong expressive vividness, they assume denouncing overtones and a taste of rebellion, they recall unpleasant situations which are worrying signs of the deep existential discomforts fought by contemporary society.
His harsh and dramatic works are characterized by a disturbing beauty and a nearly cathartic strength which drive them beyond the contextual or sociological remark. His works, originated from a specific geopolitical localization, proceed inductively from the particular to the general since they refer, against our will, to global problems.

Eugenio Viola

Thanks to Ana Pedroso, contemporaneacubaproject, Philipp Dür, SaBuLee

Carlos Martiel (La Habana, Cuba, 1989), lives and works between Buenos Aires and Havana where he attended the academic chair of “Arte de Conducta” of Tania Bruguera (2008-09). He made several performances and took part in many exhibitions in Latin America like at Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam (La Habana, Cuba, 2012); Haus Der Kunst (Vallarta, Mexico, 2012); Espacio Quina (Belo Horizonte, Brasil, 2012); Museo d’Arte Moderno dì Buenos Aires (MAMbA, Argentina, 2012); Centro de Arte Contemporáneo de Quito (CAC,Ecuador, 2012). He also attended the XI Bienal de la Habana (2012), the 135.aktion by Hermann Nitsch (I.S.A., La Habana, 2012), VI Liverpool Biennial (2010) and XXXI Biennial of Pontevedra (Galizia, 2010).

Eugenio Viola is an art critic and independent curator. Expert (Scholar) of the performative and bodily poetics as well as of their drifts, he published several essays on this topic and curated both the monographs and the exhibition dedicated to Marina Abramović at PAC of Milan (The Abramović Method, 24 Ore Cultura, Milan, 2012) and to Orlan at Musée d’Art Moderne de Saint Etienne-France (Le Récit, Charta, Milan, 2007). Moreover, he curated the performance festival “Corpus. Art in Action” at MADRE (DonnaRegina contemporary Art Museum) Naples, 2009-12.

SGUARDI SULLA SCULTURA CERAMICA DEL XX SECOLO

E’ in corso presso la sala espositiva della Fondazione Cassa di Risparmio di Forlì in collaborazione con il Museo Internazionale delle Ceramiche di Faenza la mostra “Sguardi sulla scultura ceramica del XX secolo”.
Si tratta di uno sguardo focalizzato sul secondo Novecento dagli anni cinquanta in avanti ed intende fornire uno spaccato interessante sulla scultura ceramica del XX secolo, opere appartenenti alla collezione del Museo Internazionale delle Ceramiche in Faenza che si è distinto sin dalle origini. 
Una sezione accoglie, oltre ad una selezione di designers, anche capolavori di artisti universalmente riconosciuti come Pablo Picasso, Henri Matisse, Marc Chagall, Leoncillo Leonardi, Lucio Fontana, Alberto Burri, Ugo Nespolo, Carlo Zauli, solo per citarne alcuni.
Il Museo Internazionale delle Ceramiche di Faenza è stato fondato nel 1908 da Gaetano Ballardini, diventando un centro culturale di ricerca e di documentazione per la ceramica di tutto il mondo e può proporre al pubblico un’ampia campionatura di quanto è stato prodotto dall’antichità classica fino ai nostri giorni.
Faenza è nota nel mondo per la sua produzione di ceramiche che risale al XII secolo, ma raggiunse il suo momento più alto e artisticamente significativo nel periodo rinascimentale. La tradizione e la sua cultura costituiscono tuttora il polo vitale della Faenza moderna, con il suo Museo Internazionale delle Ceramiche che conserva splendide collezioni di oggetti provenienti da ogni età e paese. 
Come afferma la direttrice del Museo Internazionale delle Ceramiche, Claudia Casali, “Il Ventesimo secolo fu un periodo ricco di innovazioni per la scultura ceramica. Il secondo dopoguerra pose le basi per un rinnovamento globale che interessò grandi protagonisti che si avvicinarono al linguaggio ceramico per rinnovarlo radicalmente… la ceramica oggi sta vivendo una nuova dimensione critica e progettuale che si riscontra nelle tante proposte espositive e nel grande interesse che sta sempre più suscitando, divenendo un vero indiscusso linguaggio contemporaneo”. 
Lo stile e l’evoluzione del suo ultimo periodo artistico influenza prepotentemente il mondo della ceramica ed i primi a sentirne gli influssi sono stati Salvatore Meli e Tono Zanganaro. Incomincia allora una nuova ricerca plastica, dove spazio materia e forma si rivoluzionano verso una non figuralità, transitando per la vena pop, fino alle grandi installazioni come quelle di Giacinto Cerone. 
Questa esposizione conferma il dialogo, ormai consolidato, tra Fondazione MIC e la Fondazione Cassa di Risparmio di Forlì, filo conduttore la ceramica, ma rende omaggio anche al “Premio Faenza”, attivo dal 1938, internazionalmente ritenuto quale il più importante riconoscimento dedicato all’arte ceramica a livello nazionale ed ha ottenuto sempre maggiori consensi sino ad arrivare ad un livello internazionale negli anni ’60 con artisti giapponesi sempre più interessati a questo concorso. Infatti una sala espositiva ospiterà alcuni dei partecipanti al Concorso Internazionale dell’Arte Ceramica. Tra le opere esposte sono da segnalare le elaborazioni del giapponese Suhearu Fukami, la svizzera Petra Weiss, l’americano Paul Donhauser, il lettone Juris Bergins.
Una meravigliosa cornice che vede il ventesimo secolo come un contenitore straordinario di ricerca, sperimentazione, materie essenziali per l’arte della ceramica.

Palazzo del Monte di Pietà, Corso Garibaldi 37 Forlì.
Orari di apertura: da martedì a venerdì ore 15 – 18; - sabato, domenica e festivi ore 10 – 13 e 15 – 18. fino al 14 aprile 2013.
Anna Scorsone Alessandri

LANFRANCO QUADRIO -TRA LA TERRA E L’ARIA 
SPAZIO PARALLELO PALERMO

Sabato 23 marzo ore 18 presso lo Spazio Parallelo di Via Libertà 34 di Palermo si inaugurerà la mostra di Lanfranco Quadrio: un viaggio attraverso il suo mondo, della sua ricerca, dei suoi oggetti. 
La sua attenzione si rivolge allo studio di strutture anatomiche animali e umane. Nel disegno così come pure nella pittura, fortemente connotati dalla cura del dettaglio, l’artista lavora attorno a temi legati a forme archetipiche del mito ma rimane costantemente ancorato alla propria dimensione onirica.
Le sue raffigurazioni si scontrano, si aggrovigliano, si compenetrano, dando vita a dei corpo a corpo di grande emotività e di forte impatto visivo.
Cinquanta opere tra disegni, dipinti su tela e incisioni – alcune opere di grande formato, esposte in anteprima a Palermo, saranno in mostra a Londra nell’autunno 2013. 
Prendo in prestito le parole di un articolo di Claudio Alessandri del 26.2.99 “…E… Lanfranco genera una pittura la cui astrazione rimanda ad immagini di oggetti o di animali, scorti con interezza da una mente che rifiuta ogni forma di mortificante classificazione. Su uno sfondo dal nero assoluto, si consuma la tragedia di una libellula che sprofonda, ormai vinta, in una morte che non vuole essere banale, ma portatrice di messaggi, di implorazioni ad una umanità che, indifferente, continua a “schiacciare” tutto ciò che non è utilitaristico, asservito al gretto materialismo. 
Il mondo di Lanfranco non ha confini spaziali e fantastici; la natura si stilizza in sembianze e colori nell’esaltante procedere verso forme indefinite, dai contenuti tangibili in un giuoco immaginario della memoria, commovente, trepida, angosciante … in totale abbandono ad una armonicità che tutto pervade e vivifica. 
In titoli come “Falena”, “Ali grandi”, “Storia di una colomba”, l’esaltazione artistica di Lanfranco lo spinge verso una febbrile ricerca; soluzioni sempre nuove, alla scoperta di un mondo al di là del visibile, del banale rispecchiarsi in immagini “scialbe” che inaridiscono la fantasia e, con essa, ogni ragione al votarsi al felice e creativo mondo della pittura”.
Lanfranco Quadrio riesce ad esprimere tutto il suo talento nelle sue incisioni. Le sue opere traggono ispirazione da soggetti sempre diversi seppur ripetuti, mai un compiaciuto soffermarsi su idee o cose; ci stupisce questo artista come riesca a fissare su una lastra immagini, sensazioni, idee che finiscono per coinvolgere l’immaginazione, la mente. L’onirico ed il reale si fondono su animali, quasi un invito ad infrangere l'esile foglio che divide il reale dal sogno per perdersi in esso, per fuggire da una realtà spiacevole. 
Animali del tempo cristallizzato dal bulino, splendida e delicata come le ali di una farfalla, capaci di far volare fantasie di colori, ma tragiche nella loro fragilità, una fatuità che le rende vulnerabili al più piccolo fremito di vento.
Questo ed altro Lanfranco Quadrio ci fa vedere, conducendoci per mano in mondi sublimi ma brumosi, coinvolgendoci in una tensione spasmodica che solo le sue splendide creazioni, per ispirazione e per tecnica, riescono a placare nella quieta aura del sogno.

La mostra sarà visitabile fino al 13 aprile 2013 – Spazio Parallelo, Via Libertà n. 34, Palermo.
Anna Scorsone Alessandri

Daniela Lombardi, Valentina Chiaramonti, Liliana Puggelli: Tre generazioni a confronto, un punto interrogativo in comune

Daniela Lombardi, Valentina Chiaramonti e Liliana Puggelli. Tre donne, tre scrittrici, tre mondi diversi. Insieme hanno scritto Tre generazioni a confronto, un punto interrogativo in comune.
Le abbiamo incontrate per saperne di più, dal nostro incontro nasce un’intervista a tre voci. Ecco cosa ci siamo dette.
Tre generazioni a confronto, è un libro intimo e corale nello stesso momento. Com’è stato possibile scriverlo?
Liliana – E’ nato per caso, per gioco. Io mia figli a e mia nipote amiamo scrivere e ci siamo trovate in sintonia in questo progetto
Daniela – E’ stato un modo per riavvicinarmi alla scrittura, la mia grande passione. Avendo un ufficio stampa mi trovo a scrivere molto per gli altri un po’ meno per me.
Valentina – Mi piace scrivere. Soprattutto le poesie. La prima persona a cui le faccio leggere è mi anonna e quindi è sto quasi spontaneo.
Quando l’esperienza personale diventa universale?
Liliana – Quando si capisce che il nostro vicino è esattamente coma noi, con gli stessi problemi, gli stessi sogni e la voglia di guardare avanti.
Daniela – Ognuno di noi è un mondo a parte che fa parte di un grande immenso universo che ci accomuna.
Valentina – A scuola si parla molto di integrazione e a noi ragazzi non fa molta specie il colore della pelle o il paese di provenienza: si capisce che veniamo tutti da una stessa matrice
n che modo i ricordi aiutano, liberano o limitano?
Liliana – I ricordi non devono intrappolare, devono essere solo un motivo per andare avanti e guardare il futuro con più sicurezza.
Daniela – I ricordi possono essere assillanti. Si deve imparare a guardarli con rispetto senza lasciarsi travolgere. Non sempre è facile.
Valentina – Se sono ricordi tristi possono limitare, se sono belli possono liberare ed aiutare.
In che modo poesia e musica entrano tra le pagine?
Liliana – Scrivere è un po’ come suonare uno strumento e le parole sono le note.
Daniela – La nostra scrittura è un insieme di spartiti che speriamo abbiamo creato un’alchimia.
Valentina – Ogni parola è una musica e il nostro libro è fatto di tante parole e quindi di tanta musica.
Cosa avete imparato reciprocamente da questo confronto?
Liliana – Che il tempo passa, le mode cambiano, ma i sentimenti più importanti restano sempre i soliti.
Daniela – Scoprire quello che pensano la propria madre e la propria figlia e vedere che non è poi così diverso da quello che penso io, dà un senso di continuità
Valentina – E’ stato un momento molto bello, anche perché mio fratello Lorenzo ha scattato alcune foto e io ho indossato due stupendi abiti da sposa: quello di mia nonna e quello di made!
Cos’è che le donne non dicono?
Liliana – Le donne dicono tutto, non sanno mentire.
Daniela – Forse le donne riescono a comunicare meglio degli uomini, noi diciamo, bisogna vedere se il nostro messaggio arriva. Quello che non dicono eè quello ch enon viene capito.
Valentina – Le donne comunicano tanto: con il corpo, con le parole, con i gesti: sta agli uomini saperle capire e recepire.

Intervista di: Elena Torre

e unisci anche la tua voce

Nome: alfonso filieri
From: roma
Email: orolontano@libero.it
Invia: Invia
Remote Name: 2.231.78.12
Remote User: 
HTTP User Agent: Mozilla/5.0 (compatible; MSIE 9.0; Windows NT 6.1; WOW64; Trident/5.0)
Date: 28/03/2013
Time: 11.02.19

Testo
LA ZATTERA DI CARTA opere e libri - frammenti di un percorso - 1980-2010 http://www.alfonsofilieri.com/la-zattera-di-carta.pdf www.operalibro.it www.alfonsofilieri.com Alfonso Filieri sembra essere la faccia emotiva, figurale dell’immaginazione e dell’immaginario letterario; per questo non bisogna credergli fino in fondo, come del resto non bisogna mai affidarsi completamente agli scrittori. Bisogna piuttosto avvicinarsi alle opere di Filieri leggendone i titoli, scoprendo immediatamente che corrispondono, sorprendentemente, al racconto evocato dagli autori da cui sono tratte; poi si guarda nuovamente l’opera, avvertendone stavolta la reale corrispondenza con sensazioni umane, primigenie, profonde; sensazioni come la morte, che agghiaccia (Il colpo della balestra, 2008), come i processi naturali, inarrestabili e indifferenti, come il dissolversi fisico di un uccello nelle profondità marine (Lo sparviero marino, 2004, Entrando nei gorghi, 2008), o il propagarsi di gocce d’acqua sul mare come un intero muro di suono ( “Talvolta udivo gocciolar dal cielo / Il canto delle allodole” di Coleridge per l’opera Dal cielo un canto, 2008), e così via. Tutto questo reso, in un ironico paradosso, con il materiale proprio del racconto letterario, la carta cioè, declinata in carta velo, carta di riso, carta di banano, carta fabbricata dallo stesso autore, cerata e colorata con pigmenti, spesso diluiti talmente a penetrare nelle fibre fondendosi indissolubilmente con esse, e sovrapposta a stratificare impercettibili velature che costruiscono anche tridimensionalmente l’immagine. Attraversando in tal modo la soglia della verità delle sensazioni, così, Filieri lascia il pretesto letterario-romantico-avventuroso - per quanto sentito, scelto, sposato - e salpa per il mare ampio e profondo della vita, evidenziandone quei pochi, unici, veri ed inevitabili capisaldi. Tutto questo appare anche nella serie di tele del 2008 ispirate ai mirabili versi di Thomas Stern Eliot e Samuel Taylor Coleridge, ma preparato da un lungo flusso di appunti, idee, proposte figurali e prove tecniche di resa, di carte, di toni che animano le pagine dei quaderni dell’artista, ognuno dei quali è un flash che illumina una 

ARNALDO POMODORO: OPERE 1954 – 1960 “UNA SCRITTURA SCONCERTANTE”.

Martedì 9 aprile 2013, la Fondazione Arnaldo Pomodoro inaugurerà la sua nuova sede di Milano, in via Vigevano n. 9. Il primo evento 
ospitato nella struttura, adiacente agli archivi della Fondazione e allo studio dell’artista, titolo della mostra “Una scrittura sconcertante”. Arnaldo Pomodoro. Opere 1954-1960, in programma dal 10 aprile al 30 giugno. L’esposizione, curata da Flaminio Gualdoni, documenterà la prima stagione creativa di Arnaldo Pomodoro, scultore nato a Marciano di Romagna (Rimini) nel 1926. Trasferitosi a Milano nel lontano 1954 dove inizia la sua attività artistica; un viaggio straordinario e unico, attraverso cui è possibile leggere più attentamente il lavoro dell’artista. Le opere vent’otto in tutto, un lavoro di ricerca svolto da Pomodoro attraverso sculture, modellini, bozzetti e disegni. Pur rimanendo nell’ambito della tradizione realizzativi del “plasmare” le sue idee, compresa l’antica nobile tecnica a cera persa, segnano un momento di rottura tra la monumentalità figurativa e la rappresentazione di pura bellezza ed eleganza formale. Nell’arte di Pomodoro domina un rigoroso “spirito geometrico”, per cui ogni forma tende all’essenzialità volumetrica della sfera, del cubo, del cilindro, del cono, del parallelepipedo. Pomodoro studia da geometra per dedicarsi poi quasi subito alla scultura, per la quale sviluppò a poco a poco un’enorme passione. Le prime sculture risalgono all’inizio degli anni cinquanta. Sono rilievi modellati nel ferro, stagno, piombo, argento, cemento e bronzo. La sua scrittura è costituita da segni astratti. L’uso di questi materiali inediti testimonia la ricerca e la volontà di Pomodoro di sperimentare nuovi mezzi formali ed espressivi. Oltre alla scultura, espressione unica nel suo genere, si è cimentato in altre attività artistiche, dai gioielli, splendide miniaturizzazioni dei ben più grandi capolavori, minuscole sculture dal contenuto palpitante e intenso, alla scenografia, illusione di fatua solidità, all’architettura, reale mostrarsi del genio proteso nel tempo. Le sue opere si trovano nelle città più importanti come Roma, Torino nel Cortile delle Pigna dei Musei Vaticani e nei maggiori musei mondiali nonché al Cremlino e all’ONU. L’influenza intellettuale di Klee, che si definiva “astratto con qualche ricordo”, si avverte nel passo lirico e nella filigrana naturale tipici di Pomodoro di quel tempo, esplicitati da titoli in cui si dice di “orizzonte”, “situazione vegetale”, “estensione vegetale”, “paesaggio”. Questo è il percorso che lo conduce alla consapevolezza del segno astratto come cellula plastica, caratteristico di tutta la sua straordinaria vicenda successiva. Pomodoro è considerato uno dei più grandi scultori contemporanei italiani, molto noto ed apprezzato anche all’estero. 
Accompagna la rassegna il primo numero dei Quaderni della Fondazione. Collocata nei pressi della Darsena dei Navigli, la Fondazione Arnaldo Pomodoro, agirà come vero e proprio centro culturale, proponendo mostre, incontri, conferenze, presentazioni di libri, concerti. La vicinanza tra gli ambienti configura un polo artistico di grande suggestione, che tra i cortili antichi dei Navigli salda ancor più la contiguità tra il luogo dove la scultura di Pomodoro nasce e quello in cui la Fondazione ne documenta e promuove l’attività, ponendosi contemporaneamente come luogo di studio e di confronto intorno ai temi e alle figure dell’avanguardia contemporanea. La ricerca di Arnaldo Pomodoro è una ricerca infinita, dove ogni tappa è un’opera, una scenografia, un costume, un testo, in questo caso una mostra. 
A questa iniziativa seguirà, dopo l’estate, una mostra dedicata a Enrico Baj che ne analizzerà non solo il ruolo primario nel dibattito artistico degli anni ’50 e ’60, che lo vede fondare il Movimento nucleare, concepire riviste come “Il Gesto” e redigere manifesti cruciali come Contro lo stile, ma anche porsi come interlocutore attivo, in particolare tramite i rapporti con Edouard Jaguer e il gruppo “Phases”, della grande avanguardia internazionale, da Marcel Duchamp a Man Ray, da Asger Jorn a Guy Debord. 

ARNALDO POMODORO. OPERE 1954-1960
Una scrittura sconcertante
Milano, Fondazione Arnaldo Pomodoro (via Vigevano 9)
10 aprile - 28 giugno 2013 Orari: dal mercoledì al venerdì, dalle 16 alle 19. Ingresso libero. 
Anna Scorsone Alessandri

Bari/Trieste - tel. 338-2246495

CROMOSUONI
Fabrizio Trotta
"Cromosuoni", un titolo che richiama fortemente il termine cromosomi, corpi intensamente colorabili, strutture essenziali dell’eredità, intreccio che contiene il nostro patrimonio genetico. Da qui lo scopo di questa mostra: svelare l’attuale “patrimonio” artistico di Fabrizio Trotta, basato su una duplice ricerca: il Colore e il Suono; mondi apparentemente distanti caratterizzati da una matrice comune di energia e frequenza. L’artista identifica una sinergia latente tra l’effetto acustico e l’elemento cromatico, attribuendo però ad ognuna di essa un’indagine e un senso specifico.
Con oltre venti opere Trotta ripercorre le varie fasi o tappe della sua ricerca ed evoluzione artistica, che da una parte vedono la sua passione per la musica proposta in pittura in quasi tutti i suoi aspetti: i miti (Revival), la danza (Danze Informali), l’ideazione, la creazione, l’esecuzione, l’ascolto (Doors), sino ad arrivare alla rivoluzionaria e intrigante playing-art, una forma d’arte dinamica, interattiva e velatamente ludica, volta al coinvolgimento pieno dello spettatore o fruitore nella creazione e nello sviluppo di una nuova opera attraverso il libero spostamento delle sezioni degli strumenti musicali calamitati sul supporto.
Dall’altra parte, l’analisi dell’effetto catartico e dell’influsso positivo dei colori sulla nostra vita, sulle nostre scelte e sul nostro equilibrio psico-fisico ha spinto l’artista ad ampliare la propria indagine verso opere concettuali e minimali, dove il colore diventa unico protagonista, rappresentato sottoforma di pioggia materica, attraverso l’uso di olio o acrilico nei CromoTherapy o di spezie utilizzate come pigmento nei ChromoAromaTherapy, riuscendo quindi a coinvolgere anche l’olfatto, senso spesso sottovalutato ma molto forte nel tenere vivi ricordi e piaceri.
Decidere di affrontare due ricerche apparentemente opposte, ma concretamente congiunte, consente a Trotta di identificare e indicare una via di fuga dalla società contemporanea, alla riscoperta dei meccanismi semplici e naturali che appartengono al mondo puro dei bambini, privi di quei castelli di guardia e di ingranaggi complessi mentali che conducono a una situazione di infelicità e distanza dall’essere. Si porta in primo piano la curiosità, il gusto della scoperta, la possibilità di vivere emozioni positive attraverso il gioco e alcuni degli organi di senso, in particolare la vista, l’udito, l’olfatto, il tatto, percependo persino il piacere dell’atto di creare.
Una mostra, dunque, in cui lo spettatore diventa protagonista in quanto contenitore di emozioni pronte ad essere stimolate, esternate e liberate attraverso l’interazione, il gioco e i cinque sensi. 

Innocenzo Vigoroso, Studio DR Spazio Visivo, Roma

Roma offre allo scultore calatino di nascita, ma romano di adozione il suo prestigioso spazio fino al 19 aprile. 
Una lunga e attenta meditazione sul corpo femminile viene raccontata da Innocenzo Vigoroso. Un insieme di piccole sculture in bronzo, prevalentemente femminili. Lo scultore trae ispirazione nel corpo femminile adagiato mollemente in un riposo languido, e in quello di eleganti danzatrici. L’artista trova la massima espressione creativa in sculture palpitanti di vitalità, in ballerine dal corpo teso, arcuato in uno slancio prodigioso che, annullata ogni forza di gravità, fluttua libero in spazi indefiniti di dimensioni sconosciute alla fragilità ed alla materialità di un corpo relegato nelle pastoie naturali dell'essere umano. Su questi corpi flessuosi, è istintivo l'impulso di tendere la mano alla ricerca di un contatto fisico con le superfici levigate, epidermidi all'apparenza elastiche e pulsanti vita: desiderio di uno sperato amplesso amoroso che la reale sensazione tattile di fredda rigidità ci placa, riconducendoci ad un risveglio doloroso. Giorgio Segato scrive: “Il lavoro di Innocenzo Vigoroso può essere riassunto come lunga e attenta meditazione sul corpo. Fin dagli inizi della sua carriera artistica il corpo è stato al centro dei suoi interessi e della sua curiosità plastica, della sua sensibilità tattile, sia nei movimenti espressivi, ma anche nelle attese, negli stati di quiete. Vi è una ricerca di leggerezza, un desiderio di perdita di peso fisico del corpo per renderlo capace di un ascolto intimo, di un’esperienza di vita interamente e intensamente vissuta”. Altrettante espressività la si può riscontrare negli equilibristi che, sfidano ogni logica fisica. I bronzi di Vigoroso instillano una emozione profonda, per la certezza della poeticità delle sue opere. Il richiamo alla bellezza femminile si avverte prepotentemente nell’opera “Donna con sedia circolare” nella quale Vigoroso coglie un momento d’estrema introspezione; le membra sono rilassate in un abbandono “felino”, lo splendido corpo nudo si mostra in tutta la plasticità muliebre: la figura “pensierosa”, conscia della sua avvenenza, guarda incerta ad un futuro che la priverà della trepida giovinezza e, forse, del sorriso eppure, nonostante tutto, il suo riflettere è sereno, non adombrato dalla tristezza. Le composizioni delle figure, sono come strutture architettoniche che si allacciano nello spazio in una magica continuità energetica, simbolo plastico della continuità della vita. Predilezione per le sculture circolari a una, a due e anche tre figure che si annodano nello spazio. Il sempre più articolato studio del gesto con elaborazioni coraggiose e armoniche mette in evidenza la tensione creativa tra disegno e modulazione del corpo. Tutte le opere di questo grande artista, e non solo le danzatrice, sembrano acquisire leggerezza, in contrasto con il bronzo, nobile fusione di metalli preziosi, ma greve se non trasformato dallo scultore in creature, solo apparentemente leggere, liberate dall’arte del mantello soffocante della materia inerte. In realtà, sia i grandi bronzi che i bronzetti di Vigoroso interpretano la bellezza avvertita come evocazione di un mito. 
Innocenzo Vigoroso nasce a Caltagirone in Sicilia, comincia a lavorare la creta presso la Scuola d’Arte per la Ceramica. La passione per l’arte della ceramica e per i modelli in gesso si manifestano in lui sin da bambino. Si laurea in Architettura a Palermo nel 1962; nel 1977 si diploma all’Accademia delle Belle Arti di Roma dove vive e lavora.
La mostra sarà visitabile fino al 19.04.2013 presso lo Studio DR Spazio Visivo – Via Brunetti, 43 Roma - Orario: 10,30 – 13,00 e 16,30 – 19,30, festivi su appuntamento. Ingresso libero. 
Anna Scorsone Alessandri

CARMELO CAPPELLO MUSEO DEL TERRITORIO, BIELLA

E’ in corso presso le sale al primo piano del Museo del Territorio un’ampia retrospettiva della produzione dello scultore Carmelo Cappello voluta dall’Assessorato alla Cultura – Assessore Andrea Delmastro ed interamente realizzata con le risorse interne del Museo del Territorio. 
Le opere in mostra appartengono a diverse collezioni private.
Carmelo Cappello, definito lo “scultore d’acciaio” emigrante dell’arte al Nord ma sempre legato alle sue radici iblee. In Cappello si ritrova la mediterraneità e la solarità, senza mai dimenticare il mestiere quasi di artigiano. Era uno scultore che non si incontrava spesso nel quartiere di Brera dove aveva lo studio. Una sorte di timidezza naturale gli impediva di fare il presenzialista, di alzar la voce, di fare proclami e dichiarazioni come fanno tanti suoi colleghi. Nato in Sicilia a Ragusa nel 1912 studia scultura a Comiso e poi si trasferisce a Roma; lavora presso lo studio di Ettore Colla. Le prime personali sono presentate a Roma e Milano con testi di Raffaello Giolli autore, nel 1944, della prima monografia sull’artista, pubblicata dall’Editoriale Domus. E’ presente alla Biennale di Venezia. Negli anni Cinquanta, la svolta con la grande scultura in alluminio “L’uomo nello spazio” e con la successiva scultura “Acrobati” del 1955 esposta alla Triennale di Milano, concilia il figurativo con le forme spaziali. Eclissi, linee dinamiche, sfere e strutture lunari. Cappello ha una dote poetica di un incantato naif che traccia i suoi rabeschi plastici nel corpo stesso della civiltà industriale. I metalli in cui si costruiscono i più fantascientifici marchingegni della produzione macchinistica, i composti chimici che fan nascere le fibre sintetiche in cui ormai si incarna il nostro mondo artificiale, non eccitano in lui propositi di arte tecnologica, né progetti futuribili di mirabolanti integrazioni tra funzionalità e bellezza: gli appaiono invece come strumenti utili per meglio realizzare la sua visione di un universo rallegrato di voli di rondini , zampilli di luci, traiettorie e balletti di forme pure. Artista completo, Cappello si interessò con eguale genialità sia all'aspetto plastico della scultura sia alla modulazione spaziale che fosse funzionale al cosiddetto «arredo urbano». Affronta l'elaborazione plastica della materia, via, via che si discosta dal figurativo. Di questo periodo è la serie «Nudi femminili», che segue a «Davide» e prosegue con «Prostitute», scultura di istinto e sensuale, mossa da tensione plastica e accesa da un cromatismo offuscato. Non sempre convinto dei suoi esiti (aveva le fisime perfezioniste del grande artigiano), egli riprova i suoi esperimenti, ricercando la strada della sintesi. La scultura "Involuzione del cerchio" (1962), in acciaio e con movimento elettromeccanico, segna un periodo caratterizzato dall'interesse per l'uso di quel materiale e per la ricerca di forme in prevalenza circolari e rotatorio-dinamiche. Di Cappello si hanno notizie biografiche e note dei maggiori critici internazionali, ma non bisogna trascurare il ricordo dell'uomo, straordinariamente discreto e semplice, che non somiglia molto alle sue opere, tendenti verso l'alto, geometriche e astratte, nello stesso tempo. La sua comunicatività, pur non nascondendone la profondità, svela la semplicità tipica di un artigiano ragusano dell'epoca, così si esprime Carmelo Cappello: "Sono dovuto andare via da Ragusa per salvare la mia creatività. Ricordo che fu proprio il maestro Diana a farsi promotore verso i miei genitori affinché mi mandassero a Roma....” La carriera artistica di Cappello conosce importanti partecipazioni ad eventi espositivi sia in Italia che all'estero. Nelle sue opere traspare una preoccupazione costante dovuta alla tensione per il superamento definitivo della lezione plastica ottocentesca verso l'affermazione di valori che prospettano una nuova stagione della scultura. 
Il primo Cappello, che debutta con il "Freddoloso" (1938), è un figurativo: propone un immaginario che è metafora del quotidiano.
La sua opera creativa, in seguito, si evolve verso un'astrazione concepita come forza dinamica nella quale si impone la linea curva legata nel cerchio, oppure inarcata nell'ellissi. 
Il secondo Cappello si propone, dunque, come delineatore di volumi nello spazio.
L'ambiente ed il luogo si intrecciano per la loro capacità di interagire con la fisicità della scultura, che divide ed integra lo spazio. L'attenzione alla realtà e l'interiorizzazione di essa stanno alla base del suo pensiero, mentre ai materiali utilizzati (bronzo, ferro, acciaio, ottone) affida il compito di dare assolutezza alla forma.
Carmelo Cappello, scultore siciliano e pittore dai carretti alla luna muore a Milano all’età di 84 quattro anni. 
La mostra sarà visitabile fino al prossimo 5 maggio e sarà completata da una serie di eventi collaterali dedicati alla figura di Cappello: - 
Museo del Territorio 
via Quintino Sella (Chiostro Di San Sebastiano) - Biella 
Apertura da giovedì a domenica 10 - 12.30 / 15 - 18.30 
Intero € 3,00 Ridotto € 1,50
Anna Scorsone Alessandri

"Evoluzione"

Mostra personale di Adriano Fida
Opere dal 2008 al 2013
Vernissage sabato 13 aprile 2013 dalle ore 18:00
La mostra si terrà fino al 10 maggio
L'artista sarà presente al vernissage

Collezionando Gallery
Via Monti di Creta 55
Roma

Email info@collezionandogallery.it collezionandogallery@hotmail.it
Tel. +39 06.66.24.970 Cell. +39 338.73.75.137
www.collezionandogallery.it [1]

Facebook: 
http://www.facebook.com/pages/Collezionando-Gallery/459076654142858 [2]
Twitter: http://www.twitter.com/CollezionandoGa

La tecnica è la peculiarità di Adriano Fida ma la sua maggiore evoluzione è stata nei soggetti, nella ricerca e nel significato delle sue opere.
Da molti critici è stato elogiato per i virtuosismi del suo tratto, ma con questa mostra si esalta l'ecletticità della sua pittura, lo spessore che ogni sua tela richiede all'osservatore.
Lo studio che ogni opera necessita è rappresentato e raccontato da Fida in modo eccellente.
Questo fa di Adriano non solo un artista in continua evoluzione, ma un narratore di miti e storie alcune volte dimenticati o addirittura sconosciuti.
Con ogni sua tela aggiunge un tassello nel bagaglio culturale di ogni osservatore.
Adriano Fida non è solo un artista eccellente, ma è un'anima pura, complessa, alcune volte ancestrale, ma ecisamente talentuosa e merita di essere conosciuta.
In questo percorso artistico coglierete le sue attitudini e la sua capacità di far vivere ogni opera di luce propria.

TIZIANO: PRIMO PROTAGONISTA DELL’ARTE EUROPEA IN MOSTRA A ROMA

E’ in corso a Roma la mostra di Tiziano, cittadino dell’Urbe (un onore concessogli dal papa Farnese nel 1546). 
La mostra ripercorre i tratti salienti dell’inarrestabile ascesa del grande artista italiano; dagli esordi veneziani in seno alle botteghe di Giovanni Bellini e Giorgione all’autonomia acquisita con le grandi tele per i dogi, gli Este e i Della Rovere fino ad arrivare alle committenze imperiali di Carlo V e poi del figlio Filippo II. 
Tiziano si distingue per il magistrale senso del colore e l’evoluzione di una pennellata capace di travalicare i limiti dell’immaginario pittorico. La forza motoria, l’energia del colore, diventa qualcosa di più di un ingrediente coloristico, Tiziano la trasforma, per così dire, in un fluido immateriale, in un fattore autonomo in grado di suscitare anche solo, indipendentemente dalla composizione plastico – lineare, quella partecipazione spirituale che costituisce per noi la caratteristica più importante della nuova arte.
Non ci si emoziona in Tiziano per ciò che si vede rappresentato, ma per ciò che è amalgamato dentro un colore che sembra non aver bisogno di studio perché esce dalla sua mano fluido e caldo come sangue.
La mostra in totale circa 40 dipinti, provenienti dai maggiori musei internazionali, consente di ammirare in un'unica rassegna le tappe salienti di una lunga ed inimitabile carriera, dagli esordi veneziani alle grandi tele, appunto, per i dogi fino alle committenze imperiali di Carlo V e Filippo II d’Asburgo in Spagna. Non sono molti i quadri esposti, ma sufficienti a ricostruire il ritratto di Tiziano Vecellio, soprattutto se si considera il livello qualitativo delle opere esposte come “Il Concerto”: la tela attribuita inizialmente a Giorgione, a partire dalla fine dell’Ottocento è stata assegnata dai critici a Tiziano, che la realizzò probabilmente nel 1507-1508, “Flora degli Uffizi” raffigurante una giovane donna. La tela, riprodotta in numerose incisioni a partire dal XVI secolo, è uno dei capolavori del giovane Tiziano: Danae, dipinto mitologico, Danae, figlia del re Argo Acrisio, prigioniera in una torre di bronzo, viene sedotta da Giove trasformatosi in una pioggia d’oro. Riproducendo la metamorfosi terrena del padre degli dei, Tiziano realizza questo quadro stendendo il colore sulla tela con pennellate morbide e sfatte, con una tecnica che esclude il disegno preparatorio. E poi La Pala Gozzi di Ancona, Carlo V con il cane; l’Autoritratto del Prado, questo dipinto costituisce uno dei due autoritratti del Tiziano indubbiamente autografi. Alcuni studiosi datano questo ritratto intorno al 1550, per il suo aspetto ancora vigoroso. Il percorso continua col quadro della Punizione di Marsia, ed inoltre un autoritratto che raffigura l’ottantenne pittore serio e quasi malinconico. Il volto lascia intuire un rovello esistenziale: “a che mi serve la mia fama se la vita mi sfugge”. 
Sono alcune delle opere più conosciute di Tiziano che sono esposte alle Scuderie del Quirinale. Aperta fino al 16 giugno e organizzata da Giovanni C.F. Villa, che riporta a Roma, dopo oltre quattro secoli, Tiziano e i suoi capolavori, riportando alla memoria quella cittadinanza onoraria di cui con lungimiranza egli era stato insignito in Campidoglio da papa Farnese.
Elisabetta Rasy scrive per il catalogo della mostra di Tiziano (edito da Silvana), “l’orgoglio di un uomo che si è fatto da sé (non era figlio d’arte) e ha saputo imporre nell’Europa del suo tempo un marchio di fabbrica, un brand come dicono oggi gli esperti del marketing”.
Una mostra concepita per concludere idealmente l’ampio progetto di rilettura della pittura veneziana e di riflessione sul ruolo cardine che essa ha avuto nel rinnovamento della cultura italiana ed europea.
Tiziano Vecellio nato a Pieve di Cadore tra il 1477 e il 1480 circa (data non certa) appartiene ad una famiglia nota e agiata, muore a Venezia il 27 agosto del 1576 di peste che un mese prima aveva portato via anche il figlio Orazio. Un provvedimento speciale gli risparmiò la fossa comune ma, date le circostanze, il pittore fu sepolto con una cerimonia frettolosa.
In seguito bastarono cinque anni al figlio Pomponio per dilagare tutto il patrimonio del pittore più ricco della storia.
Tiziano non lasciò dopo di sé una bottega né una scuola: egli preferiva avvalersi di collaboratori che non avessero uno stile personale. Tuttavia la sua lezione e i suoi colori hanno attraversato cinque secoli, perché anche noi possiamo rivivere quell’emozione, quell’equilibrio di senso e di intellettualismo umanistico, di civiltà e di natura, in cui consiste il fondamento perenne dell’arte di Tiziano.
Una mostra ideata, grazie al sostegno e ai prestiti delle massime istituzioni museali italiane e straniere, per far comprendere al grande pubblico l’eccezionalità di un artista come Tiziano 
Il catalogo scientifico è edito da Silvana Editoriale con i contributi di alcuni fra gli studiosi più riconosciuti del grande maestro veneto.

Scuderie del Quirinale
Via XXIV Maggio 16, Roma.
Orario: da domenica a giovedì dalle 10.00 alle 20.00, venerdì e sabato dalle 10.00 alle 22.30.
L’ingresso è consentito fino a un’ora prima della chiusura.
Biglietto intero € 12.00, ridotto € 9,50
Biglietto integrato Scuderia del Quirinale + Palazzo delle Esposizioni
Intero € 20.00 ridotto € 16.00 – scuole € 6.00. fino al 16 giugno 2013
Anna Scorsone Alessandri

A Villa Baragiola sarà inaugurata “Tracce”, 
mostra personale della pittrice Michela Banfi

Sarà inaugurata sabato 11 maggio, alle 18.00, presso lo spazio espositivo temporaneo di Villa Baragiola, la personale di Michela Banfi, artista impegnata da diversi anni in una ricerca tesa a indagare le proprietà espressive della figura umana, simbolo ed emblema di una condizione universale.
Profondamente e intimamente legata alla tradizione pittorica italiana, Michela Banfi ha maturato uno stile personale capace di mettere in relazione elementi classici e dettagli di estrema modernità, ricreando atmosfere metafisiche in cui reale e irreale si fondono e si confondono. 
Muovendosi su più piani di lettura, l'artista invita l'osservatore a calarsi in una dimensione definita da coordinate spaziali e temporali che appartengono al mondo del fantastico e del meraviglioso: luminosi spazi bianchi opalescenti accolgono, come una scena teatrale, personaggi che sembrano provenire da un passato remoto, come se affiorassero alla coscienza da un sogno o da un ricordo. Un graduale disvelamento di pensieri, sensazioni e pulsioni mai sopite che ritrovano vivacità nei colori caldi e sgargianti, nelle pennellate rapide e corpose, nelle graffiature che incidono il gesso ancora fresco lasciando trasparire la materia sottostante. 
Un cromatismo acceso e un sapiente accostamento di tecniche pittoriche differenti rappresentano la cifra stilistica di un percorso giunto ad una consapevole maturità, un cammino mosso dalla volontà di cogliere la vera essenza delle cose valicando i confini della realtà sensibile per approdare ai significati e ai valori più profondi dell'esistenza.
Gli affetti, i legami con gli ambienti familiari e le esperienze che conducono l'individuo verso la maturità sono infatti i temi privilegiati dall'autrice, che spesso ricerca metafore esemplificative nel repertorio fiabesco della tradizione popolare. L'interesse per la letteratura per ragazzi e per la rappresentazione simbolica nei disegni infantili deriva dalla sua esperienza di insegnante nella scuola primaria ma anche, probabilmente, dalla condizione personale di donna e di madre. L'artista racconta con piacere di aver iniziato ad inserire nei dipinti i personaggi stilizzati alla maniera dei bambini prendendo spunto dai disegni dei propri figli; disegni conservati con cura nel corso degli anni e poi rielaborati in chiave artistica, aggiungendo un interessante elemento autobiografico allo svolgimento del racconto pittorico. 
La mostra presentata a Villa Baragiola intende valorizzare un'artista varesina che si è distinta per originalità creativa, studio metodico e costanza, offrendo ai visitatori un taglio specifico della produzione più recente dela pittrice. “Tracce” è infatti una selezione di quelle opere che maggiormente affrontano il delicato tema dell'identificazione dell'Io attraverso le esperienze che hanno portato alla sua definizione. In queste tele, passato e presente, reale e immaginario, oggettività e soggettività, si rispecchiano l'un l'altro completandosi a vicenda, esortando chi osserva a partecipare attivamente alla definizione del senso compiuto del messaggio racchiuso nei tanti riferimenti simbolici. Un invito, rivolto dall'autrice con grazia e delicatezza, ad abbandonarsi al piacere di contemplare scene di grande armonia, figure femminili che si muovono soavi e leggere, teneri ritratti di bambini sognanti e interni domestici animati da curiosi e accattivanti personaggi di fantasia.
Opere che rivelano un desiderio profondo di comunicare sensazioni piacevoli e rassicuranti, di riportare la mente alla spensieratezza dell'infanzia, alla fascinazione sensuale o all'incanto di certi attimi di vita gelosamente custoditi nel ricordo. Le composizioni irradiano una gioia che è altro dal disimpegno; rivelano la volontà di affermare con forza uno stato d'animo che l'uomo contemporaneo rincorre affannosamente ma che difficilmente riesce a trattenere: la capacità di cogliere non solo la bellezza della vita ma anche la sua ciclicità, una consapevolezza necessaria per poter guardare al proprio futuro con serenità e ottimismo. 

MICHELA BANFI è nata e vive a Saronno (VA). 
Dopo anni di insegnamento nella scuola primaria si dedica esclusivamente alla pittura, arte per la quale ha sempre avuto grande interesse fin da bambina. Nel 2004 entra a far parte stabilmente del laboratorio “FARE ARTE” di Caronno Pertusella, il cui direttore artistico è il maestro Vanni Saltarelli. 
Filo conduttore della sua pittura è la figura umana come simbolo esistenziale e sociale, una continua ricerca all’interno della “dimensione uomo”.
Ha partecipato a concorsi, mostre collettive e personali, ottenendo numerosi riconoscimenti e consensi di pubblico.
Sito personale:
www.michelabanfi.it

“TRACCE” - Mostra personale di Michela Banfi
11 - 26 maggio 2013
a cura di Emanuela Rindi
con la collaborazione del Comune di Varese

INAUGURAZIONE: SABATO 11 MAGGIO, ore 18.00
Spazio espositivo temporaneo di Villa Baragiola
Via Caracciolo, 46 – 21100 VARESE
ORARI
Venerdì 10.30 – 12:30
Sabato 15:30 – 18:30
Domenica 10.30 – 12:30; 15:30 – 18:30
Gli altri giorni su appuntamento (info@rindiart.it | Tel. 338 719 66 66).
INGRESSO LIBERO

Ufficio Stampa: Rindi Art | info@rindiart.it

Ketty Tamburello
I giorni delle acque - Galleria Villa Niscemi, Palermo

Sarà inaugurata sabato 27 aprile 2013 alle ore 18.00 a Palermo presso la Galleria di Villa Niscemi, Piazza dei Quartieri n.2 la mostra personale dell’artista Ketty Tamburello dal titolo: “I giorni delle acque” organizzata e curata dall’Associazione Culturale Ricercarte e il patrocinio del Comune di Palermo. 

Comunicato stampa: 
I giorni delle acque

Come dalle acque emergono figure che paiono richiamare tempi lontani quelli presumibilmente del medioevo. Rinascono come memoria nostalgica dell’artista. Si muovono entro le acque dell’inconscio a volte con virtuosismi di linee avvolgenti e cariche di un dinamismo che si evidenzia come atto spontaneo e a volte si presenta con raffigurazioni arabeggianti. L’acqua ha memoria e come muove per brezza o per lieve corrente così essa porta in luce come involucro similmente a un bozzolo da cui nasce farfalla - porta in luce ripeto, quel mondo temperato di razionalità e emozioni dell’artista che sagacemente cerca il suo volto più esauriente in una forma, in un volume o in macchie che hanno una continuità senza interruzioni, quasi parafrasando una poesia, una cantilena. Il segno a volte pare accennare ad una narrazione che non ha risvolto e scende scivolando senza ritorno sui tetti delle case, sulle strade di questo o quel ricordo. Dietro l’apparente spontaneità del segno si intravede la semantica di un processo interiore che pare celare un chiaro intendimento euristico. Forse questo l’accenno dell’artista che si dichiara teatrante o commediante persuasivo e celebrativo e che dispiega la sua anima in interrogativi incessanti sul senso del suo fare e della vita. I giorni sono tanti quanto il numero dei disegni presentati alla mostra. Sono i giorni in cui ogni cosa è fatta. C’è lo svolgimento di un fatto, di un momento e le figure albergano in città con genti diverse venuti ora a dichiararsi, celato motivo di esserci. Le figure si cullano nello sguardo dello spettatore che sia l’autore o che sia uno spirito che li muove, che li celebra o ancora gli sconosciuti che vedono e si domandano di essi. E’ lo spirito del giorno. Il giorno carico di imprevisti, di incontri, di dire e fare. Le figure che siano definite o appena accennate o che siano amorfe sono lì nel gioco sincero di appellarsi a un quid che ha radice nell’umano che si rigenera nella spettacolarizzazione, nell’arte, nel tempo che dona e si appropria del principio ineluttabile dell’esistenza. 
Quattro dipinti ad olio che fanno d’apertura alla mostra, si presentano quasi come colonne dinnanzi ad una porta, che essi siano visibili e non. Portano l’impercettibile invito a giocare nella stanza del tempo.

La mostra sarà visitabile dal 27 aprile al 2 maggio 2013 – Galleria Villa Niscemi, Piazza dei Quartieri n. 2 Palermo dalle 9.30 - 13.00 – 16.30 – 19.30 

HERMANN HESSE IN VISITA A BELLAGIO

Mostra di acquarelli di Hermann Hesse

Ideata da Artouverture di Carlo Galli e Rita Calenda

Organizzata dal comune di Bellagio

Curata da Gregorio Rossi e Valentina Campatelli

Torre delle Arti Bellagio

Dal 30 Aprile al 2 Giugno 2013

L’esposizione è composta da 35 acquarelli facenti parte dell’eredità che Hermann Hesse lasciò al figlio Heiner, a sua volta da lui oggetto di lascito alla figlia Eva. 

Le opere che compongono la mostra sono quelle che furono conservate in casa dello scrittore ed in seguito della famiglia, proprio perché le più intime e personali. 

La Signora Eva Hesse le ha messe a disposizione insieme a documenti ed oggetti del nonno perché siano elemento per mostre e mezzo di divulgazione dell’attività pittorica del Premio Nobel; ha affidato il tutto al suo fiduciario Piero Sorresina, destinando la cura degli eventi a Gregorio Rossi e Valentina Campatelli.

La mostra a Bellagio ha tra i suoi presupposti quello dell’amore che Hermann Hesse aveva sempre manifestato per l’Italia, per i paesaggi lacustri ed in questo caso particolare per il Lago di Como, come documentato da una sua poesia dedicata a questo lago e dal racconto che la nipote ci ha narrato a proposito dei commenti del nonno anche su Bellagio. 

Nel 1904 Hermann Hesse sposa Maria Bernoulli, una fotografa con la quale andò a vivere nei pressi del Lago di Costanza per trovarsi più a contatto con la natura, per dedicarsi alla scrittura, alla musica ed alla fotografia. 

Per tutto l'anno 1917 si sottopone ad una novantina di sedute presso il Dottor Lang, allievo del famoso psicanalista Carl Gustav Yung, nell'intento di riprendersi da una brutta situazione depressiva. La conoscenza delle teorie di Yung, che aveva elaborato una propria visione dell'inconscio autonoma da quella di Freud, influenza tanto il genere letterario quanto la pittura di Hesse, il quale la intende come un mezzo terapeutico.

Nel 1919 si trasferisce a Montagnola, quindi praticamente sul Lago di Lugano e qui si dedica in modo particolare all’attività pittorica. 

Vediamo che è attratto in maniera forte anche dagli ambienti circostanti ai laghi, non ultimo quello di Como.

Per Hesse l'arte è il compimento della soddisfazione interiore, un ritorno a qualcosa di tangibile, legato ad un'intuizione, ma unico per ogni individuo. Inviò una cartella con il titolo Undici acquarelli dal Ticino a Romain Rolland; il drammaturgo francese, che già era rimasto entusiasta di suoi quadretti, gli scrisse “sono rimasto incantato dal suo album di acquarelli. Sono saporiti come frutti e sorridenti come fiori. Riempono il cuore di gioia. Li amo molto.”

Hesse aveva iniziato a dipingere verso la fine della Prima Guerra Mondiale. Durante una visita a Montagnola il pittore parigino Jean Lurcat consiglia ad Hesse di esporre i suoi acquarelli. L'anno seguente l'autore scrive alla National-Zeitung di Basilea ...Potrete rilevare che fra la mia pittura e la mia scrittura non ci sono discrepanze, che anche qui io vado inseguendo non la verità naturalistica, bensì quella poetica. 

I 35 acquarelli della mostra appartengono alla produzione ultima, quando ammalato di leucemia gli era sempre più difficile affrontare le lunghe camminate che lo portavano a dipingere dal vero, quindi opere di formato più piccolo e di più intensa riflessione. Un ritornare sui ricordi in maniera sentimentale, assimilabile a quando era poeta. 

Sembra infatti che gli alberi oppure le case abbiano un volto ed una propria emozione; dipinti che ci raccontano un amore per la natura e per la civiltà contadina, le case sono una vicino all’altra come fossero capannelli di persone che conversano in una piazza di paese. Hesse criticava duramente l’aggressione all’armonia della natura dovuta alla speculazione economica. Nella sua pittura è evidente che vuol tutelare il paesaggio incontaminato, rappresentando quello che è rimasto intatto. Nonostante quello che chiamava il “tramonto dell’Occidente” forse continuava a sperare in un equilibrio tra cultura e natura; voleva che i suoi quadri fossero un presagio di speranza e di gioia, un mezzo per trasmettere luce e calore nelle città e negli agglomerati urbani sempre più discutibili. 

Sul piano pratico l’iniziativa si deve alla volontà del Signor Carlo Francesco Galli che insieme alla socia Rita Calenda, tramite la loro struttura Artouverture, ha stretto un accordo con il Comune di Bellagio che ha sposato l’idea, organizzato e finanziato l’evento. Lo spazio espositivo è quello della Torre delle Arti, un’antica architettura splendidamente restaurata, ricavando all’interno delle sale dentro le quali il visitatore può trovare il miglior raccoglimento per assaporare le varie iniziative; il tutto gestito con amore e professionalità dai competenti membri di un’Associazione. 

Gregorio Rossi parlò occasionalmente di Bellagio con Eva Hesse in seguito ad una telefonata dell’amico e corrispondente Carlo Francesco Galli che lì abita; la conversazione si spostò sul Lago di Como e su quel paese chiamato “la perla del lago”. La nipote del Premio Nobel riferì allora alcuni ricordi del nonno di quando aveva visitato quei luoghi e ne era rimasto suggestionato tanto da scriverci una poesia. 

Questa informazione venne riferita a Carlo Galli che da quel momento si impegnò per far lì ritornare questo grande scrittore, non con un convegno intorno ai suoi romanzi ma proprio con un suo racconto per immagini. 

“La Torre delle Arti Bellagio” ospiterà quindi questa teoria di 35 acquarelli che convivono con pannelli didattici riportanti brani di scritti di Hermann Hesse riferiti all’arte, nonché riproduzioni ingrandite di foto storiche dello scrittore e di ambienti a lui legati, un video fornito dal Museo di Montagnola, la registrazione di un’intervista ad Hermann Hesse fornita sempre dallo stesso Museo. Alcune curiosità come per esempio uno dei suoi bastoni da passeggio, gli occhiali, un servito da the, un samovar che lo scrittore aveva acquistato in Turchia poi arrivato ad Eva Hesse e da lei donato all’amico Maurizio Lipparini che l’aveva aiutata nella gestione di un Centro Studi sul nonno durante il soggiorno di lei in Toscana, a Massa Marittima. 

I curatori Gregorio Rossi e Valentina Campatelli, in accordo con Carlo Galli e Rita Calenda, hanno progettato questo evento nell’intento di cercare di dimostrare come l’ attività pittorica di Hesse procede simile ad un racconto così come fosse uno dei suoi romanzi, tanto che in una lettera del 1924 a Georg Reinhart scrive “Non sarei giunto così lontano come scrittore senza la pittura.”

Indubbiamente una mostra riferita ad un nome così famoso ha in assoluto la sua importanza, ma il fatto che questo nome sia collegato al territorio dell’esposizione conferisce una caratteristica originale.

La complessa internazionalità della famiglia influenzò la vita di Hermann Hesse che si sentirà sempre un cittadino del mondo, proprio com’è stato e continua ad essere per la nipote Eva. Prese infatti le distanze dai molti intellettuali tedeschi che aderirono all'idea dell'uomo-eroe.

All'avvento del Nazismo prese una precisa posizione, rifiutando ogni compromesso con la cultura del regime; tanto che in Germania venne vietata la pubblicazione dei suoi scritti che riprese soltanto nel 1946, l'anno in cui gli viene conferito il Premio Nobel per la Letteratura.

Nel 1931 si sposa per la terza ed ultima volta, dedicandosi con ancora maggiore impegno alla realizzazione dei suoi acquarelli, divenendo così un rispettato pittore; bisogna ricordare che aveva dipinto alcune illustrazioni dei suoi libri.

Dopo il 1945 la sua fama diventa internazionale tanto da essere uno dei cinque scrittori più letti nel mondo.

Aveva l’abitudine di illustrare le sue lettere agli amici con piccoli dipinti, quasi fossero miniature. Molti acquarelli e disegni furono oggetto di regalo ad amici e corrispondenti. In tutta la sua vita dipinse moltissimi acquarelli, oggi distribuiti in importanti collezioni e musei, basti pensare che alcuni ne hanno grosse raccolte, una delle più numerose è quella della Cassa di Risparmio di Calw, in Svezia. Dopo il 1962 ha fatto il giro del mondo: a Tokyo nel 1976 e nel 1996, a Parigi nel 1977, a New York e a Montreal nel 1980, a San Francisco e a Chicago nel 1981, a Madrid nel 1985, a Lussemburgo nel 1987, ad Amburgo nel 1992, a Sapporo nel 1995.

Questa mostra, oltre ad essere un evento che ben si inserisce nell'attività culturale sempre promossa dal Comune di Bellagio, è anche perfettamente corrispondente all'amore che questo personaggio ha sempre avuto per i piccoli centri e per percorsi alternativi alle grandi città. 

PRESS OFFICE DANIELA LOMBARDI 339-4590927 0574-32853

GIUSTO SUCATO IN MOSTRA A MISILMERI (PA)

Domenica 5 maggio alle ore 17,00 sarà inaugurata la mostra di Giusto Sucato: “Gioca con la memoria” curata dal figlio Pablo Sucato. 
Giusto gioca con la memoria e la rielabora: realizza le sue opere manipolando oggetti in disuso che ricicla alla rinfusa in un caleidoscopio di colori e forme fanno capolino le sculture che ritraggono pesci in alluminio e quadri definiti antropologici .e poi sculture a forma di sedia dedicate a grandi artisti del passato. Più che lo studio di un artista quello di Sucato assomiglia all’officina di un fabbro: ogni giorno le sue mani tagliano, modellano e dialogano silenziosamente con la polvere del tempo.
Le straordinarie creature di Giusto Sucato paiono uscire dalla bottega di un fabbro che taglia, spezza, salda e modella.
Scriveva Claudio Alessandri in un suo testo: “Le realizzazioni di Giusto Sucato sono in perfetto equilibrio tra scultura primitiva, pittura e messaggio concettuale; un’arte che esalta le doti intellettive e manuali di questo artista che ha fagocitato esperienze del passato, rielaborandole in modo originale, non ripetitivo quindi ma interpretativo, in una espressione artistica che non prescinde dalla storia senza però cadere nella banalità del già visto. Per Sucato è fonte inesauribile di ispirazione tutto ciò che è negletto, accantonato da un consumismo sfrenato che rifiuta tutto ciò che, il giorno prima, faceva bella mostra nelle case, nei cascinali adesso diruti, per le strade, nelle vetrine sfavillanti, tali da attrarre l’attenzione di una umanità che ripone nella pubblicità fiducia assoluta; simulacro elettronico e visivo di affermazioni mendaci. Tutto ciò che è “pattume del benessere”, raccolto coscientemente da Sucato, é utile alla fantasia di questo artista straordinario; e, ogni cosa si trasforma, come per magia, in maschere tribali, in sedie (dedicatorie ai grandi della storia dell'arte, o a personaggi illustri), in scritture fantastiche che assumono un senso logico nell’insieme creativo: l’oro sfavilla a riscattare il nero pauroso del supporto scavato dal tempo o morso dal fuoco che consuma e purifica, distruggendo i gravami che appesantiscono il corpo e l’anima di uomini già schiacciati dall’algida logica di un modernismo mendace. Il mondo artistico di Sucato attrae per l'imprevedibilità dell’oggetto finito, frutto di assemblaggi di materiali i più disparati che, ad una normale osservazione, appaiono oggetti banali, non sollecitanti alcuna curiosità; pezzi di ferro informi, molle che un giorno lontano appartenevano ad una lucente e rombante automobile, pezzi di legno anonimi o irritanti quali ostacoli ad un agevole cammino, lamiere incrostate di ruggine, chiodi, forse gli unici a suggerire attualità d’uso, fregi lignei o metallici, ultimi sussulti di strutture ormai scacciate da una nobiltà ignorata da una realtà che rifiuta reminiscenze romantiche, irritanti testimonianze di un mondo chiuso nell’ampolla di una clessidra, dimenticata e mai più capovolta.” 
Giusto Sucato nasce a Palermo nel 1951, autodidatta le sue opere si ispirano al grande artista spagnolo Pablo Picasso (suo punto di riferimento) già collaboratore attivo e ideatore, insieme a Francesco Carbone , del Centro Studi Ricerca e Documentazione “Godranopoli”, vive ed opera a Misilmeri. Sin dai primi anni Settanta espone in mostre personali e collettive ed in rassegne d’arte di carattere nazionale ed internazionale. E’ inoltre presente alle più importanti manifestazioni d’arte che privilegiano il libro oggetto come espressione visiva. Sucato non si ferma mai la sua ricerca piuttosto difficile condotta sempre all’interno della sua provincia , in una realtà difficile per chi come lui lavora senza mai chiedere nulla alle istituzioni.
La sua ultima produzione sarà esposta dal 5 maggio a Misilmeri nel nuovo spazio in corso IV aprile, 86, in quella che era la sua bottega. 
Anna Scorsone Alessandri

ERNESTO TRECCANI : LA MATERIA E LA LUCE.
La materia e la luce, è il titolo della mostra dedicata a un particolare aspetto della produzione artistica di Treccani. La mostra vede l'esposizione di sculture in maiolica decorata, piatti dipinti, vetri e smalti realizzati tra i primi anni cinquanta e la metà degli anni duemila. In particolare 11 piatti in vetro, 35 opere in ceramica: piatti, sculture e vasi; 19 smalti, una decina di tele di collezione privata, 179 opere grafiche e 5 smalti della collezione Studio Treccani. Corredano la mostra cataloghi, materiali d'archivio, corrispondenza provenienti dall'Archivio Treccani. La mostra intende approfondire questa produzione, mettendo in luce i legami tra le opere in mostra e la produzione pittorica e figurativa, insieme alla documentazione di progetti a largo respiro come le grandi vetrate, Energia e luce e la facciata della Casa delle rondini. Questi lavori non costituiscono qualcosa di marginale rispetto alla pittura, ma sono parte integrante della sua ricerca artistica, non soltanto per la continuità dei soggetti rappresentati: paesaggi, volti, figure, siepi e i cieli dei suoi quadri, e nemmeno soltanto per la continuità del modo di lavorare di Treccani, di intendere il suo mestiere di pittore, sempre agli incontri con le persone e ai luoghi. In questo tipo di produzione si evidenziano in particolare due componenti: la materia e la luce. "Il mio problema - ha scritto infatti una volta, ma è una questione su cui è tornato a più riprese - è la distruzione del colore e la creazione della luce. Quello che conta è la luce della composizione che risulta dai rapporti del colore. Ma la creazione della luce nella composizione incontra, nel fare artistico, la limitazione dei materiali da cui la stessa invenzione creativa può nascere: "L'artista scrive ancora il pittore - è un uomo che si conquista un mestiere. Qualsiasi soluzione per realizzare i sogni di un'artista dipende dai mezzi impiegati. I materiali hanno una straordinaria importanza nell'espressione, essi accompagnano il lungo cammino che porta all'immagine. In una certa misura essi determinano il risultato prima del loro impiego. La proposta creativa è legata alla scelta dei mezzi, i colori acrilici invece dell'olio, la tela piuttosto che il muro o altro supporto rappresentano un vincolo necessario all'immagine. E' un errore contrastare il valore dei mezzi. Può sembrare un paradosso eppure solo facendo proprie fino in fondo le ragioni dei materiali e accettando i condizionamenti del procedimento, si libera la sostanza dell'invenzione artistica che è di natura soggettiva". Questa piccola ma intensa rassegna, nell'accostare opere di materia tanto diversa, vetro, smalto, ceramica ma anche qualche tela, ognuna delle quali richiede procedimenti particolari ed ha, nelle tonalità della luce, una resa differente, mostra come l'artista abbia saputo far proprie fino in fondo le ragioni dei materiali e, accettando i condizionamenti del procedimento, sia riuscito a liberare la sostanza della sua invenzione.
Ernesto Treccani nasce a Milano il 26 agosto del 1920 fin da giovanissimo "respirò" nell'ambiente familiare una determinante atmosfera di grande cultura, suo padre fu il fondatore della celeberrima enciclopedia, ancora giovanissimo, mentre era impegnato negli studi universitari di ingegneria, sentì il richiamo prepotente per la pittura avvertendo in questa espressione artistica il modo più confacente per estrinsecare i suoi più intimi sentimenti che si propagavano al campo politico, logica conseguenza, entra a far parte dei gruppi progressisti del mondo artistico che non temevano di esprimere il loro dissenso nei confronti della "preconfezionata" cultura fascista. Fondatore e direttore della rivista "Corrente", poté esprimere, pubblicamente le sue idee, anche se non gradite al regime fascista imperante. La sua prima esposizione venne ospitata dalla "Bottega di Corrente" insieme ad artisti che, nel tempo, divennero delle icone della pittura italiana e mondiale, Birolli, Guttuso, Migneco e Sassu, solo per citarne alcuni, sempre la stessa "Bottega" ospitò nel 1943 sue opere nell'ambito di una collettiva che vide esporre Cassinari e Morlortti. Treccani era l'artista che non si cullava sugli allori, continuò a sperimentare, quasi a volere esorcizzare l'immobilità che l'età e la malattia, lo relegarono su una poltrona, una limitazione dinamica che non rappresentò un ostacolo insormontabile al suo modo di operare abituale anzi costituì uno stimolo mnemonico per la sua mente vivissima, visioni osservate e riposte nello "scrigno del bello", un tesoro accumulato negli anni, i suoi colori sempre vivi come un tempo, per nulla diluiti nell'avanzare degli anni che fiaccano le membra, ma non riusciranno mai ad ottenebrare la genialità artistica di un Maestro come Ernesto Treccani. Muore a Milano 27 novembre del 2009.
Catalogo La materia e la luce. Vetri, ceramiche e smalti di Ernesto Treccani. Testi di Maddalena Muzio Treccani, Giorgio Seveso, Silvio Riolfo. Edizioni Scalpendi
La mostra aperta fino al 21 giugno 2013 è stata allestita nelle sale espositive della Casa delle Rondini, che prende il nome della facciata in ceramica policroma realizzata da Ernesto Treccani nel 1985 in Via Carlo Porta n. 5 - Milano - Orari: martedì, mercoledì e giovedì 9.12,30 / 15-18,30. Venerdì 15-18,30. Ingresso libero. 
Anna Scorsone Alessandri 

Varese scopre la pittura dell'artista Elisabetta Trevisan,
con la sua mostra personale “Di tempo in tempo” 

Sarà inaugurata sabato 8 giugno alle 18:30, presso le Sale Nicolini, la prima esposizione varesina della pittrice veneta Elisabetta Trevisan; un'artista già affermata nel panorama italiano, e non solo, ma forse ancora poco nota nella nostra Provincia.
Il Comune di Varese ha messo a disposizione della pittrice le storiche sale del centro cittadino in modo da poter offrire ai visitatori un'ampia ed esaustiva antologia del suo percorso, volto ad indagare la Realtà per poi tradurne le forme e le sembianze in una dimensione metafisica, intima e mentale.
La poetica di Elisabetta Trevisan si concentra principalmente sulla visione del quotidiano che sconfina con l'altrove: attimi di un racconto che non è più e non è ancora, sospeso in un tempo dilatato eppure riconducibile, per la luce e i colori, ad una determinata stagione o ad una certa ora del giorno. Il lento trascorrere del tempo, colto nella sua ciclicità, trasmette un profondo senso di comunione con la natura, una predisposizione d'animo serena nei confronti dell'esistenza e delle sue mutevoli manifestazioni. Il gusto per i dettagli, la cura amorevole per il particolare e la raffinatezza tecnica che sfiora il virtuosismo rivelano un'attenzione vivace e curiosa per il mondo circostante ma anche il desiderio di immergersi nella propria realtà -e nell'opera in divenire- in silenzio e in solitudine, condizione mentale fondamentale per interiorizzare i segni del reale e rielaborarli in una propria, personalissima, visione. 
I soggetti privilegiati delle sue composizioni sono paesaggi, interni di giardini, still life e giovani donne dai tratti ora alteri, ora più soavi, che incarnano una femminilità consapevole e aggraziata, lontana dagli stereotipi dei nostri giorni. I loro volti appaiono assorti in pensieri indecifrabili, ed è proprio il loro mistero a renderle così seducenti ai nostri occhi. Calate in scene di intimità domestica o nelle vesti di celebri eroine epiche e letterarie, sanno condurci in un mondo in bilico tra reale e irreale, pervaso da un'atmosfera magica e preziosa, delicata ma immediata; un mondo di colori tersi e brillanti, di luci calde e avvolgenti, di riferimenti simbolici insoliti e curiosi che stimolano la nostra fantasia e ci invitano ad accostarci ai segreti della vita. Un mondo incantato, ideale e onirico ma verosimile, quanto quei sogni piacevoli da cui non vorremmo più svegliarci.

ELISABETTA TREVISAN è nata a Merano, vive e lavora a Treviso. 
Si dedica da sempre alla pittura a tempera e tecniche miste (pastelli, acquarelli) su pannelli di mdf. Non dimentica le arti applicate alla ceramica, vetro, legno, tessuti, superfici intonacate nonché trompe l’oeil e cartapesta. 
Ha realizzato come illustratrice un mazzo di 78 tarocchi da collezione per “Lo Scarabeo” ed. d'arte - Torino; un libro sul Parco Naturale del Sile per la Provincia di Treviso; le scenografie di un film d’animazione per la TV con il gruppo teatrale “Gli Alcuni”. Ha collaborato con la rivista “Pagine di Ecologia” della Provincia Autonoma di Bolzano.
Ha esposto le sue opere presso gallerie e fiere d’arte a Este, Ferrara, Grosseto, Merano, Padova, Pordenone, Salsomaggiore, Treviso, Trieste, Torino, Venezia ed all’estero a Monaco di Baviera, Strasburgo, Marsiglia, Norcross (GA – USA).
Sito personale: 
http://www.equilibriarte.net/site/elisabettatrevisan

“Di tempo in tempo” - Mostra personale di Elisabetta Trevisan
8 - 23 giugno 2013
a cura di Emanuela Rindi
con la collaborazione del Comune di Varese

INAUGURAZIONE: SABATO 8 GIUGNO, ore 18.30
Sale Nicolini
Via Sandro Nicolini, 2 – 21100 VARESE
ORARI
Venerdì, Sabato e Domenica 15:30 – 18:30
Gli altri giorni su appuntamento (info@rindiart.it | Tel. 338 719 66 66).
INGRESSO LIBERO

Ufficio Stampa: Rindi Art | info@rindiart.it

ANDREA ATTARDI, BREVIARIO SICILIANO - SPAZIO DUCROT, ROMA
È in corso presso lo spazio Ducrot di Roma, la mostra personale del fotografo Andrea Attardi ispirata al mondo dei viaggi, dal titolo Breviario Siciliano. 
La mostra realizzata in collaborazione con s.t. foto libreria galleria, propone una selezione di scatti in bianco e nero prodotti fra il 1984 e il 2009 e confluiti in parte nel volume omonimo, edito da Postcart nel 2012. Il bianco e nero è considerato dai più, adatto a mettere alla prova un fotografo che si dedica all’immagine artistica, una specie di laurea che nobilita, nel risultato positivo, o boccia senza appello il neofita pretenzioso. Ed è proprio da questa soluzione tecnica che sboccia il “genio creativo” di Andrea Attardi. Per molte delle immagini, egli ha aspettato che la luce avesse una sua sostanza particolare che, incontrando certi oggetti, diventasse forma. Ed ecco i cieli-caleidoscopio disegnati dalle nuvole e dai riflessi del mare; e ancora la simbologia di un’oggettistica a prima vista banale, come il ricamo di una tenda in controluce. Immagini atipiche e atemporali, difficilmente collocabili in una fotografia di cronaca da reportage o di avanguardia concettuale, eppur venate da una sorta di enigma metafisico che soltanto la cattura di un istante decisivo e irripetibile può donare. L’obiettivo di Andrea Attardi ha indagato, durante l’arco di venticinque anni con animo poetico alla realizzazione di immagini ritenute dall’artista, più coinvolgenti, composte da sensazioni, momenti pregnanti della vita fissati in un “battito del diaframma”. L’artista attraverso un obiettivo fotografico, prolungamento del suo occhio, quasi inconsciamente, seleziona immagini: altro non sono che estensioni della sua sensibilità affinata da naturale visione lirica da un mondo che lo circonda, immergendolo in un’atmosfera tra realtà e sogno. 
La mostra che ci propone l’artista, è contrassegnata da una serie di visioni ricorrenti: mezzi di locomozione desueti o marginali (calessi, biciclette, slittini su ruote, vecchie automobili), piazze e strade semi-deserte, oggetti fluttuanti o dimenticati. Diego Mormorio, storico della fotografia, presentando una precedente mostra dedicata alla Sicilia ha scritto: “Come di addice ai veri fotografi, Andrea Attardi si muove come un raccoglitore di ombre – di voci originate nel farsi e disfarsi della luce: dell’impalpabile e della meraviglia originata dall’incontro della grandezza ribollente del sole con l’impercettibile piccolezza di particelle di silicio e carbone che formano lo strato atmosferico che avvolge il nostro pianeta. La bellezza della fotografia – e di tutta la nostra esperienza di umani – risiede infatti esattamente qui: nell’intreccio inestricabile di immensità e piccolezza, tanto che possiamo dire che non ci sono cose irrisorie, ma soltanto realtà sostanziali. Che niente di ciò che ci circonda ha poco valore. Ci sono semmai cose che ci toccano di più – che ci sentiamo più intime. Fra esse i paesaggi in cui siamo cresciuti.”… 
Queste sue fotografie, risultano di una essenzialità straordinaria e di una capacità evocativa davvero rara, di una leggerezza che diventa balletto. In occasione dell’inaugurazione della mostra l’artista, insieme a Diego Mormorio e all’editore Claudio Corrivetti ha presentato il libro Breviario siciliano.
Andrea Attardi nasce a Roma nel 1957: insegna Fotografia all’Accademia di Belle Arti di Roma e Storia della fotografia del XX secolo presso Officine Fotografiche. Ha tenuto mostre personali oltre che in Italia anche all’estero. È autore delle immagini dei volumi: Ugo Attardi, le sculture; Sul palcoscenico di Minerva; Giornale di bordo; Indie; Paesaggi siciliani; Vetri, porti, una corsa per Palermo e dintorni. Nel 2003 ha pubblicato un saggio Buenos Aires ora zero (sulla vita e la storia più recente della capitale Argentina.
Breviario siciliano, fotografie di Andrea Attardi, Testi di Diego Mormorio, e Sergio Troisi. – Spazio Ducrot, Via d’Ascanio, 8/9, Roma, ingresso libero. Tutti giorni fino al 7 settembre 2013.
Anna Scorsone Alessandri

A PALERMO VA IN SCENA UNA MOSTRA DEDICATA A MICHELE CATTI.

A quasi 100 anni dalla scomparsa di Michele Catti (1855-1914), la Fondazione Sant'Elia, con il patrocinio della Provincia Regionale di Palermo e del Consorzio Universitario della provincia di Palermo, in collaborazione con la de Arte Service e Management, rendono omaggio a questo illustre artista con la mostra “Michele Catti 1855-1914”: allestita nella sua città, nel piano nobile di palazzo Sant’Elia con una esposizione di oltre 130 opere provenienti in massima parte da collezioni private, ma anche da istituzioni quali la Galleria d’Arte Moderna di Palermo, la Fondazione Sicilia, l’Assemblea Regionale Siciliana, la Banca Nuova e il Circolo Artistico., un museo nascosto che diventa visibile. 
Michele Catti occupa una posizione anomala, per il suo sentire intriso di struggente malinconia che giunge a divenire angoscia del vivere. Interpreta la sua città in modo singolare, con visioni autunnali rendendoli più simili alle capitali nordiche che a città mediterranee; anche i paesaggi siciliani vestono la luce dei mesi autunnali ben diversi dalla solarità isolana. 
Artista sensibile e raffinato, Michele Catti sembrava avvertire la dicotomia nella quale si dibatteva la società dell’epoca, avvertiva quasi un presagio, il senso del declino di una cultura e di un’epoca, la coscienza di trovarsi alla fine di un ciclo. L’agire della grande imprenditoria locale, stigmatizzata nella parabola dei Florio la cui fortuna era destinata a dissolversi in breve tempo, così come anche la città che si era espansa a dismisura al di là delle sue mura, la città stessa era stata teatro del mutare dei tempi. Nel giro di cinquat’anni erano stati costruiti due grandi teatri, la Palermo dei quartieri nuovi che si arricchiva delle costruzioni liberty che facevano bella mostra di sé. Ma bastava spostarsi a pochi centinaia di metri dallo sfarzo e dallo sfavillio dei palazzi nobiliari per assistere ad una Palermo vecchia con case fatiscenti in una condizione di degrado che non trovava eguali nel resto d’Europa. Nella poetica di Catti affiora come un presagio, una sorta di pessimistica realtà, scandita dai ritmi lenti della narrazione che segnano lo scorrere del ricordo. 
I colori solari, cromie calde ed avvolgenti della natura siciliana cedono il passo ad ampie velature di grigio che offuscano la visione e formano fra gli alberi una sottile nebbiolina. Personaggi muti riconoscibili nei raffinati abiti di fattura parigina come all’epoca usavano uomini e donne della ricca borghesia. Una tela raffigura Via Libertà dove rigogliosi aranceti hanno via, via, ceduto il passo alle dimore della ricca borghesia. È la scena di Michele Catti in “Ultime foglie”, dove uno scorcio di paesaggio urbano appare in un’atmosfera alquanto inconsueta, avvolta in una luce autunnale, carico di malinconia: le foglie giallo dorato si accumulano mestamente sul selciato bagnato, mentre una piccola folla è intenta alla quotidiana passeggiata nel famoso centro cittadino.
Ogni azione è descritta nei suoi tratti essenziali. Analoga atmosfera si ritrova in “Autunno”, dipinto presentato nel 1896; una figura femminile, appena abbozzata, ricoperta da uno scialle colorato, unica presenza di vita nell’interno di quel paesaggio, l’opera è riconducibile al tema “Vento e nebbia” ma lo scenario è mutato: non più il paesaggio di monti e di case bensì le dissolvenze della vegetazione lungo il fiume che scorre con andamento obliquo. In tutte le opere di Catti si trovano queste atmosfere autunnali e invernali molto diverse dalla solarità isolana. Egli amava dipingere nella quiete del suo studio, per rielaborare, attraverso le sue emozioni le immagini e le sensazioni che la natura gli suscitava. La malinconia è il tema dominante, la sua arte se pur corposa e culturalmente complessa, non si accosta alla realtà, se non attraverso un tipo di mediazione psicologica che ne scolorisce i toni e ne appiattisce la crudezza. 
Una delle sue ultime opere è “Due novembre”: l’opera si colloca nell’ultimo tempo della pittura della vita dell’artista che si esprime in un dolore non gridato ma malinconicamente sofferto e nell’accettazione di una fine ormai prossima. L’oscuro addensarsi dei colori, la cadenza delle ombre compatte che si sviluppa in parallelo con gli alti cipressi scuri sullo sfondo impediscono la visione del paesaggio al di là della balaustra e fanno un tutt’uno con le nere figurine indistinte che si agitano come ombre sulla scena e che ne sottolineano gli ultimi anni di vita vissuta in travagliata solitudine. 
Su tutta la sua pittura domina una natura pietosa che stende un velo di coltri grigie sul dolore degli uomini e si scioglie su una pioggia leggera. È l’estremo epilogo di una ricerca pittorica che partendo dal dato realistico, lo rielabora attraverso una visione emozionata delle cose per cui la realtà non è più punto di riferimento. La sua pittura non sarà mai imitazione della realtà ma proiezione di uno stato d’animo che si nutre del ricordo. Catti è da leggere nella sua unicità: indifferente alle tendenze dominanti affermò sempre se stesso con il suo lirismo e la sua vena poetica; ecco perché è impossibile rintracciare nella sua produzione l’appartenenza a una scuola o a uno stile. La sua stagione più feconda si svolge fra il 1890 e il 1910, cinque delle sue opere vennero acquistate dalla Casa Reale ed il dipinto “Primavera” dal ministro Coldracchi.
I suoi successi espositivi trovano successo negli ambienti aristocratici. Ma Catti non condividerà fino in fondo i fasti e l’opulenza della società borghese e aristocratica della quale pure fa parte. Dalla sua città egli coglie altri aspetti e altri umori, di solitudine, di disagio, di modernità come crisi. Provato da lutti e ristrettezze vende i piccoli lavori a poco prezzo tenendo per sé le opere più impegnative per poi separarsene sempre con dolore. Gli ultimi quadri sono presagio di morte che avviene a Palermo il 4 luglio del 1914. 

La mostra a cura di Maria Antonietta Spadaro sarà visitabile fino al 25 agosto dal martedì al sabato dalle ore 9,00 alle 13,00 e dalle 16,00 alle 19,30 compresi domenica e festivi. Chiuso il lunedì. Ingresso € 5.00 intero; € 4.00 ridotto – ragazzi fino a 12 anni gratuito.. Fondazione Sant’Elia, tel. 0916628289, Via Maqueda, 81 – Palermo. 

Anna Scorsone Alessandri

COMUNICATO STAMPA – MANIFESTAZIONE DAL TITOLO: AZIONE INSTALLAZIONE.
Nella splendida cittadina di Partanna (TP) si svolgerà una manifestazione dal titolo “Azione – Installazione” ideata dall’Ass.ne Culturale RicercArte con la collaborazione dell’Ass.ne culturale AttivaMente di Partanna (TP). 
“Partanna con l’idioma BARTHAMNAH, è un agglomerarto di case che si sviluppa attorno alla odierna fontana Settecentesca, zona ricca di acqua. Il territorio è cosparso di castelli berberi e di alcuni vi sono ancora tracce. Nella seconda metà del 1200 l’abitato comincia ad espandersi verso il crinale della collina ed una torre inclusa in un sistema difensivo di mura, viene scelta dai Grifeo come primo nucleo per costruire il Castello che ancora oggi possiamo ammirare. Nel 1625 Partanna fu elevata al ruolo di principato ed il castello viene ampliato ed affrescato dalle maestranze locali. Il giardino del castello è adornato da 13 statuette di alabastro locale, esse rappresentavano le quattro stagioni e i sette pianeti e sono state scolpite per volere di don Domenico Grifeo, nel 1658 per solo 100 once. Nel 1854 le statue che adornavano il giardino furono ridotte in polvere bianca per imbiancare la Chiesa Madre della città. Il piano nobile del castello attualmente è stato adibito a museo ed in esso sono contenute varie sezioni, il museo etno-antropologico, il museo del basso Belice che mette in mostra antichi reperti archeologici del Neolitico e dell’età del bronzo. Fra i resti, alcuni vasi, ma anche coppe, tazze, boccali, brocche, pissidi di splendida fattura, ornati con figure geometriche. Nel vasto salone delle armi è stata allestita una Pinacoteca, con opere d’arte di scuola siciliana del XVII – XVIII sec:”
E’ nel contesto di questo scenario che si svilupperà l’evento il cui progetto si svolgerà in due giornate. La giornata del 13 luglio si aprirà nella piazza Falcone – Borsellino. Faranno da cornice alla manifestazione: gazebi con degustazione di prodotti tipici, musica e performance artistiche. Il 14 luglio ci sarà l’allestimento e il vernissage dell’installazione nell’atrio del Castello Grifeo. 
Ogni artista dovrà dare il proprio contributo decorando con qualsiasi tecnica: pittura, olio, acrilico e acquerello, con il disegno, con il mosaico o con qualsiasi altra tecnica scelta dallo stesso, su alcune sagome di lettere che compongono una parola che fa parte di un testo. Testo che verrà reso noto agli artisti il giorno dell’evento al momento della consegna delle lettere. Gli artisti e creativi dell’evento uniti per uno scopo comune, e cioè rendere partecipi tutti gli intervenuti allo scopo del raggiungimento dell’obiettivo finale. 
Il progetto prevede la partecipazione di artisti provenienti da tutta Italia. Finalità dell’evento: In un periodo di crisi come questo che sta soffocando il mondo dell’arte relegandolo a un bene di lusso diamo la possibilità a quanti vogliono ammirare delle creazioni d’arte, di partecipare visivamente alla loro realizzazione. Liberiamo la nostra creatività e mettiamo in condizione il singolo individuo di capire l’emozione che l’artista intende far emergere dalla sua opera. 
Obiettivo: Portare l’Arte fuori dai musei, rendere le nostre piazze un museo a cielo aperto, dare a tutti la possibilità di godere delle emozioni che si sprigionano dalle creazioni che nascono dalla creatività e sensibilità dell’artista. L’evento vedrà la sua conclusione nel raggiungimento dello scopo prefissato dall’organizzazione, cioè: l’artista si impegna a lasciare all’organizzazione la sua opera una volta ultimata, per consentire la realizzazione dell’Installazione. Ogni artista verrà omaggiato di una lettera di un altro artista, le sagome delle lettere rimanenti andranno vendute e parte dei proventi verranno devoluti in beneficenza ad un’associazione che opera nel sociale, Ass.”Il Pellicano”. Ogni artista è libero se lo desidera di acquistare delle lettere. 
Relazione illustrativa: Ad ogni artista verranno assegnate alcune sagome di lettere di parole che fanno parte di un testo. Tali lettere, saranno il supporto dove l’artista dipingerà con qualsiasi tecnica il fronte e il retro. Le lettere saranno montate su una base dello stesso materiale. L’artista potrà intervenire sul manufatto, quindi toglierlo dalla base e lavorarlo a suo piacimento. Per chi lo volesse si può decorare anche la base. Ogni lettera avrà un’altezza di 30 cm, e 4 mm. di spessore per una larghezza che varia in base al tipo di lettera. Le lettere e base sono in materiale MDF. 
L’evento è realizzato in collaborazione con l’Ass.ne Culturale “Attivamente” Partanna e avrà luogo nella cittadina di Partanna (TP) nel giorno 13 luglio 2013 dalle ore 15.00, gli artisti accolti presso gli stand organizzativi dell’evento culturale nella piazza Falcone – Borsellino (Villa Comunale), per la consegna delle sagome sulle quali intervenire. Gli artisti che non potranno venire sabato 13 luglio, potranno fare il loro intervento pittorico il 14 luglio domenica dalle ore 9.00 alle 16.30. La partecipazione è ad invito ed è rivolta a tutti gli artisti che operano nel settore dell’arte contemporanea. Le opere dovranno essere firmate, ogni lettera singolarmente. Gli artisti dovranno essere muniti di tutti i mezzi e materiali per l’esecuzione dell’opera. Ogni artista avrà la possibilità di esporre 2 opere da studio presso la propria postazione con cavalletto o altro fornito dall’artista. L’opera dovrà essere consegnata presso gli stand entro e non oltre le 23,00 dello stesso giorno. 
In concomitanza dell’evento, nelle giornate del 13 e 14 luglio si potrà assistere ad eventi collaterali: giorno 13 in contemporanea alla notte bianca, negozi aperti fino a tarda ora, degustazioni di prodotti tipici locali, performance artistiche, musica live, mostre collaterali. Giorno 14 luglio si svolgerà la 1° “Sagra della Cipolla” di Partanna. Inoltre due mostre personali a Palazzo Calandra a partire dal 13 luglio: una performance artistica con danza ispirata al tema dell’evento il 14 luglio e l’installazioni di tre artisti nel Giardino del Castello Grifeo 13 e 14 luglio.
Progetto coperto da copyright 
Progetto e ideazione: Artiste: Piera Ingargiola e Naire Feo. 
Anna Scorsone Alessandri

Sex& the Paintings - mostra di pittura di Luca Colombo

Porto Ercole Lungomare A.Doria
con il patrocinio del Comune di MonteArgentario e la collaborazione dell'Ass.Girotondo.

Dall'8 al 25 Agosto aperto tutti i giorni dalle 18,30 alle 23,30
inaugurazione 8 agosto 18,30

Luca Colombo è un artista inedito che per la prima volta si presenta al pubblico e come afferma lui stesso, dipinge per passione e per istinto.
Il suo istinto lo porta verso soggetti di vario genere, frutta, fiori, il mare e nudi di donna, tutti rappresentati in modo emozionale, di getto, come lui afferma"mi vengono dei flash e allora devo dipingere un'immagine, una sensazione, un profumo....ma devo farlo in quel momento...."
I nudi meritano un'attenzione maggiore, in genere sono particolari, raramente corpi interi, che in ogni caso esprimono un erotismo esplicito ma mai morboso, direi invece gioioso, una sorta di gioia di vivere espressa attraverso l'eros.
I nudi parlano un linguaggio comprensibile e diretto che sembra avere attinto alla pop art anni Settanta, molti sarebbero perfetti per un'immagine pubblicitaria, sederi, tacchi a spillo e slip tutto sapientemente giocato su soli tre colori; bianco, nero e rosso,particolari seducenti e maliziosi che in modo garbato alludono alla capacità seduttiva del corpo femminile.

Carla Longobardi

Inaugurazione Giovedì 3 Ottobre 2013 dalle 17,30
Fino al 26 Ottobre 2013

Dopo un lungo corteggiamento, lo Spazio Ostrakon riesce a portare nella sua sede in via Pastrengo a Milano tre maestri italiani dell’incisione contemporanea: Vladimiro Elvieri, Arianna Tagliabue, Maria Chiara Toni. Tre incisori impuri, recita il titolo della mostra. Impuri non alla Picasso, pittore-incisore, genio dell’assimilazione, ma alla Stanley William Hayter, incisore-incisore. Impuri in quanto la loro produzione è venata di tutti gli apporti storici della ricerca calcografica, sperimentatori e innovatori dell’intero processo, dai materiali delle matrici ai passaggi al torchio. Ma soprattutto “impuri”, inquieti, perché al di là dell’impiego della rotella e la perforazione su Forex, con due matrici sovrapposte, tagliate e affiancate, la puntasecca su plexiglass, il gioco tra la superficie e il rilievo, la commistione di tecniche inclusa la stampa digitale eccetera, quello che essi cercano e vogliono rappresentare attraverso la loro arte è una verità umana non altrimenti esprimibile, per quanto li concerne, con i modi di una incessante ricerca calcografica. Che poi significa la ricerca di un personale linguaggio grafico, impuro perché non accomodato su una sintassi e una iconografia codificata. In Toni ricorrono forme archetipe simboliche, chiaroscurali, talune in timbri di blu a rimarcare il contrasto con lo sfondo, segnato di alfabeti arcaici, forse memori della lezione di un Klee o di un Tobey, comunque rivelatori di una vasta cultura visiva, reso anche in gradazioni di grigio, con risultati formali di grande fascino. In Tagliabue emergono spaccati di realtà, suggestioni esistenziali. Volti interrogativi stampati in digitale su cui insiste la matrice grafica associata alla manualità dell’incidere. “Ho molte domande da fare” è il titolo, manifesto di poetica, di una sua opera. In Elvieri, ideatore e curatore della Biennale Internazionale di Incisione “L’Arte e il Torchio” di Cremona, animatore e docente di Incisione, invitato alle più prestigiose rassegne internazionali di arte grafica, siamo alla raffinatezza grafica assoluta. Alla magia. Il controllo del dettaglio, la precisione del segno, la perfezione della messa a registro, concorrono a creare archetipi geometrici, spirali, labirinti, quasi mappe aeree di una fantastica Flatland, invenzioni di forme che si intersecano e stratificano dando luogo a morfologie luminose di straordinaria sintesi grafica e cromatica.
Le opere in mostra, una selezione di quelle più recenti, sono circa dieci per ciascun autore.

Vladimiro Elvieri
Incisore, stampatore, curatore. Nato a Schio (Vicenza) nel 1950. Diplomato all’Istituto Statale d’Arte di Nove. La sua produzione grafica, iniziata nel 1975 presso la Stamperia d’arte “Torchio Thiene”, comprende circa 580 incisioni realizzate soprattutto a puntasecca su plexiglas e altre tecniche calcografiche dirette su forex, sperimentate dallo stesso autore e stampate su carte nere. Ideatore e curatore della Biennale internazionale di incisione “L’Arte e il Torchio / Art and the Printing Press” di Cremona e di altre esposizioni d’arte grafica (Katowice, Uzice, Cracovia, ecc.). Docente ai corsi estivi internazionali di incisione al Kaus di Urbino (2006) e in vari istituti scolastici. Numerose mostre personali in Italia e all’estero, fra cui: Museo d’Arte contemporanea, Radom, Polonia, nel 1997 (mostra dedicata allo scrittore Witold Gombrowicz) - Istituto Italiano di Cultura di Cracovia, 2003 (su invito della Triennale internazionale d’Arte grafica) – Lessedra Gallery, Sofia, 2010 – Galleria ab/arte, Brescia, 2012 (con M. C. Toni). Invitato alle più prestigiose rassegne internazionali d’arte grafica: XIX, XX, XXI Biennale Lubiana – Premio Biella ’93 e ’96 – VI,VII,VIII Milano – 2nd Sapporo – VI Taiwan – III/VIII Drypoint Uzice – Portland ’97 – 2nd Triennale Praga – Kanagawa ’98, 2001 – Triennale Cracovia, dal 1997 al 2009 – X/XV Varna – Qingdao 2000 – Pechino 2001, 2003 – X, XVI Sarcelles – XI, XII, XIII Lodz – 6e, 7e, 8e Chamalières – 5th Il Cairo – Douro 2007 - Guanlan 2007, 2009, Katowice 2011, ecc. (6 premi nazionali e 5 premi internazionali per l’incisione). Dal 2012, opere grafiche in permanenza presso la Galerie Michelle Champetier di Cannes, Francia. Critici e storici dell’arte hanno scritto della sua opera, fra i quali: M. De Micheli, G. Trentin, P. Bellini, F. De Santi, M. Fragonara, D. Formaggio, R. Margonari, W. Skulicz, D. Migliore, G. Grossato, S. Patrone. 

Arianna Tagliabue 
Incisore, fotografa e designer, nata il 16 aprile 1977 a Lecco. Vive a Capiago Intimiano (CO). Ha frequentato l’Istituto Europeo di Design di Milano e di Roma. Nel 1999 inizia l’attività di incisore e di stampatore. Ha preso parte a diverse rassegne di grafica sia nazionali che internazionali tra cui: International Print Biennial Varna; Graphic Art Biennale Drypoint Uzice; International Print Biennial Pechino; Small Graphic Forms Budapest; Biennale Internazionale di Incisione Rotary Club Acqui Terme-Ovada; Lessedra World Art Print Annual Mini Print Sofia; International Mini Print Rosario; Mini Print International Cadaques; Mondiale de L’Estampe et de la Gravure Originale Triennale de Chamalieres; Inter-Grabado Salone Internazionale di Incisione di piccolo formato Uruguay; International Print Exhibition Tokyo; Naestved International Exhibition of Contemporary Mini Square Prints in Danimarca; Icon Data Global Virtual Museum & World Index of Contemporary Graphic Art; Triennale di Arti Grafiche di Varsavia; Maestri dell’Incisione Italiana Contemporanea Museo della Slesia (Muzeum Slaskie) di Katowice; Rassegna internazionale di incisione di piccolo formato L’Arte e il Torchio Cremona; Incisione Italiana under 35 Cremona - mostra itinerante presso l’Istituto Italiano di Cultura a Cracovia; Print Zero Studios Exchange,Seattle; Mostra “Il segno del dolore-Premio Grandi” Milano; International Print Triennial Cracow; Incisori Italiani Contemporanei Uzice City Gallery. Le sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private in tutto il mondo. Documentazione presso il Gabinetto delle Stampe del Comune di Bagnacavallo (RA).Repertorio degli incisori italiani volume IV 2001-2004; Repertorio degli incisori italiani volume V 2004-2007; Sezione speciale del N.61 della rivista “Grafica d’arte” Milano. Premi: Menzione speciale al merito alla X Art Biennale Drypoint Uzice 2011.

Maria Chiara Toni
Incisore, pittrice, arredatrice. Nata a Porto Mantovano (MN) nel 1950, diplomata all'Istituto Statale d'Arte di Mantova. Il 1978 segna l'inizio dell'attività incisoria presso la stamperia d'arte "Torchio Thiene" sotto la guida di Vladimiro Elvieri (compagno nell’arte e nella vita), attraverso la pratica delle tecniche calcografiche e la successiva sperimentazione di nuovi e più personali metodi, come il bulino e la puntasecca su plexiglas e altri supporti plastici come il forex, stampati sovente su carte nere. La sua opera tratta prevalentemente il tema della figura umana vista attraverso lo specchio di situazioni psicologiche, frutto di condizionamenti sociali. Docente ai Corsi di Tecniche dell'Incisione in vari istituti scolastici a Cremona e artista ospite al Corso estivo internazionale di incisione (Kaus) di Urbino nel 2006. Numerose mostre personali allestite in Italia e all’estero, di cui ricordiamo quelle alla Biblioteca Centrale di P.zzo Sormani a Milano nel 1992, al Museo d’Arte contemporanea “Dino Formaggio” a Teolo (PD) nel 1996, all'Istituto Italiano di Cultura di Cracovia, Polonia (su invito della Triennale d'Arte Grafica) nel 2003, alla Lessedra Gallery di Sofia, Bulgaria, nel 2010, e presso la Galleria ab/arte di Brescia nel 2012 (con V. Elvieri). Invitata alle più importanti rassegne internazionali d’arte grafica (Milano, Praga, Budapest, Cracovia, Uzice, Portland, Varna, Belgrado, Pechino, Lodz, Sarcelles, Tokyo, Sofia, Qingdao, Chamalières, Katowice, Cremona, Rosario, ecc.), dove ha ricevuto significativi riconoscimenti. Della sua opera, hanno scritto tra gli altri: M. De Micheli, G. Trentin, R. Margonari, C. Melloni, M. Fragonara, D. Formaggio, W. Skulicz, D. Migliore, G. Grossato. Dal 2012, opere grafiche in permanenza presso la Galerie Michelle Champetier di Cannes, Francia. 

SPAZIO OSTRAKON
Via Pastrengo, 15 – Milano
Orari: martedì-sabato 15.30-19.30 www.spazioostrakon.it
Info:3312565640
UFFICIO STAMPA ANTEA anteapress@gmail.com

ANTONIO POSSENTI. L’ALTRA PARTE. CARTE DI LAVORO.

In occasione dell’80esimo compleanno di Antonio Possenti, la Banca di Credito Cooperativo di Pescia e la Fondazione Campus, con il Patrocinio del Comune di Lucca ha organizzato una mostra dal titolo “Antonio Possenti. L’altra parte. Carte di lavoro”. Un’ esposizione di 80 opere quanti sono gli anni che Possenti compie.
Una mostra raccontata dall’artista con opere quasi tutte inedite realizzate nell’arco degli ultimi tre anni. 
In questo percorso espositivo emergono i vari temi caratteristici della sua produzione; ma tiene a precisare che non è un’antologica. I temi non sono altro che occasioni di pittura, situazioni che affiorano periodicamente, rappresentando il suo modo di vedere la vita.
Antonio Possenti spiega: “C’è un aspetto quotidiano del mestiere, che costituisce quell’ “altra parte” su cui si incentra questa mostra – una parte densa di significato che si costruisce ogni giorno, che non ha un tema ma raccoglie i temi che si maturano nella vita. Una dimensione domestica, intima, che non produce bozzetti per le opere da consegnare, ma che ha una completezza sua. I lavori che ho scelto per raccontarmi parlano del rapporto tra l’autore e l’opera durante l’esecuzione di quest’ultima. È lei che decide quando è compiuta, ed in quel momento prende una strada tutta sua” e poi continua “Ci tengo molto a questa mostra – racconta – l’unica delle oltre 200 fatte sinora in tutto il mondo, in cui per la prima volta racconto di me e del valore del disegno. Sono un fautore del disegno. È considerato espressione minore del dipinto, mentre gli è pari”.
La pittura di Antonio Possenti si colloca nella zona intermedia, fra la terra che brulica di persone, di animali, di accadimenti, e cielo dove le cose di questo mondo si mescolano, si meticciano, si trasformano in visioni di prodigi, qualche volta di incubi, anche se in Possenti l’incubo è festoso e benevolo.
Pittore colto che lascia dietro di sé innumerevoli reminescenze, innumerevoli esistenze diverse che aleggiano sopra le tele e le carte nel momento del raccoglimento, quando i fluidi e vorticosi elementi della fantasticheria gli si rivelano in forme e colori. Possenti è uno di quei fortunati artisti che ha il dono di rendere reale l’irreale, e che il mondo nascosto al nostro interno diventi realtà, forse persino più reale del mondo esterno. Delimitare tutto ciò che appare illogico all’occhio comune come una semplice fantasia – o una facile favola – significa in verità confessare che nulla si è compreso della vera natura delle cose. La vera funzione del pittore non sta nel rappresentare ma nel mostrare.

Antonio Possenti nasce a Lucca l’11 gennaio 1933, passa parte della sua adolescenza dedicandosi alla lettura di ogni genere e ciò contribuisce a far scoprire le qualità espressive del disegno. Infatti quando gli chiedevano cosa volesse fare da grande, rispondeva subito : “voglio fare il pittore. Ero abile nella pittura. Poi ho fatto anche tanti altri lavori, per vivere, ma il mio obiettivo è sempre rimasto quello di fare il pittore a tempo pieno e il fatto di esserci riuscito è una gran cosa”. 
Un valido aiuto per la sua formazione intellettuale e culturale l’ha avuto dalla famiglia. Il padre preside di Liceo, la madre insegnante ed il nonno era rettore dell’Università di Pisa.
Completati gli studi, durante il periodo di insegnamento inizia l’attività di disegnatore satirico, succedendo al vignettista Mino Maccari sulle pagine del settimanale “Il Mondo” illustrandone alcuni volumi della Collana. Fondamentale è stato l’incontro con il pittore russo Marc Chagall in Costa Azzurra, nel 1957: da quell’incontro Possenti decide di dedicare anima e corpo al professionismo pittorico. 
“Antonio Possenti. L’altra parte. Carte di lavoro” a cura di Alessandro Tosi. Catalogo edito da Usher arte.
Museo Nazionale Villa Guinigi, casermetta Via della Quarquonia – Lucca – Ingresso libero. 
Visitabile fino al 7 febbraio 2014. - Chiusura domenica e lunedì. 

Anna Scorsone Alessandri