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Il Giornale dell'Arte

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Comunicato stampa MOSTRE: BOLOGNA OSPITA LA PERSONALE DI VELENA NIKOVA LA RASSEGNA SI INSERISCE TRA I PROGETTI SPECIALI DI ARTE FIERA "A=A Sic et non Aliter " Installazione di Velena Veretel Nikova A cura di Alinda Sbragia Inaugurazione - giovedì 27 gennaio - h 19.00 - Art Defender Emilia Romagna - via del Decoratore 2 - Bologna (Visitabile dal 28 al 30 gennaio su appuntamento, telefonando al numero 338.6981408) Si ispira al principio dell’autoidentità del filosofo Pavel Florenskij, la nuova mostra "A=A Sic et non Aliter" dell’artista russa Velena Veretel Nikova, ospitata nei locali dell’Art Defender - Emilia Romagna nell’ambito della 36a edizione di Arte Fiera, la manifestazione internazionale dedicata all’arte moderna, che si svolge a Bologna dal 27 al 30 gennaio. L’esposizione, curata da Alinda Sbragia, considerata una delle figure più brillanti e innovative del panorama artistico contemporaneo, con la supervisione del critico Philippe Daverio, e realizzata in collaborazione con Il Sole 24 Ore Cultura, Art Defender e Alimatika, verrà inaugurata il 27 gennaio alle 19,00. Due sale da 500 metri quadrati ciascuna accolgono le due installazioni dell’autrice, un altare laico e una rappresentazione della trinità in chiave simbolica realizzata su rete inox: è la prima volta che un’artista utilizza questo materiale così complesso per la creazione di un’opera. La mostra infatti, destinata inizialmente alla 54° Biennale di Venezia, ha potuto vedere la luce solo ora per via dei prolungati tempi di lavorazione che l’inox ha richiesto e delle tecniche innovative impiegate. La rassegna si inserisce, per le sue caratteristiche peculiari, tra i 'progetti speciali' di Arte Fiera. Nell’immagine del Cristo ritratto con indosso la camicia di forza, c’è un chiaro rimando ad una sacralità interiore più forte che trascende qualunque realtà terrena. Così, come la formula latina del titolo richiama, entrambe le opere, dall’impatto tridimensionale, celebrano la legge di identità per cui l’evidenza non può essere negata, principio cardine attorno al quale ruota la produzione della Nikova. "Figlia di un sacerdote ortodosso, questa interessante artista – spiega la curatrice della mostra - ha sentito, prepotente, il bisogno di ripercorrere le tappe della sua vita alla riscoperta delle proprie radici spirituali; in un'epoca di desertificazione di valori infatti, Velena ha pensato di far tornare a dialogare l'arte con la religione cercando di recuperare l'aspetto più propriamente etico del rapporto tra spirito e corpo. E' nata così la sua versione contemporanea del luogo di fede, inteso come luogo di avviamento alla riflessione spirituale assoluta". Il 28 gennaio alle 17,45, inoltre, lo spazio Art Talks – Gallery 21/22, situato all’interno del polo fieristico bolognese, ospiterà un dibattito sullo stato dell’arte contemporanea, al quale parteciperanno, tra gli altri: Alvise di Canossa, presidente di Art Defender, Antonio Scuderi, giornalista de Il Sole 24 Ore e Andrei Shishkin, Direttore del Centro Studi Vjačeslav Ivanov. Al termine di Arte Fiera, la rassegna si trasferirà prima in Puglia, per poi proseguire il suo viaggio nelle due tappe internazionali di Londra e Mosca. Bologna lì 23.01.2012

LA CIOCCOLA – CIBO DEGLI DEI di Claudio Alessandri

Una mostra d’arte avente come unico soggetto ispiratore il “cioccolato”, è indubbiamente un modo originale di rendere omaggio ad un prodotto dalle nobili origini, che diede un grande impulso commerciale tra Sud America ed Europa, ampliando la sua fama con le coltivazioni africane. Sono infiniti i modi rappresentativi di questo prodotto dalle antichissime origini e dai significati pseudo religiosi, quasi magici, che ad esso vennero attribuiti da popoli la cui spiritualità era origine e ispirazione di ogni atto della loro esistenza.
La storia millenaria e avventurosa della pianta del cacao, può fornire ad un artista mille modi figurativi per immortalarne la tradizione e le infinite credenze, nel loro evolversi inarrestabile, ancora stimolante e creativa ai nostri giorni, tanti modi per esaltare un prodotto vegetale che si è affermato come mezzo e apportatore di innumerevoli caratteristiche positive se utilizzato come gradevolissimo apporto nutrizionale, o come ritenuto dalla tradizione bevanda degli dei o consumata esclusivamente dai nobili e dai guerrieri e, per finire, potente afrodisiaco.
Il cacao annovera migliaia di anni di storia e anche se nel XVI secolo divenne una leccornia per ricchi e raffinati consumatori, ancora ai nostri giorni se ne fa un grande consumo, sotto varie forme e ricette, ma sempre relegato al ristretto ambito dolciario. Oggi, la sua diffusione, si è espansa in tutto il mondo, chiunque sciolga in bocca della cioccolata o beva una tazza di cioccolata diluita, in genere con dell’acqua calda o nel latte, non immagina minimamente che sta gustando un prodotto, molti secoli fa, destinato agli dei e ai grandi dignitari di corte, Aztechi o Maya.
La pianta del cacao prosperò in Sud America all’incirca gia mille anni A.C e nella lingua degli “Olmechi”, antico popolo del centro sud America, veniva chiamata “Kakav uhanal” ovvero “cibo degli dei”; molti secoli dopo, i Maya amavano sorbire una bevanda preparata con acqua calda e cacao con l’aggiunta di peperoncino, la bevanda così ottenuta assumeva il nome di “chacauhaa”, il primo nome in assoluto dal quale derivò lo spagnolo, il popolo che la introdusse in Europa, “chocolate”.
Non potendo, per ragioni ovvie, riassumere per intero la vicenda del cacao presso i Maya e gli altri popoli del centro sud America, non possedendo una fantastica “macchina del tempo”, sorvoliamo come un grande condor millenni di storia, si giunge alla seconda metà del XVI secolo, all’epoca dei “conquistadores” spagnoli che scopersero quella bevanda, allora sconosciuta in Europa. Quella bevanda si componeva, per ½ di cacao (cacahuate) e per l’altro ½ di (pochotl) e assumeva il nome di “chocolatl “, gli spagnoli non gradirono il nome di “cacahuate” e preferirono chiamare questa bevanda “chocolatl”, per il semplice motivo che “cacahuate” dava loro l’idea dell’atto corporale, certo non gradito a coloro che sorbivano quella bevanda.
Inizialmente la bevanda non era dolcificata anzi, a volte salata, a volte con l’aggiunta del peperoncino, oppure vaniglia, si narra che ad aggiungere dello zucchero al cacao furono dei frati dietro l’impulso del vescovo Francisco Juan de Zumàraga, intorno al 1590.
L’Europa accolse quella bevanda con grande favore, in particolar modo quando venne aggiunto zucchero e vaniglia, venne servita in particolar modo a Venezia e a Parigi, dove, nel settecento comparvero le prime “botteghe del caffè”, il nome richiamava un’altra bevanda famosa, ma è certo che venisse servita anche la cioccolata, ne fanno testimonianza le numerose commedie del veneziano Goldoni. La cioccolato rimase, fin dal cinquecento, una prerogativa esclusivamente spagnola, ne incoraggiò la coltivazione e la produzione e la variante della cioccolata in tavolette solide.
Anche questa ricetta aveva origini azteche e divenne una esclusiva della “Contea di Modica” in Sicilia, per quei tempi protettorato spagnolo. Questa lavorazione derivava direttamente e originariamente dallo “xocòatl”, che il popolo messicano produceva macinando i semi di cacao per mezzo di una pietra che veniva chiamata “metate”, ed è rimasto un prodotto di esclusiva pertinenza, come detto, di Modica in Sicilia.
In onore di questo prodotto si sono versati fiumi d’inchiostro, trattati, libri e ricettari e sotto varie forme si è affermato in tutto il mondo, ha perduto la caratteristica di “cibo degli dei”, senza dubbio“cibo energetico”, con molti dubbi stimolatore della sessualità, ed è divenuto, molto più semplicemente, una delizia per il palato di bambini e di adulti.
Non mancano moderni studi e dotte dissertazioni sulle proprietà racchiuse in un prodotto vegetale che, nella sua apparente semplicità, annovera una storia millenaria fantastica, e volendo, misteriosa.

Claudio Alessandri

Gli artisti che danno vita a questa collettiva esprimono ciascuno per il suo modo pittorico, un mondo misterioso che riassume le svariate forme che la fantasia o la realtà hanno colpito maggiormente la loro narrazione attraverso l’arte. Colori, storia di un popolo che segnò profondamente la storia dell’America meridionale e che scomparve a seguito della bruta violenza dei conquistatori spagnoli, e quello che è sconcertante, in nome di Dio. 
Riteniamo opportuno nominarli tutti per donare loro il riconoscimento di tanta umana, artistica fatica; Giovanna Accardi, Rossella Andriani, Tiziana Ardagna, Arturo Barbante, Cettina Callari, Giuseppa Caruso, Domenica Cataldo, Daniela Cruciata, Giovan Battista Di Liberti, Paola Di Rosa, Silvius Dranga, Liliana Errera, Leonardo Espedito, Antonella Farinella, Onofrio Fausto, Nuccia Gandolfo, Piera Ingargiola , Leon Ardio, Rosario Lipari, Maria Lo Duca, Domenico Mezzatesta, Mimmo Mulè, Maria Laura Riccobono, Angela Sarzana, Nancy Sofia, Antonella Stillone, Maria Felice Vadalà, Vicari Caterina, Vicari e Gaspare Lombardo, Elena Vilardi.
La mostra verrà inaugurata sabato 11 febbraio alle ore 17,30 presso il Centro Congressi Marconi Alcamo (TP) ed è visitabile fino 17 febbraio 2012, tutti i giorni dalle 10,00 alle 13,00 e dalle 1630 alle 19,30.

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Tangozone Trieste: Giornata Mondiale della Danza

Domenica 29 aprile, dalle 20 alle 01.30, presso il Ristorante-teatro Bita (ex Parco) Santa Croce n°401 - Trieste (a 5 minuti da Sistiana sulla str. Prov. Sistiana - Opicina), particolare Milonga di beneficenza per la giornata Mondiale della Danza organizzata dall’Associazione Culturale Tangozone Trieste, delegata/autorizzata C.I.D. UNESCO per il FVG che patrocina l’evento. La serata prevede: una raccolta di fondi in favore di Green Cross Italia e Bambini orfani di Roznava, la donazione in beneficenza di alcune custodie artistiche per scarpe femminili tanguere (della serie “Il Tango dell’Onda”, progetto L’Arte in Giro - http://anforah.altervista.org/arteingiro/arteingiro.htm) dell’artista Mariagrazia Semeraro, un fitta passerella di espressioni di danza e arte. Danzeranno: per “Gotango” Maruska & Savo (tango nuevo); per “Dos Por Quatro” (di Irene e Fabrizio) Silvana & Luigi (tango vals); per “El Farolito Tango” (di Claudio Marinig) Alessandra & Paolo (milonga); per “A.S.D. Viento Flamenco” (di Lucia Tosto) il Gruppo di Trieste (flamenco); i maestri argentini (da Buenos Aires) Florencia Argento e Jorge Llado. Da quinte scenografiche alla serata faranno le opere pittoriche di Fedele Boffoli (http://anforah.altervista.org/tango/tango.htm - http://anforah.altervista.org/tangorosa/tangorosa.htm), in un mix espressivo di onde-mare-tango, unitamente alle proiezioni dei videoclip dello stesso autore (curate, assieme ad altro, da Mauro Pasqualini - El Jabali) non nuovo ad incursioni, anche letterarie, sul mitico ballo argentino. Alla consolle Dusan Mauri (Dule il Romantico). Sostengono l’evento: “Noi Quattro”, “Gotango”, “Nueva Clave”, “Dos Por Quatro”, “Scuola di Lita e Roberto”, “El Farolito Tango”, “A.S.D. Viento Flamenco”, “Libertango”, “Time For Tango”, “J “ Club Pordenone, Circolo del Tango di Trieste, Webcommunity di Arte e Poesia Anforah. 

Trieste, 24 aprile 2012

Fedele Boffoli (in Facebook)
info@fedeleboffoli.it 
www.Artepensiero.it/Fedele_Boffoli.htm
http://anforah.altervista.org/
Bari/Trieste - tel. 338-2246495

All these Paintings for sales

Kindly visit the Exhibition and make it grand success.

Thanking you
Team Ayya Art Gallaries
www.ayyaart.com

Limonaia di Villa Strozzi

Via Pisana, 77 – Firenze – tel. 055 2767113

Inaugurazione sabato 2 giugno ore 17,00

Dal 2 al 16 Giugno

Apertura al pubblico

Dal lunedì al sabato, Ore 16,00 – 19,00

             Presentazione critica di Luigi Paolo Finizio

http://www.youtube.com/watch?v=qPkBYcp8rgk

2 parte

http://www.youtube.com/watch?v=EdLqJ9EyRZE

Una storia senza fine? … sta per finire

http://www.casoriacontemporaryartmuseum.com/blog/en/cam-
art-war-azioni-internazionali

Ettore De Conciliis
Scavi di Ostia, Ostia Antica (RM)
La Soprintendenza Speciale per i Beni Archelogici di Roma Mariarosaria Barbera e Angelo Pellegrino, hanno inaugurato la mostra dal titolo: Percorsi del Tevere di Ettore De Conciliis. 
La mostra, curata da Giorgio Van Straten, organizzata da Il Cigno GG Edizioni, Assessorato alle Attività Produttive, al Lavoro e al Litorale, partecipa per la valenza che la mostra può dare, al sito di Ostia Antica e per l’indotto che le attività commerciali presenti sul litorale potranno ottenere.
L’esposizione raccoglie le sue riflessioni che scaturiscono dai corsi d’acqua, il Tevere su tutti, un giuoco di corrispondenza e dialoghi che si avvalgono di fiumi e marine che coinvolgono l’osservatore. De Conciliis riesce a trarre dal luccichio della natura, lo splendore dei fasti di una civiltà trascorsa, ma carica di significato e ancora presente tra le rovine della pietra, segno di un percorso che ha dato vita al mondo. In questi luoghi naturali da lui amati , trova la sua ispirazione, traducendo le forme e i ritmi della natura in immagini vibranti di luce solare. I suoi alberi, le sue strade, i suoi specchi d’acqua evocano la serenità, la calma e l’indifferenza della natura verso le cose umane. L artista dice di sé: Guardo alla natura con reverenza e voglio catturarne la bellezza, le complessità e le armonie che si presentano al mio sguardo. Apprezzare la natura attraverso l'arte significa diventare più consapevoli della nostra vera essenza. È un modo per collegarsi alla realtà. 
Come specifica lo stesso curatore della mostra: «Questo dell’acqua e dei suoi riflessi è il centro della produzione di De Conciliis nell’ultimo periodo e in questa mostra in particolare. Come si sa l’acqua può essere metafora di tantissime cose, ma in questo caso più che una metafora, mi sembra un mezzo per arrivare a parlare di altro, come se l’indagine, soprattutto quella di un artista che non deve dare risposte, piuttosto costruire domande, volesse condurti a guardare il mondo con filtri diversi: gli oggetti riflessi, nella loro indeterminatezza, chiedono più attenzione di quanta gliene possiamo dare quando li osserviamo direttamente e li riconosciamo senza difficoltà. Di fronte ai quadri De Concillis, invece, si richiede immaginazione, la capacità di ricostruire delle storie, la cui durata si misura in decenni, forse in secoli». I dintorni della città di Roma rappresentano già nella sua produzione pittorica la chiave della sua ispirazione. La mostra vede l’esposizione di circa trenta opere, la maggior parte delle quali realizzate appositamente per questa esposizione. 
Una mostra pensata come un nuovo invito al Grand Tour, focalizzato su Ostia, facendo rivivere nei riflessi sull’acqua un sito che brilla di storia, “penalizzato” dalla vicinanza alla Capitale. 
Ettore De Conciliis importante esponente dell’arte contemporanea italiana, ha intrapreso e portato avanti un percorso artistico intenso e complesso, sia sul piano dei contenuti che su quello stilistico. Inizialmente, infatti, l’artista focalizza il suo sguardo su una pittura impegnata, la cui spinta creativa si concretizza nella rappresentazione di istanze politiche e sociali e attraverso lo studio di tecniche pittoriche essenziali, quali la pittura murale e la Land–Art. Ne è un chiaro esempio il Memoriale di Portella della Ginestra, la sua più importante opera pubblica territoriale realizzata in Sicilia nel 1980. In essa, sulle traettorie dei proiettili esplosi dalla banda di Salvatore Giuliano nell’eccidio del primo maggio del 1947, sono stati collocati massi-sculture in un insieme plastico ed architettonico. 
De Conciliis ha partecipato e continua a partecipare a importanti rassegne d’arte in Italia e all’estero. Sue opere fanno parte in USA delle collezioni: Jack Tanzer – New York, Larry Curry – Los Angeles. Nel 1992 viene pubblicata la prima monografia in lingua inglese sulla sua pittura, poi edita da A. Mondadori. Ha esposto nel 1980 alla Madison Gallery, Toronto; a Roma nel 1986 alla Galleria d’Arte Moderna Rondinini; a Ferrara nel 1987 Palazzo dei Diamanti; a Roma nel 1988, Museo di Roma, Palazzo Braschi; a New York nel 1989 Hammer Galleries; a S. Francisco nel 1997, Kirk and Weiskopf Gallery; a Palermo nel 2010 un’antologica a Palazzo Sant’Elia dal titolo “Ettore De Conciliis, Opere dal 1982 al 2010”
Catalogo Il Cigno GG Edizioni 

Scavi di Ostia 
via dei Romagnoli, 717 - Ostia Antica (RM) 
Orari da martedì a domenica 9,00-13,30|14,30-19,00 lunedì chiuso fino al 5.11.2012
Ingresso: 8.50 euro
Anna Scorsone

Fernando Botero,
Disegnatore e scultore
Per festeggiare i suoi 80 anni il maestro colombiano Fernando Botero ha scelto di animare l’estate di Pietrasanta, in Versilia, con un grande evento espositivo. S’intitola FERNANDO BOTERO: DISEGNATORE E SCULTORE ed è visitabile fino al 2 settembre 2012. “Il percorso espositivo – spiega con entusiasmo il sindaco Domenico Lombardi - si snoderà nel centro storico, in quelle piazze ed in quelle vie in cui Fernando Botero è solito trascorrere con la famiglia lunghi periodi dell’anno”. Di lunga data, infatti, è il legame creativo del maestro con la città, instaurato dagli anni Settanta. Nel 2000 è stato designato cittadino onorario di Pietrasanta. Disegnatore e scultore. Nella suggestiva cornice della piazza del Duomo, Botero presenta sei-sette bronzi monumentali, e dieci sculture di medie dimensioni collocate nella chiesa di Sant'Agostino insieme a un ciclo di acquerelli su tela appositamente realizzate per la mostra. e dunque inedito. Come inedita e di elevato interesse è la serie di 40 disegni, realizzati negli anni Settanta, che per la prima volta saranno presentati al pubblico nelle sale del chiostro di Sant’Agostino. Complessivamente saranno oltre 100 opere in cui il maestro si racconterà tra presente e passato. 
Personaggi generosamente rubicondi che lo hanno consacrato in tutto il mondo, forse in queste opere complice l’ambiente del circo. Dalle opere sia pittoriche che scultoree di Botero, nella loro evidente sovrabbondanza corporea, non scaturisce nulla di grottesco, anzi accoglie quei corpi con fattezze volutamente abbondanti con naturale piacere. Le opere di Botero sono considerate vere e proprie icone dell’arte moderna dai più grandi esperti a livello mondiale. A 12 anni lo zio lo iscrive ad una scuola per toreri, dove rimarrà per due anni (la sua prima opera conosciuta è un acquerello raffigurante un torero). 
Durante i suoi studi a Liceo esprime la sua passione per il disegno dipingendo soprattutto i tori e le corride. 
Affascinato dall'ambiente culturale della capitale, Bogotà, Fernando Botero vi si trasferisce e aderisce alla scuola muralista messicana guidata da Diego Rivera, pittore e muralista. A 16 anni espone le sue opere per la prima volta e collabora al giornale “El Colombiano”, disegnandone le illustrazioni per i supplementi domenicali. Nel 1952 Fernando Botero vince il secondo premio al Salone degli artisti di Bogotà e, con il denaro ricavato, si reca in Europa, per ammirare le opere di Francesco Goya e di Tiziano Vecellio al Museo del Prado, dove lavora come copista, mentre frequenta l'Accademia Reale San Fernando. Durante il viaggio passa per Parigi e si ferma in Italia, dove tra il 1953 ed 1955 scopre il Rinascimento italiano e studia la tecnica dell'affresco, esegue diverse copie dei lavori di Giotto e studia i molti artisti senesi.

Nel 1955 Fernando Botero torna in Colombia, dove è di moda l'avanguardia francese che si discosta fortemente dal suo stile. Nel 1966 viene organizzata la sua prima mostra personale in Europa, in Germania. Una nuova mostra, organizzata al Milwaukee Art Center, riceve critiche ampiamente positive. Inizia ad esporre regolarmente in Europa, a New York e anche a Bogotà.. Espone ripetutamente le sue sculture in tutto il mondo. Tra gli eventi di maggior rilievo la mostra delle sue enormi sculture sugli Champs-Elysées nel 1992, e varie mostre negli spazi pubblici di città europee nel 1994. 
Il 21 ottobre del 2007, sempre a Pietrasanta, vengono rubate delle statue di bronzo per il valore di circa 4 milioni di euro. Le opere si intitolavano "Adamo", "Il cane", "Gatto codone", "Donna con mano nei capelli", "Ballerina vestita", "Ballerina in movimento" e "Passero". Attualmente buona parte dei ladri sono ancora ignoti, ma nel maggio 2008 due delle statue sono state ritrovate e i responsabili arrestati. 
La mostra, come consuetudine espositiva di Pietrasanta è ad ingresso libero fino al 2 settembre 2012 Chiesa di Sant’Agostino – via Sant’Agostino n. 1 – Pietrasanta (LU) 
Anna Scorsone

Luoghi dell'arte tra musica, letteratura e poesia.

Sarà inaugurata venerdì prossimo 20 luglio alle 19 la mostra di Piero Guccione a Palazzo dei Normanni a Palermo. L'evento è promosso dalla fondazione Federico II in cooperazione con il centro studi Feliciano Rossitto di Ragusa e numerosi sponsor privati. A comunicarlo sono Francesco Cascio, Presidente della Fondazione Federico II e Giorgio Chessari, Presidente del centro studi Feliciano Rossitto di Ragusa.
Nelle opere di Guccione traspare una “dimensione romantica” spiega Giorgio Chessari, Presidente del Centro Studi – avvolge l’animo portandolo dentro un viaggio che è arte pura, in cui la Sicilia diventa “forma evocativa di trame letterarie”, come si nota in alcune opere che richiamano il tedesco Friedrich (con il suo “Viandante sul mare di nebbia”, 1818) o Hayez (con il suo “Bacio”, 1859) in cui si intravedono “architetture musicali di tensioni liriche, riconducibili al suo stile, al suo sentire, all'intensità del suo cuore”.
Come scriveva Claudio Alessandri in suo testo….Per Piero Guccione il sole della “sua” Sicilia non dardeggia infuocato il paesaggio, ma lo accarezza lieve in una luce diffusa che ne svela i più reconditi segreti, narrati con accento nostalgico; un accento non decadente, anzi sorretto da una forza interiore che riflette il passato di una terra tragica eppure sempre capace di donare visioni sognate, delicate, come la sensibilità di questo artista ispirato che oblia la tristezza facendo emergere il gioioso risuonare di antiche melodie. L’atmosfera vagamente surreale delle opere di Guccione esclude, spesso, la presenza dell’uomo; tranne che in rarissime eccezioni non è mai inserito nel paesaggio, come fosse un elemento perturbatore di un equilibrio “artisticamente” raggiunto da una natura “solitaria” eppure, non per questo, avara di messaggi, esaltate offerte poetiche di struggente bellezza. Il lieve sciabordio dell’infrangersi del mare su spiagge dorate, popolate da “parvenze” di alberi spezzati dal vento, monti appena accennati, giungono a noi come un sonno leggero che precede, di poco, un dolce oblio. Quello di Guccione è un racconto raccolto dal vento;di un vento che raggiunge spighe mature che ondeggiano come flutti danzanti di una saga narrata nelle notti chete di una campagna incantata; o, ancora, di un vento forte capace di spezzare tronchi e rami che continueranno a vivere come ruderi romantici a testimoniare antichi fasti. In Guccione, tutto, è sempre un inno alla natura…
Il Maestro Piero Guccione nasce il 5 maggio 1935 a Scicli: grazie alla complicità sensibile del padre abbandona gli studi classici per dedicarsi a disegnare e dipingere. Frequenta per un anno la Scuola d’Arte di Comiso, quindi l'Istituto d’Arte di Catania, dove si diploma nel 1954. Nell'autunno di quello stesso anno, poco dopo la morte del padre, si trasferisce a Roma. Qui frequenta l’Accademia di Belle Arti e tiene la prima personale nel 1960 alla Galleria Elmo.
Dal 1966 al 1969 è assistente di Guttuso all’Accademia di Belle Arti di Roma; ritornato in Sicilia alla fine degli anni Settanta - nel 1979 diventa titolare di Cattedra a Catania - l'attenzione esclusiva e poetica al paesaggio siciliano: l'azzurro del mare e del cielo, e i toni ramati della terra iblea colti nella loro essenzialità.
Nel 1993 ha partecipato alla mostra "Tutte le strade portano a Roma" a cura di Achille Bonito Oliva, al Palazzo delle Esposizioni di Roma. Guccione ha inoltre illustrato alcune opere letterarie, tra cui: Stendhal Il rosso e il nero, Parenti Editore, Firenze 1963; Gesualdo Bufalino Rondò della felicità, Edizioni La Corda Pazza, Trento 1992; Giovanni Verga Cavalleria Rusticana, Edizioni Erreti, Bagnara di Romagna (RA) 1995.
Gli anni Settanta e Ottanta sono caratterizzati da opere dominate dall'azzurro del mare, creazioni che vengono esposte in una famosa mostra alla galleria parigina di Claude Bernard. Accanto alla pittura, in questi anni si dedica al pastello, con numerose serie che testimoniano una rinnovata autonomia e compiutezza della tecnica.-
La mostra resterà aperta al pubblico fino al 7 settembre 2012 e sarà visitabile tutti i giorni, dal lunedì al sabato dalle 8,15 alla 17,40, domenica e festivi dalle 8,15 alle 13,00 Costo del biglietto € 3,00 - biglietto mostra e Cappella Palatina € 9,00 - biglietto mostra, Appartamenti Reali e Cappella Palatina € 10,00.
Per info www.federicosecondo.org. 
Anna Scorsone. 

Capolavori della Maiolica Castellana dal ‘500 al terzo fuoco. La Collezione Matricardi.

Con il Patrocinio di: Camera dei Deputati, Ministero per i Beni e le attività Culturali, Regione Abruzzo, Direzione Regionale per i Beni culturali e paesaggistici dell’Abruzzo, Direzione Regionale per i Beni culturali e paesaggistici delle Marche, Soprintendenza B.S.A.E. Marche, Provincia di Teramo, Camera di Commercio di Teramo è stata inaugurata la mostra: “Capolavori della maiolica castellana: dal ‘500 al terzo fuoco. La collezione Matricardi”. A cura della Dott.ssa Paola Di Felice.
L’esposizione presentata al pubblico, è una selezione di duecentoventi capolavori realizzati tra il Cinquecento e il Settecento per la maggior parte inediti.
Gli oggetti, tra cui brocche, fiasche, albarelli, chicchere, piatti e piattini, sono stati ordinati in un continuum narrativo nelle sale della Pinacoteca Civica di Teramo, in sequenza cronologica, a partire dalla produzione cinquecentesca, e per gruppi omogenei attribuibili allo stesso autore o alla sua famiglia. I capolavori rendono omaggio all’enorme valore della manifattura di Castelli, grazie ad un percorso rappresentativo per ogni epoca e per ogni famiglia di artisti, come i Pompei, i Cappelletti, i Gentili e i Grue che, nell’arco dei secoli, hanno reso famosa la maiolica castellana in tutto il mondo. I colori delle maioliche ricordano le tonalità naturali dei luoghi: il verde marcio dei boschi, alle falde del Gran Sasso, assieme a celeste, manganese, arancio e ramina (verde smeraldo). Questi due fattori hanno permesso una rilettura storica, iconografica e scientifica della produzione castellana e dei suoi artisti. La mostra intende proporre all’attenzione nazionale e internazionale la ceramica della manifattura castellana, dall’inizio del Cinquecento sino alla fine del Settecento, attraverso forme, colori e motivi tipici di questa produzione, magnificamente rappresentata dalla preziosa e ricca Collezione Matricardi, che si posiziona come una delle collezioni più interessante, insieme a quelle presenti nei musei internazionali.
Tracciamo una breve nozione storica della famiglia Matricardi: nel 1919 l’Ing. Giuseppe M. Matricardi, decise di costruire un grande stabilimento di produzione di maioliche nel tentativo di ridare vita a quella antica tradizione ascolana che si era fermata con la morte di alcuni soci nel 1856. A causa della perdita delle necessarie competenze in loco, Matricardi invitò le maestranze provenienti da Castelli in Abruzzo, famoso centro di produzione delle maioliche, con il preciso intento di recuperare l’attività ed istruire le generazioni future locali. La frequentazione di Castelli appassionò l’Ing. Matricardi alla plurisecolare produzione del luogo, già presente nelle varie collezioni pubbliche che private. I suoi acquisti hanno costituito il primo nucleo della collezione, proseguita poi dal figlio Francesco.
L’ultimo erede, l’Ing. Giuseppe Matricardi, attuale proprietario della collezione, appassionato collezionista e studioso della produzione ceramica castellana, ha provveduto ad incrementare la collezione con acquisti di capolavori dispersi in varie collezioni europee riportandoli in Italia. L’attuale Collezione Matricardi è di circa quattrocentotrenta opere da cui sono state selezionate le duecentoventi opere per la mostra. Essi testimoniano l’originalità della produzione castellana, che si distingue per tecnica e per iconografia di tutte le altre produzioni delle manifatture italiane ed europe. 
La mostra è visitabile fino al 31 ottobre 2012 presso la città di Teramo: Pinacoteca Civica, Viale G. Bovio 64100 - con i seguenti orari: da martedì a sabato: 9.00-13.00, 16.00-19.00 – domenica e festivi 10.00-13.00, 16.00-19.00 - lunedì chiuso. 
Ingresso intero € 5,00 – Ingresso ridotto (gruppi e studenti universitari) € 3,00 – Biglietto cumulativo € 10,00 - Biglietto scuola: € 3,00 comprensivo di attività didattica. – tariffa gratuita a disabili, giornalisti, guide turistiche e over 65.
Anna Scorsone

LA DIMORA DELLE VERITA’ SILENTI DI ARMODIO 
La Dimora delle verità silenti è il titolo della mostra del maestro Armodio che si è inaugurata il 14 Settembre 2012, presso la Sala Duca di Montalto, Palazzo dei Normanni, Piazza del Parlamento 1, Palermo. 
All’inaugurazione hanno partecipato Cristina Acidini, soprintendente speciale per il Patrimonio storico, artistico ed etno-antropologico e per il Polo museale della Città di Firenze, e Stefano Zecchi, scrittore, giornalista e sociologo.
Armodio presenta circa quaranta opere inedite realizzate nell’ultimo anno. Una mostra che ripropone i temi cari all’artista, la cui pittura unisce una raffinata vena umoristica e surreale ad una tecnica di esecuzione straordinaria. 
Oggetti di uso comune, trasfigurati in un contesto privo di sfondo. hanno un non so che di sapore antico, una caratteristica uniforme negli anni, ma che non pecca di ripetitività, è un racconto vario come se questo raffinatissimo artista, ad imitazione dei viaggiatori del “Grand Tour” di fine XIX sec., vagasse con un taccuino ed una matita realizzando i particolari degli oggetti incontrati, pochi tratti che delineano la centralità di un insieme che, certamente, esiste ma che per Armodio non è indispensabile rispetto al particolare, lui e solo lui meritevole di essere rappresentato.
Oggetti comuni, per lo più di uso domestico, cuccume di varia foggia che contengono quel particolare strano che tipizza l’oggetto privandolo di un anonimato banale.
Tutto nell’arte di Armodio risuona di accenti culturali, di tecnica che affonda in una nobile antichità e coerenza, fedeltà ad uno stile entrato nel suo essere d’artista tanti anni addietro ed ancora oggi e per molti anni ancora, sarà il sigillo prezioso di un’artista che giunge dalle più lontane propaggini del tempo e proseguirà per giungere ad una meta da lui solo conosciuta.
Armodio, il cui vero nome è Vilmore Schenardi, è nato a Piacenza il 4 ottobre 1938, dove attualmente vive e lavora. Tra il 1951 e il 1952 frequenta l’Istituto Gazzola di Piacenza, pur non riconoscendovi grande importanza. Ben altro peso avrà lo Studio Spazzali o “Scuola di Piacenza”, dove da giovane apprende nuove tecniche trovando una propria identità e creatività. Nel 1954 abbandona il laboratorio di Spazzali e si trasferisce con Foppiani in uno scantinato dove si concentra sulla pittura; dopo aver cambiato studio, si unisce anche Carlo Bertè. Il grande successo per Armodio arriverà quando Lily Shepley riuscirà a vendere le sue opere negli Stati Uniti. Nel 1972 espone con successo le sue opere a Bruxelles. La fama di Armodio lievita e, dopo un fruttuoso soggiorno a Parigi torna in Italia conquistando sempre più mostre a lui intitolate. 
L’evento espositivo rappresenta una grande occasione non solo per la Sicilia, ma anche per l’Italia stessa, poiché l’artista, ormai pienamente consacrato in ambito internazionale, è solito esporre all’estero.
La mostra è curata dagli storici e critici d’arte Daniele Frignone e Giovanni Faccenda. ed accompagnata da un ampia monografia edita da Giorgio Mondatori.

La mostra è visitabile fino al 5 ottobre 2012 presso Palazzo Reale, Piazza Indipendenza.
Orari: lunedì – sabato 8,30 – 17,40
Domenica e festivi 8,15 – 13.00
Mostra e Cappella Palatina € 9,00
Mostra, Appartamenti Reali e Cappella Palatina € 10,00

Anna Scorsone

PICASSO AL PALAZZO REALE, MILANO

Cresce l'attesa per la mostra di Picasso, che si terra' a Palazzo Reale a Milano dal 20 settembre al 6 gennaio. E' già partita la corsa ai biglietti: finora ne sono stati venduti 100mila, tra singoli e gruppi. Saranno esposte oltre 200 opere dell'artista, che ripercorreranno l'evoluzione della sua pittura dagli inizi fino all'ultimo periodo della sua vita. Nelle numerose opere esposte, si avverte una febbricitante ansia di contatto con una umanità rigenerata, ricondotta al primigenio stupore, dai tratti puri "sgorgati" da una mente ingentilita dal desiderio di rinnovata speranza; è evidente in Picasso il rifiuto di facili soluzioni, frutto più di accademiche sollecitazioni che di un reale sentire il bisogno di rinnovamento, di ricerca, ma anche di scontro. Saranno esposte oltre 200 opere, molte delle quali mai uscite dal Museo Picasso di Parigi, che affolleranno le sale di Palazzo Reale di Milano, in occasione della grande antologica dedicata al grande artista spagnolo Pablo Picasso.
Saranno esposti capolavori come: La Celestina, L’uomo con il mandolino, Ritratto di Olga, Due donne che corrono sulla spiaggia, Paul come Arlecchino, Ritratto di Dora Maar e la supplicante. Leggende e mito aleggiano attorno alla figura di Pablo Picasso, riconosciuto come genio indiscusso dell’arte del XX secolo. A partire dall’agosto del 1914, allo scoppio improvviso della Prima Guerra Mondiale, molti artisti, poeti e scrittori sono costretti a partire o vanno al fronte come volontari. Fra questi vi è anche Braque. Il compagno di avventura di Picasso tornerà solo nel 1916, ferito alla testa. Picasso noterà come l’amico sia completamente cambiato al punto che si rifiuta di andarlo a trovare in ospedale. Da allora si interromperà la loro collaborazione, che aveva permesso al Cubismo di nascere e imporsi come stile dominante dell’arte di quegli anni. Seguendo lo stile del Cubismo sintetica già ormai pienamente giunto a maturazione, Picasso, realizza una serie di constructions utilizzando materiali molto diversi. Tali costruzioni sono rivolti principalmente al tema della natura morta e vengono realizzate principalmente con carta, legno e metallo. Successivamente esegue il bicchiere di assenzio, una scultura modellata in cera composta di un cucchiaio da assenzio e una zolletta di zucchero, inseriti in una serie di sei bronzi costituita dagli stessi elementi. Il bicchiere di assenzio è la prima proiezione in forma aperta di un oggetto dell’intera avventura cubista.
Le costruzioni e le nature morte del 1914 rappresentano il tentativo di creare una cosmogonia cubista fatta di violini e chitarre, pipe e bicchieri, dadi e bottiglie, carte da gioco e giornali realizzate il più delle volte in legno. Il 1914 non è un anno felice per Picasso perché la guerra allontana i vecchi amici la mogli si ammala. Nel 1919 esegue una serie di ritratti con una tecnica che non aveva mai usato prima, la litografia, e abbina la produzione di opere a soggetto realistico con altre di ispirazione decisamente cubista. Venerato e ricercato da tutte le istituzioni si susseguono grandi commissioni per l’artista, tra i quali il monumento per il Civic Center di Chicago. Continua a creare come dimostrano le centocinquantasei incisioni intitolate Suite 156, realizzate tra il 1970 e il 1972 e, la serie di autoritratti dove compare l’immagine teschio quasi a scongiurare la propria morte che avviene l’8 aprile 1973 a Mougins. 
La mostra a cura di Anne Baldassarri sarà presentata dall’Assessore alla cultura Stefano Boeri ed è visitabile fino al 6 gennaio 2013
Palazzo Reale – Piazza Duomo 12, Milano 
Orari: lunedì, martedì e mercoledì: 8.30-19.30, giovedì, venerdì, sabato e domenica: 9.30-23.30 
Il servizio di biglietteria termina un’ora prima della chiusura 
Biglietti: € 9,00 intero, € 7,50 ridotto, € 4,50 ridotto speciale 
Gruppi: € 9,00 gruppi di adulti nei giorni sabato, domenica e festivi, € 7,50 gruppi di adulti nei giorni feriali, € 4,50 gruppi di studenti delle scolaresche di ogni ordine e grado 
Le richieste vanno inviate a: 
Ufficio Gruppi Grandi Mostre Tel. 02-542727 Fax 02-54101046
Anna Scorsone

Le Sinergie connettive pittoriche di Anna Seccia
Evento organizzato in occasione della Giornata del Contemporaneo 

promossa da AMACI 

Ancora grande attenzione per le azioni dell’Opera Aperta” di Anna Seccia con la realizzazione di grandi tele di pittura collaborativa-connettiva, generatrici del “senso” e del “fare pittorico” attraverso le relazioni, il corpo, il suono, il colore e il gesto libero.
Infatti, in occasione dell’8° Giornata del Contemporaneo promossa da AMACI (Associazione Musei Italiani) il 6 ottobre 2012, nello spazio di Sfera design di Pescara, in via Caduta del Forte 36, dal 6 al 25 ottobre 2012 verrà esposta l’opera collaborativa di grandi dimensioni “Sinergie”, mt. 4 x1,60 acrilico su tela, realizzata per la 7°Giornata del Contemporaneo 2011 dall’artista Anna Seccia, con il coinvolgimento degli studenti del Liceo Artistico Bellisario Misticoni di Pescara.
L’opera in esposizione verrà accompagnata da un video documentario, che ne racconta la nascita, esso è stato realizzato dagli studenti del Liceo Artistico sotto la direzione del professor Pierpaolo Serini.
L’opera nasce con un work in progress ideato dall’artista nella “stanza del colore”attraverso una componente ludica emotiva con un’esplorazione unica del colore, del segno e del suono con le musiche del Maestro Antonio Cericola per l’elaborazione del “senso” e del “fare arte” attraverso l’abbandono all’immaginario emotivo del “qui ed ora”.
Attraverso l’interazione con l’artista le sinergie di diverse personalità si sono incontrate in un momento corale e attraverso la pittura connettiva di Anna Seccia ogni singola voce ha avuto pari dignità nella dinamicità della composizione finale.
Ricordiamo che l’opera esposta, documenta il terzo step della singolare partecipazione di Anna Seccia al Padiglione 
Italia/Abruzzo della 54° biennale di Venezia 2011curata da Vittorio Sgarbi con l’Opera Aperta: L’arte è cosa mia, nostra.

Per l’8° Giornata del Contemporaneo il 6 ottobre 2012, troviamo ancora Anna Seccia impegnata nella realizzazione di un’altra singolare opera collaborativa di grandi dimensioni: “Sinergie di Fragmenta 100” che vede il coinvolgimento
ad un’azione partecipativa pittorica i cittadini di Francavilla al mare (CH) e le scuole del territorio nel Museo Michetti.

SFERA design: Via caduta del forte 36 - Pescara - 085.2924031 - www.sferadesign.net- http://blog.sferadesign.net/
Orario: lunedì-sabato 10-13 17-20
Ingresso: libero
Orario: 10-13 17 -20
Esposizione: dal 06 al 25 ottobre 2012
Email: info@sferadesign.net
Anna Seccia: www.annaseccia.it
AMACI Associazione dei Musei d’arte Contemporanea Italiani - www.amaci.org 

Evento: Decimo Festival Internazionale della Fisarmonica, Città di Massafra (TA) “Terra delle Gravine” 
Data: dal 4 al 7 ottobre 2012
Luogo: Teatro Comunale di Massafra, Piazza Garibaldi
Organizzazione:Associaz. Culturale Centro stabile di Arte e Cultura Agorà Massafra 
Patrocinio Comune di Massafra, Presidenza Regione Puglia, Conservatorio Statale
Matera; Segmenti d’Arte Massafra; Associaz. Culturale “La Giostra”
Informazione: Associaz. Culturale Centro stabile di Arte e Cultura Agorà Massafra via Trento 66,74016 Massafra (TA); tel.0998800199 - 3357300930; email tannoya@alice.it

L’evento musicale, Festival Internazionale della Fisarmonica, Città di Massafra “Terra delle Gravine”, dedicato al suono della fisarmonica, con esibizioni di artisti affermati a livello internazionale e di giovani talenti, nato nel 2002, è un progetto culturale di conoscenza e valorizzazione del patrimonio storico artistico culturale del nostro comprensorio, molto atteso da spettatori , affezionati e curiosi. Dal 2003 durante la cerimonia di inaugurazione viene assegnato il Premio “Alessandro Tannoia” a personalità che hanno dato lustro al territorio. Nicola Andreace, che, sin dall’inizio, ha disegnato l’imponente scenografia, l’immagine del Premio e i Manifesti, porta avanti la sua ricerca espressiva, realizzando visioni grafico-pittoriche simultanee, in cui, attraverso una stratificazione, personaggi, elementi della nostra storia e luoghi, simbolo della sua città, vengono associati ai sentimenti, ai ricordi. I suoi frammenti di realtà, quasi seguendo uno svolgimento filmico, sembra raccontino una storia senza tempo pur fissata nell'immobilità di un’ elegante composizione armonicamente costruita, caratterizzata da un tratto semplice e immediato mai disgiunto dal vigore creativo. Anche in occasione del Decimo Festival Internazionale della Fisarmonica, Città di Massafra- Terra delle Gravine 2002-2012, Andreace, ha ideato e realizzato il “Manifesto”, nel quale, attraverso variazioni prospettiche, ha creato atmosfere quasi oniriche, dove il tempo sembra sospeso, che ha accompagnato con questa didascalia “… in un gioco di alchimia cromatica, la MUSICA, sospesa tra suggestioni uditive e reale evocativo, vola con il fascino magnetico delle sue variazioni sonore…” Poi, intervistato, sull’opera ha aggiunto la seguente annotazione: “Sul palcoscenico della celebrazione del Festival, tra gli elementi peculiari del territorio ( panorama di Massafra, muro a secco, fichi d’india), in un gioco cromatico, la MUSICA, sospesa tra suggestioni uditive e reale evocativo, vola con il fascino magnetico delle sue variazioni sonore, saldate tra loro da un’unità spirituale, che crea nell’orchestra e nel pubblico un feeling musicale e sensoriale, un coinvolgimento emotivo, una tensione intima, un’atmosfera che con forza gioiosa sospinge l’immaginazione verso momenti e personaggi del passato”. 

MEMORIE, OVVERO RICORDI REALI AVVENUTI NELL’ESISTENZA DI CLAUDIO ALESSANDRI.

Questo libro è una raccolta di poesie frutto di una vita vissuta: emozioni scritte su fogli, scontrini o su un qualsiasi pezzo di carta. 
“Memorie, ovvero ricordi reali avvenuti nell’esistenza di Claudio Alessandri” – edito dalla casa editrice Del Faro - è l’ultimo libro di Claudio: un libro che raccoglie circa un centinaio di poesie; si ispira principalmente a un fervido amore per la famiglia e l’intendimento di invitare le persone ad amarsi. Sono fatti e figure dell’infanzia, dell’adolescenza e della maturità, in gran parte dedicate alla compagna della sua vita, alle figlie e ai genitori. In queste poesie, ripercorre le sensazioni, i ricordi e le emozioni di tutta una vita. 
Arrivato a Santa Flavia, dopo avere lasciato la sua amata Ferrara che aveva circa cinque anni, bambino come era non poteva capire in pieno, giocava con grande difficoltà con gli altri bambini perché all’inizio non capiva il siciliano quindi non è stato subito accettato ma è stato lui a farsi accettare dai compagni.
Attraverso le sue poesie ricostruiamo la sua vita, le emozioni, gli ostacoli e il dispiacere di un padre perduto nel secondo conflitto mondiale, cercato per tanti anni e ritrovato attraverso internet: finalmente era riuscito a ricomporre la sua esistenza, monca da sempre della figura paterna. Era riuscito a ricostruirne, con pazienza certosina, la storia fino a farlo rivivere nel ricordo e quando pensava di potere portare un fiore sulla sua tomba “lo schianto”! Se ne è andato senza potere coronare il suo sogno; tra le sue poesie infatti, ce n’è una che lo ha accompagnato nell’ultimo suo cammino: “Morire a Mauthausen”.

Anna Scorsone

Morire a Mauthausen
Vidi una madre che, smarrita teneva per mano un bambinetto.
Molte erano le donne che le stavano attorno, ne sentivo la presenza
ma non le vedevo.
La mia attenzione era concentrata su quella madre ed il suo bimbo:
indossavano goffi cappotti di lana grigia e grigio era il cielo sopra di loro.
La donna non capiva, stringeva la mano del suo bambino, suo unico tesoro.
Vidi un soldato avvicinarsi a quella madre e strapparle il bambino dalla mano.
Allontanò il piccolo dalla madre che reagì con un disperato tentativo
di riprendere il figlio.
Il bambino si volse e cercò di tornare dalla madre,
ma subito venne ripreso da un soldato e lo spinse impietoso.
Per quella madre il dolore era immenso e per il bimbo uno sguardo smarrito:
non poteva, non doveva capire, presto quella madre e quel bambino
sarebbero tornati mano nella mano, mentre volavano verso il cielo nero
trasformati in nube, uniti per l’eternità, felici di volare liberi da quel luogo
dove le loro vite erano state spezzate, eppure non divise,
in quel tragico giorno.
Quella orrenda scena torna spesso alla mia mente,
ma non piango perché quei demoni che li avevano arsi vivi
non gioivano vedendo quella madre e quel bimbo
uscire dalla ciminiera ed innalzarsi felici verso il cielo,
loro erano ancora vivi, i carnefici erano morti nei cuori e nell’anima
per loro nessuno avrebbe pianto.
Io vedo il bimbo e la sua mamma perdersi nel vento
E da esso sospinti verso la gioia e la vita,
allora… rido… rido.
Claudio Alessandri

Personale del togolese Kikoko a Casa delle Culture Milano.

La Casa delle Culture del Mondo della Provincia di Milano, in via Giulio Natta 11, ospita, dal 5 al 21 ottobre 2012, la mostra “I ricordi del viaggiatore. Il taccuino di bordo”, personale del pittore togolese Kikoko. 
Sono esposte oltre venti tele a tecnica mista di medie e grandi dimensioni, realizzate dal 2007 ad oggi e cioè da quando l'artista si è trasferito a Milano. 
Le opere esposte, personali e collettive, in Germania e in Italia, nascono dall'addensarsi e stratificarsi di ricordi, simboli e immagini accumulati lungo i viaggi tra Africa e Europa.
Partito da Imperia, il suo obiettivo è quello di parlare con la gente della sua attualità: non ha vincoli Kikoko, la sua è un’arte libera così come vuole essere il suo messaggio che non è politico ma umanitario. Il viaggio, nello spazio e nella conoscenza di sé, è il tema principale della sua attività pittorica iniziata a tredici anni tra le tribù nomadi del Sahara algerino, che gli hanno insegnato l’uso dei colori naturali ed oggetti presi dalla realtà e quando il vento alzava la sabbia sulle tele, Kikoko, affermava che l’opera era completa. 
La mostra è un vero e proprio diario di viaggio: le opere sono pagine da sfogliare, ricostruzioni pittoriche di antichi antenati che danno un senso di discendenza comune e portare la preistoria alla vita; una mescolanza di materiali e forme che esaltano l’uso del colore.
Kouevi-Akoe Ekoe Kikovi (nome d’arte Kikoko è nato nel 1978 a Lomé (Togo) e vive a Milano dal 2006. la passione per l’arte si manifesta sui banchi di scuola, determinando un percorso di ricerca che si sviluppa a contatto con i pittori nomadi del deserto algerino del Tamarasset e con esperienza da ebanista. Fabbricante di percussioni e scultore, partecipa come pittore a progetti di matrice sociale in vari paesi africani, dopo avere presentato il suo lavoro in alcune rassegne in Francia e in Germania. Partecipa inoltre a numerosi concorsi nazionali e nel 2011 alla IIIa Biennale di Lodi dove il suo dipinto è stato scelto come simbolo della manifestazione. Nel 2012 è risultato tra i venti finalisti del concorso indetto dal Mar/ Museo d’arte città di Ravenna. 
La mostra a cura di Marina Arensi e promossa dalla Provincia di Milano, Assessorato alla Cultura, in collaborazione con Associazione Culturale Artistica InformArti, è visitabile da martedì a venerdì dalla 10.00 alle 18,30 e sabato e domenica dalle 14.00 alle 21.00, presso Casa delle culture del mondo, Via Natta, 11 Milano.
Ingresso gratuito. 

Anna Scorsone

DUE SECOLI DI GRANDE ARTE A FERRARA DEGLI ARTISTI GIOVANNI BOLDINI, GAETANO PREVIATI E FILIPPO DE PISIS 

Si riparte dall’arte, dalla musica, dalla cultura e anche dalle tipicità regionali. Anche Ferrara, perla emiliana, si rimette in marcia con una grande mostra a Palazzo dei Diamanti.
Un’ ampia selezione di opere degli artisti dell’Ottocento e del Novecento come Giovanni Boldini. Gaetano Previati, Mentessi, Roberto Melli, Achille Funi e Filippo De Pisis, tutti artisti ferraresi in esposizione assieme ad altri grandi maestri come Gemito, Boccioni, Carrà e Sironi. 
Nelle intenzioni del Comune di Ferrara e di Ferrara Arte, i capolavori in mostra diventeranno l’emblema della città; si sta infatti studiando una loro presentazione, dopo questa “prima” ferrarese, in altre sedi espositive italiane.
L’idea della mostra è stata sollecitata dalla chiusura del complesso di Palazzo Massari, in seguito al terremoto che ha colpito l’Emilia Romagna nel maggio scorso. Quindi la decisione di dare loro visibilità, sia pur momentanea, a Palazzo dei Diamanti, per sottolineare l’importanza del patrimonio di Palazzo Massari ma anche per sensibilizzare alla salvaguardia dei beni artistici danneggiati dal sisma. 
La mostra decisa all’indomani della chiusura del Palazzo Massari, sede dei musei di Boldini, De Pisis, e dell’800, reso inagibile dal terremoto è curata da Maria Luisa Pacelli, direttrice delle Gallerie civiche, da Barbara Guidi e da Chiara Verrasi: saranno esposti circa ottanta tra dipinti, sculture e opere su carta che raccontano oltre centocinquanta anni di produzione artistica locale, ma anche nazionale ed internazionale. 
Il viaggio comincia nella splendida città di Ferrara, inizia il tempo fervido del grande collezionismo dell’ottocento con le opere sacre e letterarie di Giovanni Antonio Baruffaldi, Giovanni Paglierini e nei romantici Girolamo Domenichini, Massimiliano Lodi e Gaetano Turchi per poi immergersi nell’opera di Giovanni Boldini, il più internazionale dei pittori italiani di fine secolo. Il suo stile inconfondibile nella ritrattistica fece si che tutta Europa richiedesse la sua opera magistrale che ha consentito di lasciarci dei capolavori unici per bellezza formale, coloristica e fondamentalmente intima nella analisi figurativa, operò anche a Palermo, soggiornò presso il Villino Florio per eseguire il ritratto di Donna Franca Jacona di San Giuliano. Donna Franca viene descritta come una donna straordinariamente bella, dal portamento altero ereditato dalle sue origini nobili e poi le nature morte, le vedute.
Il novecento abbiamo le collezioni di opere di altri maestri che raggiunsero la fama fuori Ferrara: Alberto Pisa, Giuseppe Mentessi, Getano Previato, Umberto Boccioni, Roberto Melli, Aroldo Bonzagni, Mario Sironi per citarne alcuni. Una nota a parte per Filippo De Pisis, cui sono intitolate le raccolte del Novecento. Grazie soprattutto all’attività della fondazione Pianori e al generoso lascito di Manlio e Franca Malabotta è possibile ripercorrere l’intera parabola creativa del ferrarese, dalle nature morte marine di ispirazione metafisica: Le cipolle di Socrate, La “stenografia pittorica” delle vedute parigine, le penetranti effigi maschili, come il Ritratto di Allegro ai lirici, commoventi capolavori della maturità quali: La rosa nella bottiglia e Natura morta con calamaio.
Come già accaduto per altre rassegne, la mostra Boldini, Previati e De Pisis due secoli di grande arte a Ferrara sarà accompagnata da un progetto didattico rivolto alle scuole, alle famiglie, e prevede anche la pubblicazione di un libro per bambini, realizzato da Ferrara Arte con il contributo di ENI. Il progetto ha lo scopo di avvicinare i ragazzi al patrimonio artistico della propria città che in questo momento di grande difficoltà intende dare un forte segnale, sottolineando come la “ricostruzione” debba partire proprio dall’educazione dei giovani.

Ferrara, Palazzo dei Diamanti, 13 ottobre 2012 – 13 gennaio 2013
Informazioni: Call Center Ferrara Mostre e Musei, tel. 0532 244949, diamanti@comune.fe.it 

Ufficio stampa - Studio ESSECI – Sergio Campagnolo, tel. 049 663499, info@studioesseci.net, www.studioesseci.net 
Palazzo dei Diamanti 
Corso Ercole I d'Este, 21 - Ferrara 
Orari di apertura 
Aperto tutti i giorni, feriali e festivi, lunedì incluso: 
9.00-19.00 orario continuato 
Aperto anche: 1 novembre, 8, 25 e 26 dicembre, 1 e 6 gennaio 
(la biglietteria chiude 30 minuti prima) 
Biglietto d'ingresso 
Intero: euro 8,00 
Ridotto: euro 6,00 (dai 6 ai 18 anni, over 65, studenti universitari, categorie convenzionate) 
Gruppi (minimo 15 persone): euro 6,00 (1 accompagnatore gratuito ogni 20 paganti) 
Scuole: euro 4,00 (2 accompagnatori gratuiti per ogni classe) 
Gratuito: bambini sotto i 6 anni, portatori di handicap con un accompagnatore, giornalisti con tesserino, guide turistiche con tesserino, militari in divisa
Anna Scorsone

MARK RAIDPERE
A CURA DI EUGENIO VIOLA

OPENING 17 OTTOBRE 2012 ORE 19.00 
NAPOLI, FONDAZIONE MORRA GRECO LARGO AVELLINO, 17

Mercoledì 17 ottobre, alle ore 19:00, inaugura Napoli.ok, progetto site specific che Mark Raidpere presenta per la sua seconda personale negli spazi della Fondazione Morra Greco di Napoli. Il lavoro di Raidpere indaga con straordinaria sensibilità ed efficacia i dilemmi e le inquietudini dell’animo umano, la sua solitudine incoercibile, il suo tragico destino. La ricerca dell’artista parte spesso dal proprio universo familiare o assume precise connotazioni sociali, concentrandosi su persone ai margini, su fenomeni di violenza urbana o episodi da vita di strada. Tematiche differenti confluiscono in una progettualità complessa, che dal particolare è tesa a indagare, più in generale, le lacerazioni e le contraddizioni della realtà a noi contemporanea.

Le opere in mostra ben restituiscono questa complessità, rilevando motivi di continuità e divergenze nel passato e nel presente della ricerca dell’artista. Lavori quasi tutti nati da un periodo di residenza che Raidpere ha trascorso in città la scorsa estate. Di qui il titolo, tra il serio e il faceto, preso in prestito dal nome del folder sul computer nel quale Raidpere riponeva gli scatti che selezionava dopo le sue incursioni nel Ventre di Napoli. 

L’artista estone ha creato negli anni una propria cifra stilistica inconfondibile, sospesa tra sfera pubblica e privata, oggettivamente documentaria ma allo stesso tempo onirica e visionaria. Raidpere adotta uno sguardo deliberatamente introspettivo nei lavori autobiografici, aprendo uno squarcio impietoso sulla propria vita privata: 09/12/07 - 05/04/09 (2009), è un video dalla semplicità quasi ipnotica, ossessiva, che racconta della reciproca incomunicabilità col padre, motivo topico che ritroviamo anche in lavori precedenti come Dedication (2008), incentrato sul rapporto tra il padre e la madre o il suggestivo Father (2001), in cui il genitore dell’artista è colto nella solitudine melanconica della propria intimità domestica.

In occasione della mostra napoletana l’artista presenta inoltre alcune fotografie, medium che caratterizza il lavoro di Raidpere agli esordi: famosi gli autoritratti della serie Io (1997), in cui l’artista esibisce il proprio corpo nudo e tormentato dalla postura irrequieta, che comunica dolore e alienazione. Per la prima volta dopo diversi anni, Raidpere espone anche una nuova serie di autoscatti, meno drammatici e più autoironici, tutti realizzati a Napoli. L’obiettivo di Raidpere coglie attimi rivelatori e inaspettati, si perde nei meandri dei vicoli, ne registra impressioni e sfumature che restituiscono un microcosmo di accadimenti improbabili, a prima vista ironici ma che in realtà cedono il passo, ad uno sguardo più attento, a sentimenti contrastanti, sospesi tra decadimento e solitudine, paura e rimpianto, bellezza e sofferenza, vulnerabilità e isolamento, emarginazione e decadenza, separazione e distacco.

Mark Raidpere (Tallinn 1975, dove vive e lavora), è probabilmente tra gli artisti estoni più rappresentativi della sua generazione e tra i più riconosciuti a livello internazionale. Ha esposto in numerosi musei ed istituzioni in Europa e in America, tra cui: al Witte de with di Rotterdam, al Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig -MUMOK , di Vienna, al Centro Galego de Arte Contemporánea di Santiago de Compostela, 2009; al CCS Bard Hessel Museum, Annandale-on-Hudson, NY, 2008; al Kumu Art Museum, Tallinn, Estonia 2007; alla galleria Michel Rein, Parigi, 2006-08; all’Arts Santa Mònica di Barcelona, 2008; alla III Biennale di Praga, 2007; al Russian Centre for Contemporary Arts di Mosca, a Platform Garanti, Istanbul e al Kiasma di Helsinki, 2006. Ha rappresentato l’Estonia alla 51. Biennale di Venezia (2005).

On Wednesday October 17th at 7:00 pm Fondazione Morra Greco opens Napoli.ok, a site-specific project conceived by Mark Raidpere for his second solo show at the Fondazione. Raidpere’s work explores with a great sensitivity and efficacy the dilemmas and anxieties of the human soul, its incoercible loneliness, its tragic fate. His research often takes its cue from his own family’s universe but sometimes it takes on social connotations, focusing on marginalized people, urban violence and street life. All these different themes merge into an elaborate project that starts from particular situations to investigate, more in general, the misery and the contradictions of our contemporary reality. 

The works on display are a clear evidence of the complexity of Raidpere’s work, showing similarities and differences in his past and present research. Most of them were produced during Raidpere’s residency in Naples last summer. Hence the half-joking title of the exhibition, borrowed from the name of the folder on Raidpere’s computer where he put selected pictures of his sorties in the Womb of Naples. 

Over the years Raidpere has developed a unique style, suspended between the public and private sphere, objectively documentary but at the same time oneiric and visionary. Raidpere deliberately lends introspection to his autobiographical works, raising a pitiless curtain on his private life: 09/12/07 - 05/04/09 (2009), is a video narrating with hypnotic and obsessive simplicity the lack of communication with his father, a topic that can also be found in his earlier works, such as Dedication (2008), which is about the relationship between his father and his mother, or the evocative Father (2001), depicting Raidpere’s father in the melancholic loneliness of his home. 

On the occasion of the Naples exhibition Raidpere will also present new photographs, all taken in Naples, a medium that characterized his early work, including the renowned self-portraits of the “Io” series (1997), in which he shows his naked body, tormented by his restless posture, communicating pain and alienation. For the first time after several years Raidpere also exhibits a new series of self-portraits, less dramatic and more self-ironic. Raidpere’s lens captures unexpected revealing moments, gets lost in the meanders of alleys, recording impressions and nuances of a microcosm of unlikely events, which might seem ironic at a first sight but at a closer look yield to mixed feelings, suspended between decadence and loneliness, fear and regret, beauty and suffering, vulnerability and isolation, marginalization and decay, separation and detachment. 

Mark Raidpere (Tallinn 1975, where he lives and works) is one of the most representative Estonian artists of his generation, and the most well known internationally. He exhibited in various museums and institutions in Europe and America, including: the Witte de with in Rotterdam, the Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig -MUMOK, in Vienna, the Centro Galego de Arte Contemporánea in Santiago de Compostela, 2009; the CCS Bard Hessel Museum, Annandale-on-Hudson, NY, 2008; the Kumu Art Museum, Tallinn, Estonia 2007; the Michel Rein gallery, Paris, 2006-08; the Arts Santa Mònica in Barcelona, 2008; the III Prague Biennale, 2007; the Russian Centre for Contemporary Arts in Moscow, the Platform Garanti, Istanbul and the Kiasma in Helsinki, 2006. He represented Estonia at the 51st Venice Biennale (2005).

INFORMAZIONI UTILI – USEFUL INFORMATION

FONDAZIONE MORRA GRECO
Largo Avellino, 17 80138 Napoli

Alessia Evangelista
tel: +39 081210690 / +39 0815510343 www.fondazionemorragreco.com
La mostra si protrarrà fino al 7 dicembre 2012 
La Fondazione è aperta dal lunedì al venerdì dalle 10 alle 14

The exhibition runs until December 7, 2012
The Foundation is open Monday to Friday from 10 a.m. to 2 p.m.

RACCONTARE L’ANTICO: TERRA, ACQUA E FUOCO

Nel suggestivo Museo della Civiltà Romana, fino al 6 gennaio 2013 è stata allestita la mostra “Raccontare l’antico: terra, acqua e fuoco”, che propone una serie di opere realizzate con le tecniche dell’Encausto e della ceramica: un’antica tecnica pittorica applicata su muro, marmo, legno, terracotta e anche sulla tela. I pigmenti vengano mescolati a cera e fuoco che hanno la funzione di legante, racchiudendo tutte le discipline pittoriche quali l’affresco buono, la tempera, l’acquerello, la gouache e l’olio e, possono essere usati supporti quali intonaco fresco composto di grassello di calce, sabbia e polvere di marmo, e poi ancora intonaco secco, tela, carta, legno e altro.
La mostra mette in relazione due aspetti apparentemente distanti fra loro, ma legati a filo doppio dall’energia della creazione. L’arte dell’Encausto di cui Michele Paternuosto è maestro, ma soprattutto riscopritore nella contemporaneità, è un’antichissima tecnica pittorica nota ai Greci e molto apprezzata anche dai romani. La tecnica conobbe grande fortuna nelle pitture parietali e decorazioni pompeiane ed esercitò un grande fascino su Leonardo, che provò anche ad imitarla.
(Un sapere che sta rischiando di scomparire questo soprattutto per l’opera di studio e sperimentazione di Michele Paternuosto che come nessuno è risalito ai “segreti” della produzione dell’Encausto, spettacolare tecnica pittorica oggi non più riconosciuta e praticata, ma di grande fascino).
Da quella materica di Gastone Primon, artista, appunto, materico ed informale dei nostri tempi, apprezzato ceramista, che tuttavia interpreta in maniera moderna, rompendo con la tradizionale e centenaria ceramica estense. L’artista scompone e distrugge manufatti, oggetti e materie varie, per poi ricomporli e riproporli a nuova generazione, volendo evocare con ciò i momenti perennemente originari della creatività dell’uomo e del creato. Una specie di riciclaggio.
Gastone Primon recupera l’antica e consumata maestria degli antichi vasai etruschi e greci, ma anche paleoveneti, la cui creta, i cui colori e smalti sembrano proiettarsi nel vortice dei nostri giorni, distruggendo ciò che proviene dal passato vivificandolo e rigenerandolo nel presente.
I due maestri infatti coniugano le opere ispirate al recupero di un’antica tecnica pittorica ormai perduta ma sapientemente riproposta da loro. Ambedue gli artisti mettono a disposizione del pubblico i materiali e gli strumenti come il tornio, che sono alla base delle opere contemporanee realizzate secondo le procedure antiche. 
Tra i due mondi si attua un incontro, una sintesi stimolante, dove la sapienza tecnica degli avi, con l’uso delle cere, argille, terre colorate, bronzo e smalti si trasmette alla moderna sensibilità dei due brillanti operatori artistici. 
Su questo grande evento culturale che coinvolge tutti gli appassionati d’arte, di archeologia e della ricerca per il gusto ed il bello: una grande mostra espositiva presso il prestigioso Museo della capitale dedicato alla civiltà romana.

Durata della mostra fino al 6 gennaio 2013.
Orario: da martedì a domenica ore 9.00 – 14.00 (la biglietteria chiude 1 ora prima)
Biglietto €. 8,50 – ridotto €. 6,50
Roma, Piazza G. Agnelli n.10 – 00144 (EUR)
Informazioni e prenotazioni telef. 06 060608 tutti i giorni dalle ore 9.00 alle 21.00.
Anna Scorsone Alessandri

Dal 24 ottobre al 23 dicembre 2012, Palazzo Pirelli di Milano, ospita una importante mostra che celebra la figura di Salvatore Fiume, a quindici anni dalla sua scomparsa.
Nato a Comiso in Sicilia, il 23 ottobre 1915, fu pittore, scultore, architetto, scrittore e scenografo.
La mostra è curata da Alan Jones, Elena Pontiggia, Laura e Luciano Fiume, promossa dalla Regione Lombarda e dalla Fondazione Salvatore Fiume, in collaborazione con ArteSanterasmo, dal titolo Le identità di Salvatore Fiume
Il percorso espositivo di Salvatore Fiume si snoda in due sezioni distinte: nella prima, si incontreranno lavori realizzati fra gli anni 40 e 60, precedenti alla rivoluzione stilistica che fece seguito al suo viaggio a Londra nella metà degli anni 60, mentre, nella seconda, si vedranno opere eseguite nel successivo trentennio: 50 opere in tutto di cui 25 dipinti, 15 disegni, 5 sculture e 5 ceramiche – realizzate dall’artista siciliano di nascita e lombardo d’adozione; una particolare attenzione per la figura femminile..
La mostra si apre con un olio su masonite del 1946, firmato con lo pseudonimo di Francisco Queyo, pittore mai esistito, l’opera si intitola “Cristo deriso dai soldati”. Successivamente altri dipinti furono firmati come Francisco Queyo e alla mostra tenuta alla Galleria Gussoni a Milano nel 1948, il critico Leonardo Borghese scrisse che molti artisti italiani avrebbero dovuto prendere ispirazione dal maestro spagnolo. Successivamente Fiume propose una serie di lavori alla Galleria Borromini di Milano firmando con il suo vero nome, riuscendo ad entusiasmare il direttore del MOMA di New York, Alfred Barr, che decise di acquistarne una per esporla nel proprio museo. Nel 1950 fu invitato alla Biennale di Venezia per esporre il trittico Isole di statue: la rivista americana Life gli dedicò in quella occasione una pagina. Nello stesso anno fu invitato dall’Arch. Gio Ponti a realizzare il famoso transatlantico “Andrea Doria”, affondato nel 1956 al largo di Nantuchet, nel Massachusetts. (In mostra ci sarà il bozzetto di uno dei grandi pannelli che decoravano il salone di prima classe appunto dell’Andrea Doria).
Fiume creò una serie di spazi (piazze, vie, loggiati) nei quali inserì riproduzioni di opere di Donatello, Tiziano, Michelangelo, Raffaello per citarne alcuni. Gio Ponti, da grande appassionato di ceramica, e raffinato ceramista egli stesso, inserì spesso nei suoi arredi opere di Salvatore Fiume. 
Un capitolo importante della rassegna milanese sarà dedicato alla donna, un grande spazio geografico, tutto da osservare, ammirare e studiare: le fanciulle somale eleganti e flessuose, che esprimono grande dignità e consapevolezza della loro avvenenza. Il Maestro caratterizza le su modelle con il rosso dei capelli e delle calze, un colore vivido che contrasta apertamente con la pelle, quasi diafana che attrae e stimola pensieri fra l’estetico e la sensualità.
La mostra inoltre documenta un ulteriore approfondimento nella ricerca materica con la serie degli affreschi degli anni 80 – ispirati ai dipinti murari di Pompei e di quelle delle tombe etrusche di Tarquinia.
“Le identità di Salvatore Fiume” riassume il percorso artistico di questo grande Maestro, è evidente nelle sue opere il richiamo del classico condotto in chiave moderna, non sono assenti le suggestioni di un’arte concepita da una sensibilità primigenia, si intuisce l’interesse e il richiamo per la pittura rinascimentale. 
Fiume nel 1943 inizia l’attività di scrittore con il romanzo “Viva Gioconda!”, pubblicato a Milano dall’editore Bianchi-Giovini. In seguito pubblicò altri due romanzi, molti racconti, diverse commedie, una tragedia e due raccolte di poesie.
Il suo libro Pagine libere, nel 1944 contiene osservazioni molto personali sulla vita dell’arte. La sua attività di narratore, poeta e drammaturgo gli valse nel 1988, la laurea ad honorem in Lettere Moderne presso l’università di Palermo. 
Le sue opere si trovano nei musei più importanti del mondo quali i Musei Vaticani, il Museo Ermitage di San Pietroburgo, Il Museo Puskin di Mosca e il MOMA di New York.
Accompagna la mostra un catalogo della Fondazione Salvatore Fiume.
Muore a Milano il 3 giugno 1997.

Milano, Palazzo Pirelli – Spazi Eventi 1° piano
Via Fabio Filzi, 22
Orari: lunedì – venerdì dalle 15.00 alle 19.00
Ingresso libero
Anna Scorsone Alessandri

A PALAZZO MADAMA DI TORINO IN MOSTRA LE CERAMICHE DELL’ARTISTA MARIO STURANI.

Palazzo Madama presenta ed espone per un anno una selezione di dodici capolavori della Fabbrica Lenci realizzate dall’artista Mario Sturani, capolavori della produzione in ceramica vanto della cultura torinese del Novecento.
La fabbrica Lenci viene fondata nel 1919 a Torino dai coniugi Enrico e Elena Konig Scavini specializzata nella realizzazione di giocattoli in legno per poi ampliarsi con la produzione di grande successo, di pupazzi e bambole in panno colorato, il famoso pannolenci, e mobili per bambini; in seguito anche di ceramiche artistiche. Infatti la fabbrica Lenci diventa punto di incontro di artisti e fucina di idee e di notevoli talenti.
Alla mostra di Mario Sturani sono intervenuti Enrica Pagella, Direttore di Palazzo Madame e Valerio Terraroli, Professore dell’Università di Torino.
Dodici sono i lavori dell’artista collocati nella Sala Ceramiche del secondo piano. Tra le opere esposte: “Il Mondo e la Luna”, vaso che raffigura sul corpo paesaggi collinari, nelle diverse stagioni dell’anno e sul coperchio la luna e un globo che rispecchiano per via dei coperchi un po’ quelli realizzati di Gio Ponti. e le teste “Inverno e “Primavera”, i due vasi appartengono al ciclo delle quattro stagioni. Sturani si distingue non solo per la vivacità cromatica e la straordinaria fantasia nel trattare il tema, ma anche per la capacità nell’adattare l’immagine umana. Tutte e tre appartengono alla fondazione Guido ed Ettore De Fornaris; le restanti nove opere sono di proprietà privata, concesse in prestito a Palazzo Madama in occasione di questa particolare mostra.
“Arlecchino” e “Pierrot”, maschere futuriste ispirate alla commedia dell’arte e al carnevale veneziano che nascondono la prosaica funzione di posacenere; sono fra le prime invenzioni di Sturani prodotte dalla Lenci; “la Danza di contadini” e “Danza sul ponte”, le celebri “Ciotole” con scene da ballo e figure modellate in forme sintetiche e levigate, gli “Amanti sul fiore” offre invece una visione fiabesca e sognante dell’incontro fra due innamorati, la “Scalate alle stelle”, una lampada da tavolo il cui soggetto evoca il mondo ludico del circo, in una dimensione fantastica, con i piccoli che afferrano le code delle comete per raggiungere le stelle più lontane ed infine altre opere esposte sono: “Orco bottiglia”, una bottiglia vera e propria in cui viene raffigurato l’orco buono della commedia con protagonista il signor Bonaventura, messa in scena da Sergio Tofano di cui Mario Sturani curò la scenografia; “Regime secco”, una parodia futurista ambientata fra grattacieli, con un lampione dalle linee morbide e sinuose perché visto attraverso gli occhi di un ubriacone. Sono oggetti d’arredo in bilico tra scultura e funzione d’uso, dotati di espressività e ironia. 
Mario Sturani nasce ad Ancona nel 1906, illustratore ed ideatore di ceramiche, bambole, mobili e giocattoli è stato l’artista più innovativo e geniale che ha operato all’interno della Fabbrica Lenci, capace di una straordinaria ricchezza inventiva.
Dopo il trasferimento della sua famiglia da Ancona a Torino, compie i suoi studi tra il liceo classico Massimo D’Azeglio e il liceo Cavour. Nel 1924 partecipa con lo pseudonimo di Ivan Benzina alla prima mostra di Avanguardia nel sotterraneo del teatro-caffè romano, organizzata dal Movimento Futurista Torinese – Sindacati Artistici Futuristi. Nel 1925 ottiene il secondo premio nella sezione del “Bianco e Nero” avendo inviato alcune xilografie alla Seconda Mostra d’Arte Internazionale. Si iscrive all’Istituto Superiore delle Arti Decorative di Monza. Partecipa alle varie esposizioni con artisti futuristi e inizia la collaborazione con la manifattura Lenci. Le prime ceramiche sono del 1928 e l’anno successivo espone presso la Galleria Pesaro di Milano 32 opere. Dopo il soggiorno parigino riprende a lavorare alla fabbrica Lenci, fino agli anni Sessanta. Collabora con la casa editrice Frassinelli, fa esperienza di grafica pubblicitaria e si dedica ai suoi studi preferiti di entomologia.
Muore a Torino nel 1978.
La mostra inaugurata il 2 ottobre 2012 è visitabile fino al 29 settembre 2013.
Palazzo Madama – Museo Civico d’Arte Antica – Piano nobile e Sala Senato.
Piazza Castello, Torino.
Orario del museo: martedì – sabato 10 – 18, domenica 10 – 19, chiuso lunedì. 
Ingresso: intero € 10, ridotto € 8, gratuito ragazzi e minori di 18 anni.
Anna Scorsone Alessandri

FILIPPO DE PISIS

FIORI COLLEZIONATI – FIORI DIPINTI è il titolo della mostra, un prezioso omaggio all’opera del maestro Filippo de Pisis protagonista indiscusso dell’arte europea del Novecento. Sin dal 1907 l’artista ha perlustrato campi, giardini e boschi dell’Italia settentrionale alla ricerca di erbe e fiori per realizzare un erbario, rivelando una stretta relazione tra la passione botanica e la sua abilità nel rappresentare i fiori.
Filippo de Pisis, artista colto e sensibile e dal gusto estremamente raffinato, sin dai primi anni della sua produzione si impone sulla scena contemporanea dimostrando un grande talento nel dipingere in uno stile molto personale, che Eugenio Montale lo ha definito “a zampa di mosca”.
Le opere esposte 17 oli, 9 acquerelli e 8 fogli di erbario, incentrate sul tema dei fiori, che mostrano oltre alla profonda sensibilità coloristica di questo straordinario artista, capace di reinventare i generi: natura morta, paesaggio, ritratto di figura, in una scrittura pittorica assolutamente nuova, sospesa fra la cultura figurativa francese e la metafisica italiana. 
Nel 1917 l’erbario di De Pisis conta più di mille fogli infatti, consapevole di avere realizzato un opera di valore scientifico, decide di donare il suo lavoro all’Orto Botanico di Padova, custodito al Centro d’Ateneo Orto Botanico. Successivamente nel 1940, viene smembrato e disperso a causa di una diversa catalogazione..
Oggi grazie al lavoro di ricerca svolta da Paola Roncarati, ferrarese, già titolare di cattedra di lettere negli Istituti d’istruzione secondaria e in corsi sperimentali e Rossella Marcucci, padovana, laureata in Scienze Biologiche – ciascuna con specifiche competenze – hanno riportato alla luce e alla stesura di un saggio l’erbario di De Pisis arricchito da immagini e schede botaniche che testimoniano altresì la serietà scientifica della collezione esaminata. Il saggio dal titolo Filippo de Pisis botanico flàneur – un giovane tra erbe, ville, poesia, Ed. Leo S. Olschki, Firenze 2012, è stato riportato alla luce quasi per intero. Ed è proprio da questo erbario ritrovato che nasce l’idea della mostra prima a giugno 2012 a Milano presso la Fondazione Corrente ed ora a Cuneo “Spazio incontri Cassa di Risparmio di Cuneo 1855.
I fiori di De Pisis riescono a trasmettere all’osservatore quel senso di poeticità e malinconia infatti egli stesso ci svela quando scrive: “L’anima dei fiori vola via e penso con leggero spasimo al mistero che governa la vita e la bellezza”. I fiori di campo, le margherite, le rose li descrive sulla tela con brevi pennellate fissandoli nel momento del loro massimo splendore, in quanto dopo essere stati raccolti in breve tempo tendono a sfiorire. Completano l’esposizione alcuni materiali storici, pubblicazioni e fotografie, tra cui un antico trattato di botanica del ‘500 su cui de Pisis studiò.
Filippo de Pisis nasce a Ferrara nel 1896 inizia da adolescente a scrivere poesie, ma si dedica anche allo studio della pittura. Talento creativo e versatile dimostra subito un temperamento intellettuale e inclinazioni letterarie. Nel 1915 incontra Giorgio De Chirico, Alberto Savinio e Carlo Carrà restando incantato del loro modo di concepire la pittura, infatti ne condivide lo stile metafisico. L’incontro definitivo con la pittura avviene nel 1923 durante il periodo che trascorre ad Assisi. Si trasferisce a Parigi dove rimane fino allo scoppio della seconda guerra mondiale nel 1940. Durante gli anni parigini De Pisis è affascinato dai dipinti degli Impressionisti e dai Fauves che assimila e poi rielabora ottenendo così delle composizioni estremamente personali, animate da una vena malinconica. I sintomi della malattia nervosa, della quale era affetto da ragazzo, sono sempre evidenti, ma continua a lavorare. Si trasferisce a Milano fino al 1943 quando il suo studio venne distrutto dai bombardamenti. Lo stesso anno si stabilisce a Venezia dove resta fino al 1948. Continua a studiare ispirato dalla pittura di Francesco Guardi e di altri maestri veneziani del XIII secolo; successivamente a Roma scopre i toni caldi della pittura settecentesca e li riversa nelle nature morte e nei fiori, che divennero l’argomento preferito. Le sue opere ottengono il successo che meritavano soprattutto alle Biennali di Venezia nel 1948 e nel 1954, I sintomi della malattia lo portano a ripetuti ricoveri. Gli ultimi quadri sono lo specchio delle sue sofferenze i colori sono cupi esprimono un profondo malessere. Muore a Milano il 2 aprile del 1956.

La mostra a cura di Maddalena Tibertelli de Pisis, Elisa Camesasca e Cinzia Tesio è visitabile fino al 9 dicembre 2012 dal martedì al venerdì dalle 16,00 alle 20,00 sabato e domenica dalle 10,30 alle 12,30 e dalle 14,30 alle 20.00. Spazio Incontri Cassa di Risparmio di Cuneo 1855 Via Roma, 15 - Cuneo
Per le scuole disponibilità solo la mattina dei giorni feriali.
Anna Scorsone Alessandri

“ La chiave di lettura dell’opera dell’artista Luciana Bertorelli penso che sia cogliere la tensione, né risolta né risolvibile, tra il contenuto e la forma. Per fortuna, poiché se riuscisse a raggiungere un equilibrio che la soddisfacesse, smetterebbe di essere un artista che ricerca e produce, diverrebbe un’iconografa. Ripercorrendo la sua produzione vediamo , nelle situazioni impensabili, nelle pieghe di una collina o sotto una lampada “ uova “, concentrato di vita, ampiamente sparsa nei suoi quadri terra e sabbia, immobili nella loro ieraticità sculture di donne pregne. La terra – dea madre nel suo inesauribile apparire. Una forma tra il simbolico, il materico e l’informale. Sassi uovo e colori passionali, sabbie e terre, strappi ed inserzioni.”

Saona, 09 – 10 – 2012 Luigi Lirosi

Da Expo 2015 a Davide Van de Sfroos; sfide globali e identità locali si incontrano a Glocalnews
Apre il direttore artistico di Expo 2015 Davide Rampello, chiude il cantautore lariano Davide Van de Sfroos: è all’insegna del dialogo fra le dimensione globale e quella locale la tre giorni di Glocalnews, il festival del giornalismo on line in programma a Varese dal 15 al 17 novembre. Il 15 novembre alle 15.00, alla Camera di Commercio di Varese, l’incontro “Internet è glocal: comunità locali e interessi globali. Qual è lo stato dell’arte dopo venti anni?” vedrà Davide Rampello dialogare con Aldo Bonomi, sociologo e direttore di Aaster, e Luca De Biase, giornalista de Il Sole 24 ore esperto di new media e tecnologia, sulla commistione dei due livelli che si realizza nel mondo della comunicazione e dell’informazione digitale, quello che, appunto, si definisce glocal. In questo senso la grande kermesse milanese del 2015 rappresenta un palcoscenico privilegiato proprio in forza del suo tema, “Nutrire il pianeta, Energia per la vita”, dove le specificità locali dovranno incontrarsi e parlarsi per dare vita a una strategia complessiva indispensabile alle future generazioni. Rampello si occuperà del Padiglione Zero, uno dei più importanti del sito espositivo, che, nei suoi 36mila mq, dovrà svolgere il tema di Expo attraverso diverse modalità espressive. 
Il rapporto tra locale e globale, da vero e proprio fil rouge di Glocalnews, chiuderà il programma dei dibattiti con un incontro centrato sul tema delle identità e delle differenze, tra unitarietà e senso di appartenenza. “Macedonia o frullato? Tra tradizione e modernità, il senso delle identità territoriali sul web” è il titolo della conversazione tra il cantautore “laghèe” Davide Van de Sfroos, simbolo popolare della valorizzazione delle ricchezze territoriali come arricchimento per l'unità nazionale, e Aldo Bonomi. Un titolo provocatorio, che sottintende l’interrogativo sul futuro che attende società e web: l’omogeneità, come nel frullato, o la valorizzazione delle differenze in un contenitore ricco quale può essere una macedonia di frutta? L'incontro, in programma sabato 17 novembre alle ore 16.30 nella sala Campiotti della Camera di Commercio varesina, sarà coordinato da Marco Giovannelli, direttore di Varesenews e organizzatore dell'evento. 
Davide Rampello, docente universitario, consulente culturale e gestionale per istituzioni culturali nazionali ed internazionali, ha ricoperto prestigiosi incarichi in ambito televisivo, artistico e di comunicazione. Nel 2010 ha curato la mostra permanente presso il Padiglione Italiano all'Expo di Shanghai. Nel 2011 ha allestito "Tradizione e Innovazione" presso lo stesso Padiglione. Dal 2003 al 2011 è stato Presidente della Fondazione La Triennale di Milano.
Davide Van de Sfroos, vero nome Davide Bernasconi, nasce a Monza e cresce a Mezzegra, nel cuore del lago di Como. Quasi tutte le sue canzoni fanno capo al lago, al suo spirito profondo, ai suoi lati sporchi e puliti, alle sue luci e alle sue ombre. Le storie che raccontano hanno come sfondo i paesi rivieraschi, senza però perdere mai d’occhio la città. La maggior parte dei testi di Davide Van De Sfroos è pensata, scritta e cantata in dialetto tremezzino (o laghée): una lingua più che un dialetto, resa ancor più evocativa e suggestiva da storie ricche di poesia.

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SILVANA BISSOLI “QUELLO CHE GLI ULIVI CI DICONO.

Quello che gli ulivi ci dicono è il titolo della mostra di Silvana Bissoli, è una ricerca nel percorso della propria esistenza.
L’atmosfera che esala dai dipinti della Bissoli risuona di dolci e antiche armonie, gli ulivi tendono le braccia rattrappite verso il cielo lontano in una muta preghiera di salvezza, i tronchi ritorti, simulacro di una vita millenaria, cantano le lodi della natura ed in essa si avvitano in un movimento lento, ma inesorabile, tesi al raggiungimento di una perfezione, il legno gemente, si arresterà in eterna attesa. La pittura della Bissoli sconvolge per semplicità ed insieme per incisività. Queste tele “parlano”, raccontano di vite gloriose, di muti dolori, di gioie mai totali, sempre tragicamente in attesa del duro freddo con la realtà. E’ sbalorditivo come un albero possa assumere una tale varietà di forme, difficile a credere che tutto sia affidato al caso.
Queste splendide e tormentate opere di ulivi salentini è una ricerca nel percorso della propria esistenza. L’artista va a cercare e ritrovare gli ulivi, si inebria dei loro cambiamenti, e ce li racconta attraverso l’antica tecnica della pirografia, tecnica antichissima di decorazione del legno ottenuta utilizzando una punta arroventata. 
Un tempo la pirografia era una tecnica essenziale, si scavavano perfino le piroghe col fuoco e durante il Medio Evo si incideva il legno allo stesso modo. Questa tecnica era pure una forma di arte grafica: Albert Dùrer infatti ha pirografato sul legno, così anche i popoli dell’Europa Centrale e dell’America del Sud decorano con incisioni i loro vasellami, i loro oggetti ed i loro idoli. In seguito, in Occidente, la pirografia è stata sfruttata come mezzo per imprimere marchi a fuoco su prodotti di largo consumo. Tuttavia la pirografia merita di essere ripresa come attività creativa e deve essere considerata senz’altro un’arte, un mezzo d’espressione come tante altre discipline grafiche, basta che venga impiegata per dare vita ad un’opera originale, frutto di uno stimolo interiore da parte di chi l’utilizza. 
Esistono comunque molti modi per esprimere creatività, per avvicinarsi a ciò che ci emoziona e tentare di comunicarlo agli altri ed è proprio quello che l’artista fa emozionarci, il suo tratto leggero ma deciso. Il colore ambrato del tempo che custodisce in sé racconti e leggende o semplici storie di vita. 
Silvana Bissoli, originaria di Sanguinetto (VR), vive a Imola (Bologna), dove lavora nel suo laboratorio d’arte. Laureata in Scienze Politiche, giunge all’arte da autodidatta, per rispondere ad un desiderio interiore, per manifestare ciò che sente. Ed è l’incontro con l’artista pugliese Giorgio Fersini, suo maestro di pirografia a determinarne sia per la sua crescita artistica, sia per l’incoraggiamento ad esporsi al pubblico.
L’ulivo è protagonista nei suoi lavori, tratta infatti questo monumento della natura con la tecnica particolarissima della pirografia, suo strumento per eccellenza. L’artista va a cercare gli ulivi, si inebria dei loro cambiamenti, ma anche delle nuove scoperte, ne coglie sia i loro silenzi, sia il vento che ora l’accarezza, ora li scuote. Li fotografa per poi affidarli all’arte, che si manifesta nella sua piena magnificenza e unicità.
Silvana Bissoli ormai di questi alberi non può più fare ameno, infatti spesso torna nel Salento, ci invita ad ammirarne i tronchi e le folte chiome e prova a dargli la parola, invitandoci a porgere l’orecchio a… Quello che gli ulivi ci dicono. Ed ogni volta, con questa sensibilità non comune, ritroviamo l’artista a donare nuove opere attenta a non accadere nulla agli Ulivi, si limita a rappresentare la natura che la circonda, l’umanità che “accanto” a lei vive, si con tecnica raffinata, ma non è questo a distinguerla, è il modo, l’ansia l’amore che è presente in tutte le sue opere che costringe alla riflessione. 
Per questa ragione sarà cura di Silvana Bissoli essere presente per tutto il periodo della mostra, disponibile a parlare con chi è interessato al suo lavoro, di ciò che esprime e desidera comunicare, illustrare la sua tecnica, una modalità inusuale, ma efficace per incuriosire, avvicinare ed approfondire. 

La mostra è stata inaugurata il 10 novembre ore 18 – presso Tedofra ArtGallery – Via delle Belle Arti 50 – Bologna ed è visitabile fino al 21 novembre 2012
Apertura dal lunedì al venerdì 10-13 / 16-18 – sabato 16-19. Domenica 10,30-13.. 
Anna Scorsone Alessandri

Errico Ruotolo. Opere dal 1960 al 2007
Napoli, Castel Sant’Elmo
23 novembre 2012 - 6 gennaio 2013
Venerdì 23 novembre 2012, alle ore 18.00, verrà inaugurata la mostra monografica - curata da Giuseppe Morra e Gabriele Frasca - dedicata all’opera di Errico Ruotolo, uno dei maggiori protagonisti del laboratorio artistico napoletano a partire dalla fine degli anni Cinquanta.
Un appuntamento espositivo finalizzato a indagare lo sviluppo creativo dell’artista, la sua poetica, il suo impegno sociale, il rigore formale scandito da sperimentazioni e verifiche che hanno reso la sua arte non un esercizio autoreferenziale ma una pratica etica, e dunque una forma di politica, se per politica intendiamo lo slancio partecipativo con cui un artista coglie nella loro drammatica attualità le dinamiche sociali.
Un percorso di ricerca, quello di Errico Ruotolo, elaborato attraverso esperienze materiche di peculiare intensità espressiva: dagli esordi, centrati sullo studio della forma nei suoi rapporti con lo spazio, fino a un processo compositivo che diviene sempre più espressivo, gestuale, ricco di spessore. La parabola di Ruotolo, senza mai ripiegarsi in maniera, incontra, metabolizza e supera un’infinità di stimoli e procedimenti: dalle influenze oggettuali al concettuale (carte colorate, ritagli di giornali, plexiglass forati, vetri saccheggiati, legni intagliati, stagnole ripiegate), dall’uso della scrittura (cancellata o rimaneggiata) alla centralità dell’immagine alterata da un gesto pittorico dinamico, tendente all’astrazione lirica, fino alla polverizzazione delle forme, espressionisticamente lacerate, scalfite persino dall’immaginario mediale.
La mostra è realizzata dalla Soprintendenza speciale per il patrimonio storico, artistico, etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Napoli e dalla Fondazione Morra, in collaborazione con l’Accademia di Belle Arti di Napoli e la Fondazione Premio Napoli.
Saranno esposte oltre 70 opere, con un rimando anche ai lavori di Ruotolo esposti nel museo di Castel Sant’Elmo ‘NOVECENTO A NAPOLI (1910-1980) PER UN MUSEO IN PROGRESS’; all’interno della mostra un particolare nucleo d’interesse per la definizione critica dell’artista è dedicato alle opere che la famiglia Ruotolo ha recentemente donato alla Fondazione Morra.
L’esposizione si inquadra nel progetto della Soprintendenza di approfondire le tematiche artistiche delineate in 900 a Napoli, non a caso sottotitolato per un museo in progress e della Fondazione Morra di analizzare e valorizzare il lavoro di alcuni artisti che negli anni Sessanta hanno dato un forte contributo poetico-creativo alla realtà napoletana (basti pensare a LUCA/Luigi Castellano, Augusto Perez, Renato Barisani, Domenico Spinosa, Salvatore Cotugno...).
Per la Fondazione Premio Napoli, invece, fra i cui compiti spicca quello di promuovere le eccellenze della cultura cittadina, si tratta dell’inizio di un percorso sull’arte dagli anni Sessanta a oggi, che condividerà con la Fondazione Morra e con l’Accademia di Belle Arti.

L’esposizione sarà completata da diverse iniziative:
Nell’Auditorium, avrà luogo ‘Un uomo speciale’, una rassegna poetica interamente dedicata alle opere di Errico Ruotolo ispiratrici di poesie, a cura di Nietta Caridei, secondo il seguente calendario:
23 novembre, ore 19: reading di Tommaso Ottonieri;
13 dicembre, ore 18,30: reading di Carmine De Falco, Raffaele Di Stasio, Bruno Galluccio, Stefania Vacca, Daniele Ventre;
19 dicembre, ore 18,30: reading di Giovanni Campi, Bruno Di Pietro, Claudio Finelli, Carmen Gallo, Antonio Maggio;
21 dicembre, ore 18,30: Sul punto di partenza del ritorno, concerto di Enzo Nini e Gabriele Frasca con Patrizia Di Martino, azioni visive a cura di Maurizio Magnetta.

Nel marzo 2013 l’Accademia di Belle Arti, a seguito del restauro di tre opere su tela del Maestro effettuato dagli studenti del laboratorio per il restauro di opere contemporanee di Paola Del Vescovo, ospiterà il Convegno di Studi dedicato a Errico Ruotolo, a cura di Giovanna Cassese.

Il Catalogo, curato da Giuseppe Morra e Gabriele Frasca per le edizioni Morra, raccoglie testi di Mario Franco, Mario Persico, Nicola Spinosa, Angela Tecce, Gabriele Frasca, Giovanna Cassese, cyop&kaf. Progetto grafico e design di Vincenzo Bergamene. Gli apparati, il testo ivi redatto e l’antologia critica sono a cura di Loredana Troise.

Giorni e Orario di visita:
Venerdì e Sabato dalle ore 14,00 alle ore 19,00
Domenica dalle ore 9,00 alle ore 19,00

Informazioni:
Castel Sant’Elmo, via Tito Angelini, 22 Napoli
www.polomusealenapoli.beniculturali.it

Fondazione Morra
www.fondazionemorra.org
tel.0815641655 fax 0815641494
erricoruotolo@fondazionemorra.org

Ufficio Stampa
Soprintendenza: Simona Golia tel. 081 2294478 fax 081 2294498
sspsae-na.uffstampa@beniculturali.it

IN MOSTRA I CAPOLAVORI DI GIOVANNI BELLINI..
Giovanni Bellini: Dall’icona alla storia, Museo Poldi Pezzoli, Milano.
La mostra aperta fino al 25 febbraio 2013, ruota intorno al dipinto del Cristo morto (1457), sua opera giovanile con la quale egli si misura con il tema della Pietà, partendo dal modello bizantino all’immagine pienamente rinascimentale - umanistica. L’opera verrà affiancata: “Cristo in Pietà tra la Vergine e San Giovanni” (1460) dell’Accademia Carrara di Bergamo, “Cristo morto sorretto da due angeli” (1465) del Museo Correr di Venezia, “Cristo morto sorretto da quattro angeli” (1470) del Museo della città di Rimini. Dipinti di precursori ed epigoni di Bellini per far comprendere l’impatto che egli ebbe non solo sulla pittura contemporanea, ma anche sul gusto e sul collezionismo delle diverse epoche. In mostra anche un’analoga opera di Antonio Vivarini, maestro dello stesso Bellini, completano la mostra le opere di alcuni epigoni con la figura di Cristo che passa dal fondo scuro dell’epoca bizantina ai paesaggi rinascimentali di campi, rocce e città. Giovanni Bellini, figlio dell’affermato pittore veneziano Jacopo, costituisce insieme al fratello Gentile, la più importante famiglia di pittori di Venezia. Nasce a Venezia intorno al 1430 (non si conosce la data esatta dell’artista), pittore del Rinascimento noto anche con il nome di Giambellino. La sua carriera, è costellata d’importanti incontri e molteplici influenze che spiegano le variazioni del suo stile. 
Giovanni Bellini nel 1460 iniziò la serie delle Madonne col Bambino, che caratterizzò come tema tutta la sua carriera. Immagini di dimensioni piccole e medio piccole, destinate alla devozione privata. Si tratta di opere come la Madonna col Bambino a Pavia, Pinacoteca Malaspina; quella di Filadelfia; la Madonna greco della Pinacoteca di Brera a Milano, la Madonna col Bambino, Milano, Pinacoteca del Castello Sforzesco; la Madonna Lehman a New York, Metropolitan Museum. In queste opere si notano gli influssi e le innovazioni della pittura veneziana, introducendo nell’ambiente lagunare le novità dell’arte rinascimentale. La prima produzione di Giovanni Bellini ha caratteristiche già proprie forse anche per il rapporto tra madre e figlio un rapporto di pathos profondo. I modelli compositivi riprendono quelli delle icone bizantine, ripresi in alcuni casi con estrema fedeltà, figure vive capaci di instaurare un intimo rapporto con lo spettatore. Bellini riesce a fare una sintesi originale con quanto appreso dal maestro Andrea Mantenga il risultato è decisamente originale. Egli crea e ottiene una pittura in cui il colore e la luce creano un effetto di spazialità nuovo, senza far ricorso alle architetture in prospettiva, perché hanno un diverso grado di luminosità. Da questa svolta stilistica dell’arte, Bellini inizia la grande pittura veneziana, una pittura fatta di colore e di luce, che verrà poi proseguita da Giorgione e da Tiziano. 
La mostra è stata preceduta da un’attenta campagna di studi e di analisi scientifiche, per indagare la storia delle opere esposte, chiarendo alcuni aspetti legati alla loro storia. I dipinti selezionati tutti realizzati per la devozione privata: le ricerche svolte in occasione della mostra hanno riguardato le vicende collezionistiche e le committenze originarie delle opere per ricostruire il contesto culturale in cui esse nacquero e approfondire il tema della riscoperta della pittura del Rinascimento veneziano, e di Giovanni Bellini in particolare. Nella mostra saranno presentate al pubblico anche le opere del Rinascimento veneto del Museo Poldi Pezzoli, realizzate nella seconda metà del Quattrocento, opere che dimostrano quanto l’innovativo linguaggio artistico belliniano influenzò gli altri maestri veneziani suoi contemporanei. Nel 1515 Bellini datò l’ultimo suo dipinto, il Ritratto di fra’ Teodoro da Urbino, e iniziò a lavorare su un’altra composizione pittorica il Martirio di San Marco, che rimase incompleta. Giovanni Bellini muore a Venezia il 26.11.1515. 
La mostra sarà anche l’occasione per approfondire e mettere a fuoco il gusto e gli interessi dei collezionisti. L’evento ha ottenuto il contributo di Regione Lombardia Istruzione, Formazione e Cultura. 
Museo Poldi Pezzoli - Via Manzoni 12 Milano – Apertura: da mercoledì a lunedì, dalle 10,00 alle 18,00 – chiuso il martedì – ingresso 9 €, 6 € ridotto, bambini fino ai dieci anni gratuito. 
Anna Scorsone Alessandri

IN MOSTRA LE OPERE DI PIETRO D’AGUANNO

E’ stata inaugurata giovedì 15 novembre alle ore 19 nella splendida cornice del Palazzo dei Normanni Sala Duca di Montalto la mostra antologica di Pietro D’Aguanno dal titolo “Pietro D’Aguanno: Opere 1964 – 2012” a cura di Maria Antonietta Spadaro e Paola Nicita ed organizzata dalla Fondazione Federico II. Un evento che ripercorre la storia artistica del pittore siciliano, dai paesaggi dove troviamo luci riflesse, giocate tra mille gradazioni di colori e le composizioni ottenute inserendo frammenti di antiche tele o anche opere con fotografia e oggetti applicate sulla tela creano un effetto notevole.
Nelle sue opere sono presenti racconti della nostra storia più tragica, narrata attraverso il pennello e la carta delle pagine di cronaca dei giornali di quel tempo. 
Una personalità mite e discreta che ama il silenzio del proprio studio e, ancor di più lavorare nella sua casa dello Stagnone di Marsala.
D’Aguanno ha sempre dipinto senza controllare ciò che accadeva fuori dalla sua finestra: non si preoccupa di mischiare sperimentazioni tecniche e forme, dal figurativo all’astratto, senza seguire mode o correnti, ha sempre dipinto in assoluta libertà, un percorso personalissimo che si snoda in più di cinquant’anni di lavoro.
Quella di D’Aguanno come dice Francesco Cascio, Presidente della Fondazione Federico II e dell’Assemblea Regionale Siciliana … è una mostra che parlerà a ogni cittadino siciliano, ma che dirà qualcosa di noi anche ai numerosi turisti che giornalmente visitano Palazzo dei Normanni e le Sale Duca di Montalto.
Pietro D’Aguanno, nasce il 4 febbraio del 1935. si forma con Giovanni Varvaro e Alfonso Amorelli. Docente di disegno tecnico e architettonico e di educazione artistica dal 1957 al 1985, ha scelto sempre la pittura, come mestiere, nel significato più alto del termine. Ha scavato nelle tecniche e nei linguaggi del passato al punto di potere affrontare il restauro di un’opera del 400 o 800 con la stessa abilità di un grande conoscitore.
In età matura, imbocca i sentieri della sperimentazione: si interessa sempre di più alla ricerca cromatica e spaziale, la possibilità di dare consistenza volumetrica, spessore e dinamismo alla materia, che sembra palpitare e guidare nei suoi anfratti l’occhio scrutatore facendolo immergere nei misteriosi meandri di cave e di paesaggi aspri come masse magmatiche, paesaggi dove i tragici eventi ambientali ne minacciano l’equilibrio.

La mostra sarà visitabile presso il Palazzo dei Normanni – Sale Duca di Montalto, Via del Parlamento n.1 fino al 9 dicembre 2012, tutti i giorni dal lunedì al sabato con il seguente orario 8,15/17,40 – domenica e festivi 8,15/13.00. Il biglietto di ingresso alla mostra ha un costo di 3 euro. 
Anna Scorsone Alessandri

Caro Bambino, torna a giocare con noi!
a cura di Giuseppe Salerno

Località: Tuscania
Spazio espositivo: Magazzini della Lupa, Via della Lupa 10
Periodo: 15 dicembre – 6 gennaio (venerdì, sabato e domenica)
Orario: venerdì e sabato 16.00-19.00
domenica 11.00-13.00 + 16.00-19.00
Titolo: Caro Bambino, torna a giocare con noi!

Artisti: Gabriella Amato, Omero Angerame, Luigi Ballarin, Alessandra Barocci, Francesco Bellissimo, Toni Bellucci, Claudia Berardinelli, Wanda Bettozzi, Nello Bocci, Mario Boldrini, Antonella Catini, Luigi Cioli, Gerardo Di Salvatore, Elisabetta Ecca, Luigi Ferretti, Laura Gaddi, Maty Galafante, Benedetta Jandolo, Massimo Jatosti, Monica Lasconi, Ambra Loreti, Lughia, Valeria Mariotti, Anna Massinissa, Giulio Cesare Matusali, Cinzia Mastropaolo, Gabriele Mazzara, Massimo Melchiorri, Massimo Melloni, Gabi Minedi, Adamo Modesto, Vittoria Panunzi, Rosella Passeri, Marcello Paternesi Meloni, Caterina Prato, Michele Radogna, Elvi Ratti, Rossella Ricci, Rodolfo Roschini, Simona Salvuccelli Ranchi, Eugenio Sgaravatti, Anna Staccini, Duccio Trincarelli, Franco Zingaretti.

Organizzazione: Magazzini della Lupa
Curatore: Giuseppe Salerno

Vernissage: sabato 15 dicembre ore 17.00

“Caro Bambino, torna a giocare con noi!”. Questo, riecheggiando una nota canzoncina, è l’appello lanciato dagli artisti nella certezza che il gioco, fattore imprescindibile nell’arte, possa e debba ricoprire un ruolo centrale nel processo di rinnovamento della società. 

In un mondo fallimentare, alienato in nome del denaro a produzioni e consumi fini a se stessi, siamo giunti, smarrito ogni punto di riferimento, ad un passo dal baratro. Di fronte alla necessità impellente di un radicale cambio di rotta, gli artisti, pronti a mettere tutto in gioco a cominciare da se stessi, lanciano il loro messaggio. 

Nell’infanzia è attraverso il gioco che il mondo reale si intreccia con quello fantastico ed è con tale modalità, che il bambino matura esperienza, cresce in conoscenza e fa proprio il piacere dell’invenzione e della costruzione. Un piacere, quello del gioco, al quale, dopo che ci ha tenuti a balia per l’intera adolescenza, voltiamo le spalle una volta adulti.

Una grave perdita questa sconosciuta all’arte. Alimentata da un’inesauribile desiderio di conoscenza, la giocosità che accompagna il bambino alla scoperta del mondo permane in quegli artisti che, continuando a navigare tra meraviglia, pensiero ed emozione, manifestano l’urgenza insopprimibile di rendere visibile il proprio sentire ogni volta che danno alla luce opere a null’altro finalizzate che ad affermare se stesse.

Se nel gioco c’è il senso della vita, ogni essere umano ha il dovere di mantenere alto l’ascolto nei confronti del bambino che è in noi e di alimentare attraverso il gioco la propria vitalità, pena una piatta sopravvivenza, preludio alla fine imminente. 

E così, di fronte allo smarrimento generale che segna i nostri giorni, gli artisti ci invitano, senza esclusione alcuna, ad abbandonare le false “certezze” del recente passato per lasciare spazio ad un fare capace, con la gioia del bambino, di dare ossigeno al futuro.

Giuseppe Salerno

Contatti:
Giuseppe Salerno
salernogiu@tiscali.it
3391700429

Mirna Manni
magazzinidellalupa@libero.it
3283419698

Fino al 27 gennaio la mostra per raccogliere fondi per prevenire il randagismo felino
500 gatti di tutto il mondo in mostra a Salò.
L’insolita collezione è stata donata al Comune dal chirurgo plastico Giovanni Botti, che l’ha realizzata in 30 anni. Grazie alle sue pazienti.

Provengono da ogni angolo del mondo, hanno forme, dimensioni e colori diversi. Sono gli oltre 500 gatti protagonisti di "Gattarte 500 + 1 felini”, la mostra in corso a Salò  organizzata dal telefono Difesa animali e dal comune di Salò che sarà aperta fino al 27 gennaio 2013. Un’iniziativa curiosa, che ha come obiettivo la raccolta di fondi per prevenire il randagismo gattile. Ancora più curiosa è la storia che riguarda questa collezione, che comprende in tutto mille pezzi e che è stata donata al comune di Salò dal chirurgo plastico Giovanni Botti, presidente dell’Associazione Italiana di Chirurgia Plastica Estetica. 
Definiti da Leonardo da Vinci dei “capolavori”, i gatti sono gli animali che più rappresentano l’ideale di bellezza e perfezione delle proporzioni. E proprio un micetto di ceramica, è l’animale con cui Botti decise di abbellire il suo studio all’inizio della sua carriera, oltre 30 anni fa. «Amo tutti gli animali, ma ho una predilezione per i felini – afferma il chirurgo -. Certo, non avrei mai pensato di dar vita a una collezione così assortita. Tutto è iniziato con un piccolo gattino di ceramica: una paziente lo notò e, dopo essere stata operata, me ne regalò un altro pensando, a ragione, che mi piacessero i mici. Vedendo due gattini nella sala d'attesa del mio studio altre pazienti fecero la stessa riflessione e me ne regalarono ancora. Poco alla volta le statuette di gatti si sono moltiplicate a dismisura, fino a raggiungere l'incredibile numero di mille. Sono tutti esemplari regalati dai miei pazienti, ad eccezione del primo. E provengono da ogni paese del mondo». 
Gatti artistici, gatti utili, gatti decorativi, gatti “griffati”. Insomma, “tutti i gatti che non ti aspetti”. Una collezione unica nel suo genere e di considerevole valore, che Giovanni Botti ha deciso di donare al Comune di Salò che, come recita la lettera di donazione, “ne potrà disporre liberamente per gli scopi culturali, sociali, turistici e didattici oltre che di prevenzione del randagismo gattile o per promuovere raccolte, aiutare associazioni libere o riconosciute che si occupino della sterilizzazione, cura e manutenzione dei gatti randagi”. 
Lo scopo di Gattarte è sensibilizzare tutti i visitatori a favore dei gatti meno fortunati per antonomasia, ossia i randagi. La mostra, che è stata allestita nella Torre dell’Orologio, in centro a Salò, senza costi per il Comune grazie all’opera dei volontari, al sostegno di alcuni sponsor, e a Publiradio srl, è stata inaugurata il 21 settembre e sta riscuotendo molto interesse e partecipazione. E’ possibile visitarla nei pomeriggi di venerdì, sabato e domenica fino al 27 gennaio 2013. L’ingresso è a offerta libera, il ricavato sarà devoluto all’Associazione Telefono Difesa Animali.

Info: Silvia Perfetti 346/9488777 – sperfetti@eoipso.it

MIMMO GERMANA’ IN MOSTRA A CATANIA.

Tra Cielo e Terra è il titolo della mostra del Maestro Mimmo Germanà a cura di Giovanni Gibiino e testo di Achille Bonito Oliva.
L’esposizione raccoglie una selezione di 25 tele del maestro della Transavanguardia.
Nato a Catania nel 1944, pittore autodidatta, nomade della pittura, da giovane svolge il servizio militare a Palmanova (Friuli Venezia Giulia) dove vince un premio di pittura estemporanea. 
Mimmo Germanà, dopo un periodo di ricerca orientata verso lo spazio-ambiente realizzando installazioni con vari elementi e lavori influenzati dal clima post-concettuale conquista la Biennale di Venezia nel 1980. Nel 1987 conquista il Premio Gallarate, artista dalla personalità complessa, anticonformista e tenace. Ha costruito un mondo tattile nell’immaginario, i cui temi fondamentali sono le figure femminili dai caratteristici volti ovali spesso fluttuanti nello spazio e gli incantevoli paesaggi dagli alberi stilizzati che contrastano con il fondo: una fantasia abbagliante, colorata, rapida, adatta al suo stile onirico e trasognato.
Germanà fu lanciato da Achille Bonito Oliva nell’ambito della Transavanguardia negli anni Ottanta insieme con Cucchi, Chia, Clemente, Di Maria, Paladino. Diventa quindi uno dei primari protagonisti di questa corrente esponendo nei vari Musei, dall’Europa all’America, e solo la timidezza e il riserbo, non lo trasformano il protagonista assoluto.
La sua pittura è di stampo popolaresco con le sue forti accentuazioni simboliche tale da essere definito lo Chagall italiano 
E’ stato l’artista che più di tutti ha dato vita ad un espressionismo mediterraneo per i colori vivaci stesi con forza e senza alcuna gradazione tonale. Egli accosta pochi colori simili tra loro, con l’evidente intento di rafforzare il contrasto timbrico, un evidente gusto per la decoratività. 
Scrive Achille Bonito Oliva nel suo testo… “Un ritmo scorrevole regge la pittura di Germanà, fatta di spessore e pennellate dense, di colori cupi e di materie forti. Egli cerca di costruire un mondo tattile dell’immaginario, dove le figure, acquistano una tridimensionalità fatta interamente di pittura, carne e pelle incorporate dentro l’alveo del quadro. Perché il quadro è l’alveo specifico dentro cui si muovono le immagini, corposamente rimpinguate della sostanza del segno e del colore. Una pittura cosmica afferra i singoli particolari e li cala dentro il flusso del colore come continuo divenire…
A Germanà non è mai mancata l’attenzione della critica più avvertita, in una valutazione alta del suo lavoro, si scopre amante del mito delle origini, con l’immagine che vaga nell’intricato labirinto di una natura che mette ansia, timore indefinibile, paura. Come egli stesso scrive: “La mia pittura ha un suo stato d’animo che non è esattamente il mio, si identica in parte, si sente la provenienza, si riconosce il mio temperamento, ma è un’entità autonoma… Direi che la storia dei miei quadri è una storia che vive parallelamente a me, magari mi attraversa, ma non è la mia storia umana, forse la mia storia esistenziale, la storia del mio pensiero, ma non è la mia storia biologica”. 
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Muore a Busto Arsizio (Varese) il 18 maggio del 1992 all’età di quarantotto anni. 

La mostra sarà visitabile fino al 17 dicembre Side - A Modern Art Gallery – Viale Vittorio Veneto, 5 – Catania 
Orario: martedì – sabato 10 – 13 e 17 – 20 - ingresso gratuito.
Anna Scorsone Alessandri

SOPRAFFACTIONS MATERA 
Località: Matera
Galleria: ex Ospedale di San Rocco
Indirizzo: Piazza San Giovanni
Periodo: 8 dicembre 2012 – 6 gennaio 2013
Orario: 09.00/13.00 – 16.00/20.00
Titolo: SOPRAFFACTIONS MATERA
Artisti: Luigi Ballarin, Claudio Bozzaotra, Enrica Capone, Dario Carmentano, Maria Credidio, Gerardo Di Salvatore, ElleplusElle, Mariella Gentile, Alfredo Granata, Luigia Granata, Pino Lauria, Lughia, Mirna Manni, Anna Massinissa, Gabriele Mazzara, Pinella Palmisano, XO, Franco Zingaretti
Curatori: Giuseppe Salerno, Francesco Canestrini
Organizzazione: InArte Fabriano, Antonio Rosa della Soprintendenza BAP della Basilicata
Ente Promotore: Soprintendenza per i Beni Architettonici e Paesaggistici della Basilicata
Collaborazioni: Soprintendenza per i Beni Architettonici e Paesaggistici di Salerno e Avellino
Liceo Artistico “Carlo Levi” di Matera
Patrocini: Regione Basilicata, Provincia di Matera, Comune di Matera 
Allestimento: Lughia, Biagio Antonio Lafratta della Soprintendenza BAP della Basilicata
Presentazione e inaugurazione sabato 8 dicembre 2012 ore 17.00
Saranno presenti: Attilio Maurano (Direttore Regionale per i Beni Culturali e Paesaggistici della Basilicata), Francesco Canestrini (Soprintendente per i Beni Architettonici e Paesaggistici della Basilicata), Gennaro Miccio (Soprintendente per i Beni Architettonici e Paesaggistici di Salerno e Avellino), Mario Bozzo (Presidente Fondazione CARICAL), Giuseppe Salerno (ideatore del progetto), Vincenzo Viti (Assessore alla Formazione Regionale della Regione Basilicata), un rappresentante istituzionale della Provincia di Matera, Salvatore Adduce (Sindaco del Comune di Matera)
Con Sopraffactions Matera tre artisti lucani, Dario Carmentano, ElleplusElle e Pino Lauria, presentano opere che, mettendo in discussione l’inviolabilità dell’arte, nascono da veri e propri interventi di sopraffazione. Il progetto parte nel 2009 quando, per un’esposizione romana, Luigi Ballarin, Gerardo Di Salvatore e Lughia produssero ciascuno quattro opere che, divenute oggetto di scambio fra gli artisti stessi, furono la base per la realizzazione di lavori a firma del secondo artista. L’esperienza, replicata a Fabriano, Cosenza, Salerno e Viterbo, porta oggi in mostra a Matera 18 artisti con 72 opere nel formato 100x100.
Ogni evento, per sua natura ineluttabilmente contestualizzato, è sopraffazione perpetrata da parte di qualcosa o qualcuno nei confronti della realtà circostante che ne risulta, sempre e comunque, modificata. Tutto è sopraffazione. Ed è proprio questo intervenire sul preesistente, sia esso naturale o opera dell’uomo, a determinare, prescindendo da attribuzioni di valore, l’inarrestabile divenire dell’universo.
Nella piccolezza della condizione umana, l’opera d’arte, che nel suo prodursi è anch’essa sopraffazione, sembrerebbe godere da sempre, in quanto espressione alta di una azione/pensiero in sé compiuto, di una sorta di diritto all’inviolabilità.
Con “Sopraffactions”, al pari di ogni realtà in divenire, l’arte si manifesta a noi non più soltanto come pura convergenza di forma, materia e colore ma anche quale sedimentazione di percorsi e intelligenze diverse. Un essere, quello dell’oggi, che fa agio sul passato e, inerme, si offre a futuri interventi.
L’esposizione sarà occasione per la conduzione, a cura di Antonio Rosa e Stefania Ugatti, della III edizione della sperimentazione “Voi vedete ciò che gli altri non vedono: l’arte raccontata dal pubblico”.
“L’iniziativa si propone di favorire un nuovo e più coinvolgente approccio del pubblico all’arte e all’architettura contemporanea e, in generale, ai fenomeni culturali, attraverso l’attivazione di momenti di incontro estemporanei; spazi in cui condividere l’esperienza della visita, comunicare e confrontare valutazioni e osservazioni, emozioni e visioni suscitate dalle opere in esposizione per trarne ulteriori opportunità di arricchimento e di crescita.” (Francesco Canestrini)
La sperimentazione sarà condotta dalla Soprintendenza per i Beni Architettonici e Paesaggistici della Basilicata in collaborazione con la Soprintendenza per i Beni Architettonici e Paesaggistici di Salerno e Avellino e la partecipazione del Liceo Artistico “Carlo Levi” di Matera.
Giuseppe Salerno
contatti: 
Giuseppe Salerno
salernogiu@tiscali.it
tel. 3391700429

Sarà inaugurata Venerdì 30 Novembre 2012 alle ore 17,30 nella città di Alcamo, presso il “Centro Congressi Marconi “ Corso VI Aprile la mostra d’arte contemporanea “PIATTO D’AUTORE”. La mostra organizzata e curata dall’Associazione Culturale Ricercarte di Palermo, presenta 48 lavori eseguiti su un piatto di argilla coinvolgendo Artisti affermati ed emergenti del territorio.

L'intenzione è quella di risvegliare il concetto di crescita e di confronto, di interazione tra le arti per lo sviluppo di un progetto comune ed unico, nel rispetto delle esperienze personali svolte fino a quel momento, con l'unica certezza di voler comunicare con l'esterno senza vincoli scenografici. Il piatto come mezzo per comunicare le proprie emozioni senza tralasciare i contenuti che sono importanti in questo momento di confusione e smarrimento.
Piatto come specchio del quotidiano.

ELENCO ARTISTI. Tiziana Ardagna, Arturo Barbante, Luciana Barletta,
Marisa Battaglia, Ilenia Bevacqua, Butera-Ferrara, Peppe Caiozzo, Edoardo Cascio, Giovanni Castagnetta, Germana Chentrens, Giovanni Cicchi, Pierina Ciulla, Carlo Comito, Bartolomeo Conciauro, Anna Domenica Culotta, Sergio D’Amore, Sergio Di Leonardo, Stefania Di Lorenzo, Silviu Dranga, Liliana Errera, Pietro Espedito, Antonella Farinella, Maria Teresa Fazio, Giovanni Ferrante, Naire Feo, Nicola Figlia, Maria Grosso, Piera Ingargiola, Valeria La Piana, Maria Lo Duca, Gaspare Lombardo, Roberta Marotta, Caterina Mazzara, Marco Mirabile, Maria Rosa Mucaria, Tommaso Nicastri, Aldo Palazzo, Maria Laura Riccobono, Carmela Maria Russo, Angela Sarzana, Maurizio Scaldara, Nancy Sofia, Antonella Stillone, Trapani –Calabretta, Maria Felice Vadalà, Caterina Vicari, Maria Giovanna Vincenti, Tiziana Viola Massa.
Piatto d’Autore dal 30.11 al 5.12.2012, Centro Congressi Marconi, Corso VI Aprile Alcamo (TP) – Orario: 10.00/13.00 – 17.00/20.00

Associazione culturale 
RICERCARTE
www.ricercarte.com

GEORGE GROSZ IN MOSTRA ALLA GALLERIA 
DE’ FOSCHERARI DI BOLOGNA.

La Galleria de’ Foscherari ha allestito una mostra dedicata al grande maestro George Grosz. presentata da Pasquale Ribuffo e nel contempo inaugura anche la stagione espositiva della Galleria L’esposizione riguarda il periodo berlinese, compreso fra il 1912 e 1931, durante il quale Grosz dà il meglio di sé, prima di rifugiarsi negli Stati Uniti per sfuggire al nazismo.
In esposizione circa venticinque lavori tra oli, disegni ed acquarelli, nelle quali il realismo di Grosz appare più ricco e maturo, nonché di straordinaria attualità. 
Il periodo berlinese è ampio e ricco di avvenimenti culturali e drammi storici, è necessario distinguere almeno una fase giovanile, peraltro affollata di opere, soprattutto disegni; un periodo in cui l’artista attraversa felicemente tutte le avanguardie, dal cubismo all'astrattismo e l'approdo alla Nuova Oggettività, dove si realizza pienamente la vicenda artistica, culturale e morale di un intellettuale che ha apertamente combattuto il conformismo borghese e il militarismo. Proprio a questo periodo si riferiscono le oltre venticinque opere in mostra. Come scriveva in suo testo Claudio Alessandri: …”I disegni, gli acquerelli colpiscono il visitatore: pochi tratti lievi per raccontare la bellezza di nudi femminili dalle rinascimentali rotondità, una bellezza tutta muliebre, giunta al culmine in bilico tra la maturità splendente ed il prossimo decadimento fisico ed estetico; in contrapposizione a questa bellezza sfacciata e senza titubanze interpretative, Grosz ci offre la realtà scomoda e che come tale, l’opulenta società consumistica dei nostri giorni. I suoi uomini d’affari, i politici e i militari, abbandonata quasi totalmente la parvenza umana, si trasformano in esseri repellenti il cui tratto bestiale ci aiuta a comprendere la violenza di un mondo che fa della sopraffazione e del successo l’unica vera aspirazione. Ai colori caldi e delicati delle esuberanti forme femminili, che presuppongono un amore totale dell’artista per un mondo dominato dalla bellezza e dall’armonia, si contrappongono gli inchiostri e gli acquerelli freddi e taglienti dei personaggi “negativi” di una società che non ha una cittadinanza ma, sparsa sull’intero pianeta, tenta di soffocare con un sopruso, ogni aspirazione alla vita, all'amore, al sogno…”
Grosz fu anche uno dei primi a aderire al dadaismo: i suoi collages, spesso composti in collaborazione con John Heaertfield, furono tra i primi esempi di questa espressione artistica; le sue creazioni “mixed media”, un insieme di acquerello e ritagli, risalgono appunto al periodo Dada. 
George Grosz nasce il 26 luglio 1893 a Berlino, studiò all’Accademia di Dresda, con l’intenzione di diventare un pittore di storia. Esegue quindi copie di opere di maestri antichi, in particolare di Rubens, esposti nella pinacoteca di Dresda, eseguendo anche disegni per giornali e riviste satiriche utilizzando lo stile della caricatura. Le uniformi, le drammatiche rappresentazione di battaglie storiche, stimolano la fantasia di Grosz al disegno. L’artista dipinge la completa caduta di valori, la vittoria della materialità sull’assenza spirituale e asfittica degenerazione sessuale. Il suo stile duro e spigoloso, talvolta infantile e pornografico, o ideale per illustrare persone misere, prostitute, ubriachi, assassini, soldati feriti, con una violenta componente di critica sociale nei confronti della spietata avidità dei ceti dirigenti e di volgari uomini d’affari, nascosta sotto la maschera della rispettabilità. 
Nel 1918 si iscrive al Partito Comunista ottenendo la tessera da Rosa Luxemburg in persona, e pone temporaneamente la sua arte al servizio delle classi rivoluzionarie. 
Nel 1920 Grosz assieme a Hausmann e Heartfeld organizza nella galleria di Otto Burchard a Berlino, la prima mostra Dada, dove figurano anche i lavori di Max Ernst e Otto Dix. Fonda le riviste politico satiriche: Die Pleite e Der blutige Ernst, tutte in ambito dadaista, curandone personalmente le illustrazioni. Ripetute sono le accuse fatte all’artista per vilipendio delle forze armate e della morale pubblica, infatti, condannato per il dipinto “Dio con noi” del 1920, basata su caricature di militari. Successivamente anche per blasfemia, in particolare per il disegno “Cristo con la maschera antigas” del 1927, originariamente intitolato “Tenere la bocca chiusa e continuare a servire”. Nonostante il successo delle sue opere nel 1933, con l’insediamento di Hitler al potere pone fuori legge il movimento Dada ed i suoi membri sono costretti a fuggire.
Grosz considerato un artista “degenerato” (le sue opere furono esposte nella mostra inaugurata da Hitler nel 1937, dedicata appunto all’arte degenerata), blasfemo e socialmente pericoloso, lascia l’Europa per rifugiarsi in America, terra libera e ancora di salvezza per intellettuali ed artisti. 
Dopo la guerra recupera alcune forme espressive del movimento Dada e, con i collages, si avvicina alla pop art.
Georg Grosz muore a Berlino il 6 luglio 1959 a 66 anni. La causa del suo decesso è singolare: giunto a notte fonda davanti la sua casa Grosz, ubriaco, aprì la porta della cantina anziché quella di ingresso causando una rovinosa caduta che gli costò la morte. 

La mostra sarà visitabile fino al 17 febbraio 2013 – Galleria De’ Foscherari, via Castiglione, 2/b – Bologna.
Orari: lunedì – sabato 10.00/12.30 – 16.00/19.30 – domenica su appuntamento.
Anna Scorsone Alessandri

Regalo ad Arte
a
Spazio San Lorenzo:
via S.Lorenzo n. 15 angolo via Arimondi (Centro storico) Terlizzi

a cura di
LabotatorioArtHouse Scorca La Tegola
Le Terre di Silla
ArteFattoMB

Lo “Spazio San Lorenzo” è una realtà espositiva e della creatività, situato nel cuore del centro storico a Terlizzi (Ba), in Via San Lorenzo 15. In concomitanza con le festività natalizie allestirà nei propri ambienti una esposizione di manufatti e oggetti di design, dalle forme uniche e originali, creati dai promotori “Laboratorio Art House Scorca La Tegola”, “Le Terre di Silla” e “ArteFatto MB”.
L’evento può definirsi una originale vetrina sul mondo dell’interior design e dell’artigianato artistico e creativo del territorio con una particolare attenzione alla scelta dei materiali utilizzati che va dalla ceramica, al legno, al ferro e al vetro, talvolta anche arrivando a materiali riciclati. Ogni singolo manufatto racchiude in sè passione e ingegno, talento e tecnica, estetica e qualità. Un percorso fra oggetti di diversa natura, espressione di ricerca e unicità, all’ insegna di un proficuo e rinnovato dialogo fra tradizione e innovazione.
L’evento “Regalo ad ARTE” è patrocinato dal Comune di Terlizzi e rientra nel calendario degli appuntamenti organizzati dal Comune di Terlizzi nell’ambito del Natale 2012.
L’esposizione, denominata “Regalo ad ARTE”, sarà visitabile dal giorno 2 dicembre 2012 al giorno 10 gennaio 2013 e sarà inaugurata domenica 2 dicembre 2012 alle ore 17.30.
Inoltre, l ‘ appuntamento “ARTè” sarà rinnovato nelle domeniche 9, 16, 23 e 30 dicembre 2012, sempre alle 17.30.
Lo spazio espositivo osserverà i seguenti orari: dal mercoledì alla domenica, dalle 17.30 alle 20.30! Apertura straordinaria il 24 dicembre, chiuso i giorni 8 e 26 dicembre 2012, nonché il 6 gennaio 2013.
Ingresso libero

Per informazioni: Tel.3476502478

Spazio San Lorenzo:
Laboratorio Art House Scorca La Tegola
Le Terre di Silla
ArteFattoMB

Uscirà agli inizi di dicembre 2012 il nuovo album dei Fluido Ligneo – Luca Pugliese, dal titolo Déjà vu (Terra Arte ed.; distr. EMI). Dodici brani, di cui tre inediti e nove rivisitati. 

Déjà vu nasce dall’incontro di strumenti e musicisti di svariati angoli del mondo che danno vita a un sound raffinato e potente e dai forti connotati etnici, ma totalmente svincolato dall’appartenenza di genere e soprattutto di ampia accessibilità, perché frutto di un’elaborata ricerca che riesce a tradursi in semplici canzoni. 

Tra i collaboratori del progetto ricordiamo, fra gli altri, Tony Bowers (bassista e fondatore dei Simply Red) e Giancarlo Parisi (già collaboratore di PFM, Fabrizio De Andrè ed Eugenio Finardi). 

Oltre a nove brani rivisitati troviamo i nuovissimi Déjà vu , Tarantella basta! , e Qui e Ora , con alle tastiere Vittorio Cosma. “Déjà vu” diventa la track list proprio perché il progetto ripropone vecchi motivi dopo dodici anni di ricerca, di prova e riprova, di nuovi incontri, di riconoscimenti, di nuove sonorità che hanno trasformato ciò che era in ciò che è. 

L’uscita del disco sarà accompagnata da una tournée teatrale nelle principali città italiane. Prime tappe il San Babila di Milano (4 dicembre 2012) e l’Ambra Jovinelli di Roma (11 dicembre). E non ci sarà soltanto musica. Le scenografie verranno infatti realizzate in estemporanea dallo stesso Luca Pugliese con un happening di pittomusica ispirato al suo progetto pittorico-musicale Cosmo sonoro (2010, ed. Skira). 

http://www.fluidoligneo.it
http://www.youtube.com/fluidoligneo 

INFO SUL COMPLESSO PROGETTO: 

IO SONO UNO CON I FRUTTI DELLA TERRA
Opera di autocoscienza cellulare collettiva 

Premessa, intenti e descrizione dell'Opera 

La ricerca di una rinnovata armonia e l'impegno teorico e pratico per contribuire a un mondo rispettoso di tutti gli esseri e della natura, è alla base di tutta la mia trentennale opera artistica e culturale. 

Da anni dedico creatività, progettualità, tempo e risorse economiche al totale servizio della coscienza e della pratica della difesa della natura, che è la base della nostra salute e della stessa sopravvivenza del genere umano. 

Preferire modalità alternative rispetto al cinico conformismo imperante - che siano in consonanza con uno stile di vita improntato alla conoscenza, all’amore e alla tutela della natura - può essere la nuova privilegiata possibilità dell'arte: una visione indispensabile, visto lo stato in cui si trova Gaia, la Terra.

Desidero comunicare l'importanza, la possibilità e il dovere morale di " un'arte che formi la cultura e la vita stessa" contribuendo ad "un sistema che trasformi tutto l'organismo sociale in un' opera d'arte", trasformando "non solo il fare quadri e sculture, ma tutta la forma sociale, come il maestro Joseph Beuys con preveggenza affermava già negli anni 70

Ritenendo l'Arte una potente attivatrice di conoscenza e di consapevolezza, valida spinta al miglioramento di sé, cosa viva e attiva nel promuovere importanti processi di rinnovamento e ritrovamento, stimolo per importanti cambiamenti nel sociale, qualunque sia il linguaggio espressivo scelto purché sentito, autentico, consapevole 

INVITO AD ESSERE COAUTORI / COAUTRICI
DELL'OPERA DI AUTOCOSCIENZA CELLULARE COLLETTIVA 
IO SONO UNO CON I FRUTTI DELLA TERRA

BISOGNA SEMPLICEMENTE INVIARE IN TEMPI BREVI -VIA MAIL O TRAMITE FB - UNA FOTO a MEZZOBUSTO IN BUONA RISOLUZIONE.

L'immagine - insieme alle altre - comporrà l'Opera, consistente in un grande frutto stilizzato, di cui ciascuno/a sarà simbolicamente una delle cellule.

Impersonalità e servizio al bene comune 

I volti dei compartecipanti sono inseriti in dischi piccolissimi, quindi non necessariamente riconoscibili, ad esemplificare la percezione impersonale di sé in un'azione che supera noi stessi/e, nella consapevolezza di stare attuando insieme un' azione virtuosa, in cui ciò che conta è la difesa del bene comune, per noi e per le future generazioni . 

Approfondimento 

La ricerca di armonia e di equilibrio con la madre terra, il rinnovarsi di quel rispetto nei suoi riguardi che gli esseri umani sembrano aver dimenticato, è alla base anche di quest'ultima opera di autocoscienza cellulare collettiva 
Nella certezza che l'arte possa essere catalizzatatrice di nuove consapevolezze e attiva nella difesa dell'ambiente, Teri Volini, come artista biofila, ha attivato negli ultimi anni una serie di opere nelle quali - sia a livello personale che collettivo - ha chiaramente espresso il suo intento comunicativo: LA DIFESA DELLA NATURA 
Rispetto alle altre opere di autocoscienza collettiva, il numero dei compartecipanti è maggiore: nelle opere precedenti si andava dai 40 partecipanti dell'opera collettiva per l'acqua, ai 50 per l'opera collettiva Io sono uno con gli alberi, agli 80 de Io sono uno con il sole.
vedere precedenti opere di autocoscienza collettiva ctrl + clic su :
op. collettiva Io sono uno con il sole su Blog http://www.terivolini.blogspot.com/  (andare in in Archivio 2011) http://www.terivolini.it/html/coscienza_uno_acqua.html 
op. collettiva Io sono uno con gli alberi su BLOG http://www.terivolini.blogspot.com/ 

I volti dei compartecipanti sono inseriti in dischi piccolissimi, quindi non necessariamente riconoscibili, ad esemplificare la percezione impersonale di sé in un' azione che supera essi stessi, nella consapevolezza di stare attuando insieme una azione in cui ciò che conta è la difesa del bene comune. 

Il frutto - di cui i compartecipanti diventano simbolicamente parte con la loro adesione - entrando nel nostro corpo come cibo, diventa tutt'uno con noi, con tutti i suoi principi vitali, ma può essere fonte di malattia se non ha determinati requisiti di integrità e purezza.
Da qui l'esigenza di conoscere approfonditamente la situazione e di operare affinchè il cibo sia il più possibile sano, per la nostra salute e per la preservazione della terra, da cui quei frutti provengono. 
Espandere la nostra percezione e la nostra conoscenza ci condurrà verso una maggiore consapevolezza ambientale ed alimentare; sarà la coscienza cellulare, una volta attivata, a farci realmente "sapere" di essere uno con il tutto: con la terra, l'aria, l'acqua, con tutti gli elementi, e ad agire in difesa della natura tutta , e in ultima istanza, di noi stessi/e e delle future generazioni ...
Tale consapevolezza ci renderà più determinati nell'attivare richieste a favore dell'ambiente nei più diversi ambiti, per impedire o limitare l'ulteriore inquinamento dell'aria, dell'acqua e del terreno, attuato con il perseverare di metodi di coltivazione inadatti, con l'uso incosciente di elementi dannosi e utili soltanto al dio denaro. 
Attivare un cambiamento di rotta è indispensabile ed improrogabile per la salute nostra e delle future generazioni, il tutto passando per la preservazione della natura.

ARGOMENTI DA CONDIVIDERE CON ALTRI GRUPPI 
Proposte tematiche per IO SONO UNO CON I FRUTTI DELLA TERRA 

LISTA APERTA 
(da completare con proposte e/o fra cui scegliere un argomento specifico 
su cui creare ed organizzare un incontro con il proprio gruppo - in sinergia con il Centro Delta e gli altri gruppi compartecipanti -

CIBO E SALUTE: 
Nuove abitudini per uno stile di vita rispettoso della natura e della salute: cibi biologici, biodinamici.
Spesa consapevole, cibo etico, impatto zero, alternative vegetariane, vegane , macrobiotiche... crudismo, digiuno, diete salutari...

CURARSI CON L'ALIMENTAZIONE 
Prevenzione malattie tramite il cibo - Metodi di guarigione tramite il cibo

UNA NUOVA CONSAPEVOLEZZA ALIMENTARE
Abap (Associazione Biologi Ambientalisti Pugliesi)

“X Grain - ma non chiamateli OGM” è un percorso a più voci che conduce ad una nuova consapevolezza alimentare. Attraverso i contributi di storici della scienza, agronomi, coltivatori, medici, nutrizionisti, biologi molecolari e avvocati, il regista Stefano di Lauro indaga e svela i mutamenti avvenuti nell’arco del secolo scorso in ambito cerealicolo.
E'il secondo video prodotto dall’Abap (Associazione Biologi Ambientalisti Pugliesi) che con “X-Nature – Bestiari del III Millennio” (ideato e realizzato nel 2008 dallo stesso regista Stefano di Lauro) ha partecipato a numerose rassegne cinematografiche di livello nazionale ed internazionale (Cinemambiente Environmental Film Festival – Torino 2009, Cineambiente Tour 2010, Clorofilla Film Festival 2010, Culture Unplugged Festival – India/USA/Indonesia/New Zealand 2011, ed altri) ottenendo importanti riconoscimenti.

UN FUTURO LIBERO DA OGM:
Vandana Shiva
La scienziata e scrittrice indiana si batte per un futuro libero da OGM, e racconta perché questa lotta ha radici in noi, nel nostro cibo, nella nostra libertà, nella nostra sovranità, anche nella nostra Italia. 
“dipendiamo dalla terra, i contadini dipendono dai campi, i popoli tribali dipendono dalle foreste, tutti dipendiamo dall'acqua, ognuno di noi dipende dal cibo. La guerra contro la Terra diventa una guerra contro gli esseri umani, è alla radice della fame e della sete nel mondo.Dobbiamo fare pace con la Terra sia perché se lo merita, sia perché è l'unico modo di proteggere i diritti umani.”

L'IPOTESI DI GAIA, IL PIANETA VIVENTE 
L'ipotesi di Gaia fu proposta dal chimico inglese James Lovelock con Lynn Margulis nei primi anni 1970, e ora si è trasformata in una teoria ricca di risultati sperimentali inaspettati. Nella presente relazione essa è assunta come quadro teorico generale in cui inserire il nostro atteggiamento nei confronti dell'inviolabilità della natura ,Nasce una nuova scienza olistica, la geofisiologia, che si occupa delle modalità di funzionamento della Terra concepita come un vero e proprio super-organismo vivente, un organismo che ci ospita e di cui facciamo parte come le nostre cellule fanno parte del nostro corpo. The Gaia Theory: James Lovelock & Lynn Margulis 

AGRICOLTURA BIODINAMICA
Rudolf Steiner
Rudolf Steiner, filosofo, esoterista e pedagogista austriaco, fondatore dell'antroposofia, di una particolare corrente pedagogica (la pedagogia Waldorf), di un tipo di medicina (la medicina antroposofica o steineriana) oltre che l'ispiratore dell'agricoltura biodinamica, di uno stile architettonico e di uno pittorico. Ha posto anche le basi dell'euritmia e dell'arte della parola. Si è occupato inoltre di filosofia, sociologia, antropologia e musicologia. Negli ultimi anni della sua vita si occupò anche di agricoltura tenendo una serie di conferenze sul tema ed enunciando una serie di principi generali che sarebbero poi stati elaborati dai suoi seguaci che particolareggiarono la dottrina biodinamica... 
L'agricoltura biodinamica ha il pregio di avere alle spalle oltre 80 anni di storia, di ricerche, di pionieri, di agricoltori, studiosi e appassionati ad ogni livello. L'obiettivo ultimo è quello di poter fornire alimenti adatti a una umanità ed a un ambiente planetario sempre in evoluzione. Riuscire ad aver cura della terra per aver cura dell'uomo e viceversa. In queste pagine troverete notizie su questa avventura conoscitiva e produttiva vissuta sul crinale che divide una cultura positivista e limitata alla proiezione delle leggi minerali sul mondo dei viventi da quel mondo ampio e ancora tutto da sperimentare e dipanare che nasce dalla visione goethiana del mondo e della natura per svilupparsi nel metodo scientifico-spirituale iniziato da Rudolf Steiner.

L'ARTE IN DIFESA DELLA NATURA,  OSEF BEUYS
l'artista tedesco sulla «Difesa della natura» costruì gran parte della propria poetica fino a fondare il movimento dei Verdi, che abbandonò quando divenne un partito politico. Tra le sue storiche performance, in cui era solito coinvolgere intere comunità, una simbolica quercia a cui ne seguirono 7000 nella tedesca Kassel come simbolo della difesa dell’uomo, della creatività e dei valori umani. 
...la priorità della difesa della natura, la possibilità e il dovere morale di " un'arte che formi la cultura e la vita" stessa, contribuendo ad "un sistema che trasformi tutto l'organismo sociale in un'opera d'arte", trasformando "non solo il fare quadri e sculture, ma tutta la forma sociale".

PROPONETE ALTRI ARGOMENTI E/O ADOTTATENE PER UNA PARTECIPAZIONE PERSONALIZZATA E ATTIVA!!!

grazie a nome della Terra .. e dei suoi frutti

Teri Volini, artista biofila, 
presidente Centro d’Arte e Cultura Delta di Potenza
biografia artistica : http://www.terivolini.it/homepage.htm 

x ulteriori info 339 24 14 133 
x invio foto: e-mail: terivolini@hotmail.com

INFO SULLE PRECEDENTI OPERE COLLETTIVE: 
clic su http://www.terivolini.blogspot.com 
e ricerca in archivio luglio 2010, maggio e giugno 2011

PRECEDENTI OPERE in difesa della natura: 
http://www.terivolini.it/html/performances.htm

http://www.terivolini.it/html/bellaterra.htm

http://www.terivolini.it/html/mostrabellaterra.htm

http://www.terivolini.it/html/galleria_mostra_evento_biblio.html

IO MI FACCIO IN QUATTRO PER i SI', E TU?
Su blog http://www.terivolini.blogspot.com/   in Archivio giugno 2011

SITO WEB: www.terivolini.it

SITO HOMEPAGE: http://www.terivolini.it/homepage.htm

http://www.terivolini.it/html/performances.htm

Teri Volini
Centro d’Arte e Cultura Delta di Potenza
339 2414133

LUCIO DIODATI “COSI’ FAN TUTTE”

Domenica 9 dicembre 2012, alle ore 18,30, presso il prezioso contenitore del Castello Imperiali di Francavilla Fontana (Brindisi), si inaugura la personale di pittura di Lucio Diodati. L’evento è organizzato da SAE (Salento Art Events), in collaborazione con la città di Francavilla Fontana, dagli assessorati alla cultura, turismo e spettacolo, e dalla Galleria Colorstudio Picardi.
Lucio Diodati il pittore delle donne, artista abruzzese riconosciuto da appassionati e collezionisti d’arte su scala internazionale ha all’attivo mostre in tutto il mondo.
Con il suo personalissimo modo di dipingere ed esprimersi dà vita a creature limpide, poetiche, solari, buffe e ingenuamente maliziose.
La personale dal titolo “Così fan tutte…” è un tema che ruota attorno alle figure femminili. La sua visione è fortemente soggettiva e penetra all’interno dei visi, oltre gli sguardi, a scrutare una realtà di cui sembra prendersi giuoco: deliziose, colorate, un po’ ingenue e un po’ d’effetto; la galleria delle donne di Diodati; con stile favolistico, ironico e di forte presa narrativa.
Diodati ci consegna figure di donne cristallizzate in ironiche foto ricordo, che ridono e sussurrano, intorno ad una tavola imbandita, accomunate dallo stesso intimo desiderio e bisogno di essere guardate, comprese. I diversi pezzi che compongono le sue mostre, non sono che paesaggi narrativi di un unico tema: la rappresentazione della figura femminile. In un suggestivo palcoscenico artistico gruppi di donne dagli occhi imperscrutabili, fessure schiuse appena, per custodire piccoli segreti, prendono identificazione attraverso una tecnica pittorica che combina colori e forme in una raffinata esecuzione.
Anna Spatafora in un suo testo scrive… A leggere le storie che si narrano nelle splendide e coloratissime opere di Lucio Diodati ci si chiede il perché dei personaggi hanno sempre metà del viso in ombra, e come se facessero ombra l’un l’altro. Complicità? Tacito consenso? Ciascuno di queste cose sono le opere di Diodati è dissipata nell’ironia da cui procede la sua pittura, ironia non morale che si insinua leggera tra i bronci e sorrisi, gentilezze e sorrisi di personaggi di altri tempi, eppure più che mai attuali…
Nel vernissage di domenica 9 dicembre, alle ore 18,30 nella Sala della Musica, si terrà una presentazione delle opere, a cura del noto Esperto d’Arte di Salerno Dott. Cesare Corbara. La serata sarà condotta dalla giornalista Claudia Turba e prevede intermezzi musicali a cura dell’Associazione Armonie, con la prestigiosa esibizione della flautista prof.ssa Palma di Gaetano. Ad aprire il vernissage ci sarà un’opera di “video-arte” in omaggio al Maestro Diodati, realizzato da Antonella Zito, giovane ed emergente artista di Francavilla.

Evento: “Così fan tutte”
Sede: Castello Imperiali – Francavilla Fontana (Br)
Telefono: 349 7225465
Periodo: dal 9 al 23 dicembre 2012 
Anna Scorsone Alessandri

La Castelli Gallery di Milano inaugura 
“ALCHIMIE TATTILI”,
mostra personale della pittrice CALINA LEFTER

Martedì 11 dicembre, alle ore 19.00, la Castelli Gallery di Milano inaugurerà la mostra personale di Calina Lefter, pittrice di origine moldava residente in Italia da alcuni anni. 
Artista dalla vena poetica e introspettiva, Calina Lefter prende spunto dalla visione reale del paesaggio per creare mondi immaginari di notevole intensità lirica, arricchiti da bagliori luminosi e interessanti contrasti polimaterici. I soggetti preferiti sono paesaggi naturali di grande respiro, colti in momenti particolari del giorno e testimoni del progressivo mutare delle stagioni, oppure nature morte in interni casalinghi di impronta metafisica, in cui il tempo appare tanto dilatato da apparire quasi assente. Tutto giace sospeso tra realtà e sogno, in una dimensione intima e interiore che vive di memoria e di attesa. 
Osservando con attenzione i suoi lavori si percepisce una stratificazione di materia, ma anche di significato, lenta e graduale, curata e metodica, tesa al raggiungimento finale di un'armonia compositiva in grado di attrarre lo spettatore in un contesto nuovo e sensuale. E' difficile resistere alla tentazione di toccare con la mano le superfici tattili dei suoi dipinti: increspature di colore, dripping, e una notevole varietà di tessuti, ora morbidi, ora più rigidi, ora lisci e ora traforati, sembrano aspettare noi per riportarci col ricordo a sensazioni già vissute in precedenza. Il dialogo tra materiali tanto diversi è stretto e serrato, un gioco compositivo che rivela uno sperimentalismo vivace e appassionato intento a lasciare la materia libera di esprimersi attraverso quelle proprietà che le sono proprie. 
L'artista sembra orchestrare con maestria modulazioni tonali che, succedendosi l'un l'altra, suggeriscono un ritmo brillante e ben calibrato, fatti di lunghe pause e contrappunti. Le ampie campiture di colore, animate da innumerevoli stesure di colore, si alternano a elementi dotati di una propria specificità e curati nel dettaglio, costringendo l'occhio a seguire un percorso irregolare e a soffermarsi su certi dettagli per poi, mentalmente, ricostruire una “propria” visione d'insieme che non è solo il dato visivo suggerito dalla pittrice ma una visione unica e personale.
I titoli stessi delle opere, “Gocce di stelle”, “Oggi piove”, “In attesa della cena” e “Notturno invernale”, rivelano questo desiderio di fermare un particolare attimo della propria vita, di cristallizzarne gli stati d'animo, per trasporre sulla tela un sentimento che possa essere colto e condiviso da altri. Rivelano anche sentimenti contrastanti; una delicata e avvolgente malinconia di fondo, stemperata nella visione calda e luminosa di paesaggi naturali tanto cari ed amati, dove ritemprare l'animo affaticato dagli affanni della vita quotidiana. Non si tratta di una fuga dalla realtà in senso stretto ma della ricerca di un luogo di pace e tranquillità, in cui potersi perdere e ritrovare, per poi osservare con sguardo nuovo le tante meraviglie che ci circondano.

CALINA LEFTER
Nasce a Telenesti (Moldavia) nel 1978. Nel 1988 inizia a studiare presso la scuola di pittura a Telenesti. Nel 1993 si trasferisce a Iasi dove frequenta il Liceo Artistico “Octav Bancila”. Successivamente frequenta l’Accademia d’Arte Nicolae Grigorescu di Bucarest.
Al termine di un corso di studi artistici lungo 14 anni, diventa membro dell’Unione Arti Visive.
Nel 2008 si stabilisce a Milano, dove vive e lavora.
Sito personale dell'artista:
http://calinalefter.com

“Alchimie tattili” - Mostra personale di Calina Lefter
11 - 19 dicembre 2012
a cura di Emanuela Rindi

INAUGURAZIONE: MARTEDI 11 DICEMBRE, ore 19.00
Castelli Gallery
Via Cerano, 15 – 20144 MILANO
Orari: Tutti i giorni dalle 7:30 alle 23:30.
www.castelligallery.it
INGRESSO LIBERO

Ufficio Stampa: Rindi Art | info@rindiart.it

JIMMIE DURHAM

WOOD, STONE AND FRIENDS

OPENING 15 DICEMBRE 2012 ORE 18.00 - NAPOLI, PALAZZO REALE SALA DORICA, PIAZZA DEL PLEBISCITO 1 

Sabato 15 dicembre, la Sala Dorica del Palazzo Reale di Napoli ospita la mostra "wood, stone and friends" di Jimmie Durham, artista, saggista, poeta ed attivista politico.

Alla base della sua pratica artistica c'è il tentativo di decostruire i concetti cardine della cultura europea lasciando all'essenza stessa dell'oggetto la capacità di raccontare la sua storia.

I principi di monumentalità celebrativa, permanenza e universalità di architettura e scultura, considerata per secoli un mezzo per affermare l'identità di un popolo e della sua cultura, vengono rifiutate per liberare l'oggetto dalla volontà dell'uomo di controllarne la natura: la pietra lavica che compone l'emiciclo dorico di Piazza del Plebiscito ha la capacità di autodescriversi e raccontarsi a prescindere dalla caratterizzazione imposta dagli stili e le correnti artistiche che susseguendosi ne hanno configurato la forma.

La Sala Dorica di Palazzo Reale diviene uno spazio contemplativo in cui differenti sculture assemblate con il legno di quattro tipologie di alberi differenti, insieme a massi di pietra lavica e frammenti di metallo industriale, tendono a ricreare un ambiente surreale, a metà fra la foresta e la fabbrica. Le sculture sono ricavate dal legno smembrato e riassemblato di due olivi millenari provenienti dalla puglia, di un noce molisano, di un castagno e di vari alberi tropicali, mentre i massi di pietra lavica conservano la loro forma originale. Il suggestivo spazio della sala, già scandita dalle sue colonne-albero, si trasforma in un luogo in cui lo spettatore è invitato ad immergersi per riflettere non sul significato simbolico che gli oggetti possono assumere dopo la lavorazione dell'artista, ma sulla loro organicità. La ricchezza del legno con i suoi odori, i nodi, le stratificazioni del tempo, la varietà tattile della sua consistenza, riesce a comunicare l'essenza del proprio essere e trasferire nello spazio in cui è collocato parte della storia dei luoghi da cui proviene e degli accadimenti a cui ha assistito nello scorrere degli anni. Lo spettatore può così esperire la realtà dell'ambiente creato grazie al rapporto primordiale ed empatico che si sviluppa dal contatto con il materiale. Durham si ispira, qui, al lavoro di Constantine Brancusi ed al suo tentativo di catturare e riprodurre l’essenza delle cose attraverso un processo scultoreo che tende ad
evidenziarne la realtà effettiva: l’idea alla base dell’oggetto piuttosto che la sua forma apparente. La pietra lavica infatti non viene lavorata perché la forza della sua presenza fisica non necessita di una codificazione.

Antony Huberman, in un saggio sull'artista ha scritto: “Dimenticate che la storia è una collezione di storie che danzano insieme?" La sala dorica di Palazzo Reale di storia e di storie ne contiene tante, come i due ulivi bicentenari ed il magma solidificato che vengono lasciati liberi di parlare silenziosamente allo spettatore, facendo leva sulla sua capacità immaginativa. L‘atto dell’artista consiste semplicemente nel ricreare l’ambiente naturale da cui gli oggetti messi in gioco provengono, creando una foresta da ciò che già in sé ne è parte.

In una città le cui pietre su cui ogni giorno camminano milioni di persone parlano lingue differenti e sono ricche di apporti e visioni che vengono tacitamente rappresentate attraverso la loro presenza, dove gli archi e le volte sono state strutturate dal susseguirsi degli stili architettonici ma hanno assunto naturalmente forme e colori sempre differenti, la visione di Jimmie Durham può essere applicata ad una consuetudinaria passeggiata nei vicoli del centro storico, dove basta rimanere in silenzio ad osservare murales e panni stesi, per rendersi conto di quanto il controllo dell'uomo e di qualsiasi forma di cultura, sia impotente rispetto alla naturale evoluzione delle cose.

INFO UTILI: FONDAZIONE MORRA GRECO - LARGO AVELLINO, 17 80138 NAPOLI
TEL. 081210690 - WWW.FONDAZIONEMORRAGRECO.COM

GIAMBATTISTA TIEPOLO
Villa Manin, Codroipo (UD)

Dal 15 dicembre 2012 al 7 aprile 2013 la fastosa dimora dell’ultimo Doge di Venezia, si fa scrigno di dipinti sacri e profani di Giambattista Tiepolo.
Un evento a cura di Giuseppe Bergamini, Alberto Craievich e Filippo Pedrocco programmato da quattro anni, e atteso a livello internazionale e di importante impegno organizzativo per numero e qualità di opere esposte presso il Palazzo patriarcale di Udine, ora Museo Diocesano dove Tiepolo affrescò il soffitto dello Scalone d’onore, la Galleria degli Ospiti, la Sala Rosa e la Sala del Trono, e a Trieste, al Civico Museo Sartorio, che custodisce oltre 250 disegni. 
Giambattista Tiepolo è senza dubbio il pittore veneziano più celebre del Settecento: l’instancabile realizzatore di imprese monumentali su tela o affresco,vero e proprio detentore del monopolio tanto nella decorazione dei palazzi, quanto delle ville. Accanto all’esame dei singoli dipinti vengono ricordati i maggiori committenti e gli intellettuali, come Scipione Maffei, i cugini Zanetti, Francesco Algarotti, che hanno seguito l’artista fin dagli esordi, influendo sulla sua formazione culturale; molto attento e preciso divenne presto pittore di grande fama. 
Molte delle opere esposte hanno rischiato di essere compromesse da recenti eventi bellici. 
Tiepolo nasce nel marzo del 1696, in corte San Domenico, nel popoloso sestiere veneziano di Castello, in un ambiente estraneo al mondo dell’arte, pur tuttavia nel 1710 entra a far parte della bottega di Gregorio Lazzarini, uno degli artisti più affermati in quel momento, sa usare diverse intonazioni stilistiche in funzione del tema da trattare e per assecondare i gusti dei committenti; Tiepolo vi rimane fino al 1717, quando il suo nome appare per la prima volta nella Fraglia dei pittori veneziani. Inizialmente viene incaricato di realizzare copie grafiche di dipinti cinquecenteschi, preparatorie per alcune delle incisioni che compongono il “Gran Teatro delle pitture e delle prospettive di Venezia”. Questo lavoro oscuro di copista gli consente di impadronirsi di varie tecniche; questa attenzione al continuo studio delle opere di altri artisti sarà costante in tutta la sua attività. Tiepolo si dimostra fin da subito di sapersi muovere in diverse direzioni stilistiche, in ossequio, probabilmente, ai desideri dei committenti. Lavorando presso la bottega di Gregorio Lazzarini, Tiepolo ottiene le prime commissioni importanti: all’Ospedaletto e nella casa del doge allora in carica Giovanni II Corner, dove – giusta la testimonianza del Lazzarini, Vincenzo Da Canal “presiedeva alla distribuzione delle cose pittoriche”, tuttavia non mancano dipinti realizzati per altri committenti. Ma la sua personalità emerge presto, Tiepolo fin dalle prime opere già si distacca dal Lazzarini per sviluppare una originale visione, usa una tecnica pittorica rapida e sicura, che gli permetterà di affrontare con velocità incredibile la decorazione ad affresco di immensi spazi in chiese, palazzi e ville. Lo stile personale di Tiepolo è caratterizzato da un colorismo caldo con toni chiari, che richiama i modi di Sebastiano Ricci, ma, al di là dell’intonazione coloristica diversa, sono comuni a queste opere la grafia nervosa, secca dei contorni e la ricchezza materica della pennellata libera, sciolta e fremente. La caratteristica delle sue opere è la grande spettacolarità: i suoi dipinti sono sempre sorprendenti, le scene sembrano spontanee e naturali, coinvolgenti dal punto di vista emozionale. Una serie di affreschi che avviano una felicissima fase espressiva sono quelli realizzati nel soffitto della chiesa veneziana dei Gesuati del 1737, a Milano, chiamato dal cardinale Erba Odescalchi per realizzare alcuni affreschi nella basilica di Sant’Ambrogio:realizza tre pale per il patriarca Dolfin a Udine, destinate alla chiesa di Santa Maria Maddalena e altre due al Duomo e la serie con le Scene della Passione del 1738-40, interpretati con stile teatrale, in Sant’Alvise a Venezia. La sua fama di pittore universale è dovuta ai grandi cicli di affreschi, opere di carattere sacro, agli intensi ritratti e figure intere che fanno parte della sua intensissima attività, ma soprattutto quelli realizzati a partire dal 1745.
Dipinge sette pale per la chiesa reale di Aranjuez, oggi divisi tra il Museo del Prado di Madrid e il palazzo Reale di Madrid, con solitarie figure di santi collocati in paesaggi vuoti e realistici. Particolarmente piacevoli sono i dipinti di contenuto storico o mitologico, nei quali il pittore sprigiona tutta la sua irruenta capacità espressiva: egli non si limita a visualizzare famose vicende del passato ma indaga l’intima natura dei protagonisti facendone emergere passioni e individualità.

Giovan Battista Tiepolo muore improvvisamente il 27 marzo 1770 a Madrid e viene sepolto nella chiesa di San Martin: a causa della successiva distruzione della chiesa, i resti del grande artista sono andati perduti. La notizia della sua scomparsa giunge a Venezia un mese dopo, il 21 aprile.
Giambattista Tiepolo è stato uno dei pochi artisti che ha goduto in vita fama e stima dei contemporanei. La sua arte è stata apprezzata con continuità anche dopo la sua morte. 

Molto curato, l’apparato didattico e le visite guidate. 
Villa Manin – Codroipo (UD) – Piazza Manin 10 (frazione Passariano)
Orari: lunedì – venerdì 9-18; sabato, domenica e festivi 9-19; 25 dicembre 14-19; 31 dicembre 9-14; 1 gennaio 11-19.
Anna Scorsone Alessandri

“Successi ’na vota: Mitologia e leggende della Sicilia favolosa”.

Sarà inaugurata venerdì 28 dicembre 2012 alle ore 16,30 nella città di Monreale, presso il Complesso Monumentale Guglielmo II la mostra d’arte contemporanea “Successi ‘na vota, Mitologia e leggende della Sicilia favolosa” e presentazione del libro di Claudio Alessandri.
La mostra organizzata e curata dall’Associazione Culturale Ricercarte di Palermo, presenta 37 lavori eseguiti da artisti operanti nel territorio siciliano e ispirandosi alle leggende del libro scritto da Claudio Alessandri dal titolo: “Miscellanea, Successi ‘na vota, Mitologia e leggende della Sicilia favolosa”. Sarà presente il Sindaco di Monreale Dott. Filippo Di Matteo e l’Assessore alla Cultura Dott.ssa Lia Giangreco; Introduzione dell’Arch. Aldaire Muhammad con letture a cura dell’Ass.ne Culturale TEM.A e dalle Prof.sse Maria Angela Eugenia Storti e Graziella Bellone. 

E’ un insieme di racconti che ha dato vita a questa collettiva di dipinti, tratta dalla mitologia, dalla storia recente e dalla feconda fantasia popolare. Cimentarsi su un argomento dalle mille sfaccettature, non è certamente agevole, eppure gli artisti che hanno accettato questa sfida, sono numerosi e ciascuno nel proprio sentire artistico, lo ha fissato in una immagine, logicamente come intesa dagli artisti che fanno di questa mostra un ottimo banco di prova nel campo delle arti figurative.

Gli artisti che hanno dato vita a questa manifestazione sono: Giovanna Agrò, Tiziana Ardagna, Arturo Barbante, Luciana Barletta, Marisa Battaglia, Miriam Buttiglieri, Peppe Caiozzo, Francesco Collura, Angelo Denaro, Liliana Errera, Antonella Farinella, Naire Feo, Dora Flavianna, Manlio Geraci, Piera Ingargiola, Valeria Lo Dico, Maria Lo Duca, Ivana Mancino, Caterina Mazzara, Domenico Mezzatesta, Rocco Micale, Vincenzo Ognibene, Salvatore Previti, Maria Laura Riccobono, Celeste Salemi, Angela Sarzana, Maurizio Scaldara, Mimmo Serio, Nancy Sofia, Arturo Stabile, Antonella Stillone, ketty Tamburello, Maria Felice Vadalà , Elena Vavaro, Caterina Vicari, Tiziana Viola Massa, Fabio Vivona. 

SUCCESSI ‘NA VOTA dal 28.12.2012 al 07.01.13 - Ex Monastero dei Benedettini, Piazza Guglielmo II Monreale.
Orario: lunedì - sabato 9,00 – 13,00 
martedì e giovedì: 15,00 – 18,00.


RICERCARTE
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